Search this site

April 2023 | Design & Interiors Zin and Rotonda by Uniqka T here are two products we have chosen from the collection of Uniqka, the brand of Kerem Ariş and Merve Parnas, which highlights handcraft and materials. ROTONDA The first is Rotonda, designed for Uniqka by Milan-based studio CARA \ DAVIDE. Rotonda is a useful and versatile storage box that can be used in a variety of settings, such as the bedroom and office. The leather, which acts as a unique cover on the metal base, also allows objects to be displayed on it. Inspired by the curved structure of leather, Rotonda stands out with its minimal details. Rotonda's sculptural leather cover is made from vegetal tanned leather and is finished with minimal hand-stitching detail. Rotonda is produced with environmentally friendly vegetable tanned leather. Thanks to vegetable tanning, leather has a unique texture and appearance day by day, and it becomes beautiful by carrying the traces of time. ZİN The second product we chose is Zin. Zin is a versatile coffee table with dedicated storage for books and magazines. Thanks to its leather handle, it can be carried easily to any place. Designed by Isabel Quiroga for Uniqka in 2018, Zin's inspiration was to design a portable, sophisticated coffee table with storage space. Zin takes its name from its elegant form and the Dutch word “Zin” which means to enjoy. K erem Ariş ve Merve Parnas’ın el işçiliği ve malzemeyi ön plana çıkaran markası Uniqka’nın koleksiyonundan seçtiğimiz iki ürün var. ROTONDA İlki, Milano merkezli stüdyo CARA \ DAVIDE tarafından Uniqka için tasarlanan Rotonda. Yatak odası ve ofis gibi çeşitli ortamlarda kullanılabilen kullanışlı ve çok yönlü bir saklama kutusu Rotonda. Metal taban üzerinde eşsiz bir kapak görevi gören deri, aynı zamanda nesnelerin üzerinde sergilenmesine olanak tanıyor. Derinin kıvrımlı yapısından ilham alan Rotonda, minimal detaylarıyla ön plana çıkıyor. Rotonda’nın heykelsi deri kapağı, vejetal tabaklanmış deriden yapılıyor ve minimal el dikiş detayı ile tamamlanıyor. Rotonda çevre dostu bitkisel tabaklanmış deri ile üretiliyor. Bitkisel tabaklama sayesinde deri, gün geçtikçe kendine özgü bir doku ve görünüşe sahip oluyor, zamanın izlerini taşıyarak güzelleşiyor. ZİN Seçtiğimiz ikinci ürün ise Zin. Kitap ve dergiler için özel bir saklama alanına sahip, çok yönlü bir sehpa Zin. Deri kulbu sayesinde istenilen yere rahatça taşınabiliyor. 2018 yılında Isabel Quiroga tarafından Uniqka için tasarlanan Zin’in ilhamı, saklama alanına sahip, taşınabilen, sofistike bir sehpa tasarlamaktı. Zin, ismini elegant formundan ve Felemenk dilinde hoşlanmak anlamını taşıyan “Zin” kelimesinden alıyor.

Caymus-Suisun Winery in Northern California features work by Bohlin Cywinski Jackson, The Bureau, Sarah Giesenhagem, Thad Geldert and Jerome Pereira. January 2024 | Design & Interiors english below A new wine vineyard destination CAYMUS-SUISUN words Leon D. Aretyan photos Yoshihiro Makina C aymus -Suisun Winery, Pasifik Okyanusu’nun rüzgârlarıyla soğuyan Kuzey Kaliforniya’daki Suisun Vadisi’nde yer alıyor. Mimarisi Bohlin Cywinski Jackson'a, iç tasarım ve tüm kürasyonu Sarah Giesenhagem liderliğindeki The Bureau'ya (Thad Geldert işbirliğiyle) ait bu yeni şarap imalathanesinin en dikkat çekici yanı, tamamen camdan oluşan tadım odası. Yapının tamamen dışarıya açılmasını sağlayan geri çekilebilir duvarlara ve her yönden çalıştırılan vasistas pencerelere sahip olan tasarımı, özellikle gün batımında göz kamaştırıyor. Sarah Giesenhagem tasarımla ilgili şunları söylüyor: “Caymus -Suisun'daki tüm mobilyalar, sanat eserleri ve kıyafetlerin neredeyse tamamı 30'dan fazla yaratıcı iş birlikçi tarafından özel olarak hazırlandı. Düşünceli bir şekilde tasarlanan ve seçilen bu bileşenler, Caymus-Suisun'un çok kuşaklı şarapçılık ailesini ve onların öncü doğasını yansıtan bir niyet ve zanaatkârlık düzeyini yansıtıyor”. Sarah Giesenhagem’ın bahsettiği yaratıcı iş birlikçilerden biri de tasarımcı Jerome Pereira. Pereira, heykeli anım satan aydınlatmalarını ip, ahşap, cam ve diğer doğal unsurları kullanarak tamamen el işçiliğiyle yapmış. C aymus -Suisun Winery is located in the Suisun Valley in Northern California, cooled by the winds of the Pacific Ocean. The highlight of this new winery, with architecture by Bohlin Cywinski Jackson and interior design and curation by The Bureau led by Sarah Giesenhagem (in collaboration with Thad Geldert), is the glass pavilion tasting room. Its design, which has retractable walls that allow the building to be completely opened to the outside and transom windows that can be operated from all directions, is especially dazzling at sunset. Sarah Giesenhagem says the following about the design: “At Caymus -Suisun, the majority of the furnishings, fixture s, art, and attire were custom crafted by over 30 creative collaborators. These thoughtfully designed and curated components provide captivating and meaningful experiences for visitors, conveying a level of intention and artisanship reflective of Caymus-Suisun’s multi-generation winemaking family and their pioneering nature. A rich appreciation and curiosity for agrarian ventures like wine making, a love of hospitality design and the storytelling that can be built into the experience convinced me to work on this project”. One of the creative collaborators Sarah Giesenhagem mentioned is designer Jerome Pereira. Pereira created his sculpture-like lighting entirely by hand, using rope, wood, glass and other natural elements.

April 2023 | Design & Interiors Pink House: Seabreeze T his beach house named SeaBreeze designed by RX Architects is located in East Sussex, England. Referring to Mediterranean beach houses, Seabreeze immediately stands out among other beach houses with its durable microfiber concrete exterior colored with pink pigment. R X Architects’in tasarladığı SeaBreeze isimli bu sahil evi İngiltere’de, East Sussex'te yer alıyor. Akdeniz sahil evlerine atıfta bulunan Seabreeze, pembe pigmentle renklendirilmiş dayanıklı mikrofiber beton dış cephesiyle diğer sahil evleri arasında hemen dikkat çekiyor.

Travel stories from YUZU Magazine: design hotels, boutique stays, island guides and city guides across the Aegean, Mediterranean, Europe and the Americas. TRAVEL VILLA PAULI: A NEW CHAPTER PARADERO A NIGHT IN THE RED DESERT A PRIVATE WORLD ON THE PACIFIC A STOCKHOLM LANDMARK THROUGH A BARCELONA LENS THE NEW ERA OF A 600-YEAR-OLD PALAZZO INSIDE CHRISTIAN LOUBOUTIN’S VERMELHO PEOPLE COME TO HYDRA NOT ONLY FOR FOOD BUT FOR A FEELING BORGO GALLANA ANA LUI ‘Island life is definitely something that makes me happy!’ A SLOWER SIDE OF OAXACA LE SIRENUSE MARE A NEW CHAPTER IN A QUIET BAY SON BLANC MENORCA THE VOCMOS SPIRIT: SMALL, PERSONAL, AND FULL OF SOUL A MINIMALIST PAUSE IN TIME SIFNOS, AT ITS OWN PACE A QUIET, WILD RETREAT: PRAIA DO CANAL AT DUN ALUINN, TIME SLOWS LIVING BY THE ANTIPAROS FLOW ATMOSPHERE OVER NOSTALGIA Show More

Chef Giorgos Samoilis discusses hyper-local cooking, Greek island ingredients and his restaurants Cantina and Pelicanos in Sifnos in this interview. July 28, 2026 | vol 19 GIORGOS SAMOILIS words Onur Baştürk photos George Venios & Giorgos Samoilis Meet chef Giorgos Samoilis, who returned to Sifnos after a career in molecular biology and years spent summering on the island. Today, he is behind Cantina and Pelicanos, two of Sifnos’ most talked-about restaurants. You began your career in molecular biology before moving into the kitchen. What led you from science to cooking, and how does that background shape the way you approach food today? Fourteen years in research and academia were enough to close a beautiful circle in this amazing world of discoveries and knowledge. Wanting to move away from the big cities — where science is usually practised — and build a lifestyle closer to nature and my roots in the Greek islands became the catalyst for this major shift in my life. The hard-earned skills I acquired in my first career path have been instrumental in cooking and in managing my teams and restaurants. The kitchen is a laboratory in which we apply temperatures, acids and timing to proteins, carbohydrates and lipids, transforming them into something delicious that we can happily serve and eat instead of publish. What first pulled you towards Sifnos? Was it a deliberate move, or something that evolved naturally over time? My mother’s family comes from Sifnos. We have a family home on the island, and I spent part of my summers there as a child. At some point, the idea of moving permanently to Sifnos became a necessity. Do you live and work on the island year-round? How does Sifnos change across seasons, and how does that influence the way you cook? I spend around six months of the year in Sifnos, during the period when the restaurants operate, from May to October. Together with my teams, we create hyper-local, ingredient-driven menus, so seasonality is inevitable. Sifnos — like most places in Greece — has four distinct seasons. Within them, we can also recognise many micro-seasons, especially through the way products such as fruits, vegetables, fish, milk and meat appear, disappear and evolve. It is exciting and keeps us grounded in the “nowness” of the island. This process fuels the creativity that shapes our menus. THE SPIRIT OF CAMARADERIE BETWEEN RESTAURATEURS, CHEFS AND PRODUCERS IS WHAT SETS SIFNOS APART GASTRONOMICALLY Sifnos has a long-standing culinary tradition. How do you position your work in relation to that heritage? We are very lucky to have the opportunity to create food in a place that, despite its small size, has such a deep gastronomic tradition. With respect for this heritage, we learn from tradition and from the people who carry it forward — the locals — while also bringing new ideas and creating new know-how within an ever-changing world full of challenges. Sifnos is increasingly recognised as one of Greece’s most compelling gastronomic destinations. What, in your opinion, sets the island apart? This did not happen by chance. We are a group of young professionals — restauranteurs, chefs, hotel owners and producers — who have actively shaped this new gastronomic identity over the past 15 years, even before the early days of Omega3, which we started back in 2013. There is a genuine spirit of camaraderie and collaboration between us, and in my opinion, this is what truly sets Sifnos apart from other islands. Beyond the restaurants, what kind of life do you find yourself living on the island? The truth is that I spend most of my time between my restaurants and projects: Cantina, Pelicanos, Lamarina and our newly formed permaculture farm. But I still find time to swim at my secret spots — which I will not reveal here! I also often find myself enjoying traditional dishes at the tavernas in Kamares port or in Vathi. BEYOND THE HUNDRED STEPS AND THE PEBBLED SHORELINE, CANTINA FEELS FAR REMOVED FROM THE TYPICAL SEA-VIEW GREEK ISLAND RESTAURANT. Your approach is often described as “hyper-local.” What does that mean in practice — both in sourcing and in the daily rhythm of the kitchen? Local produce — and the people behind it — are the reason Cantina exists. This requires a highly inspired, passionate and skilful team of professionals who understand and respect the processes of nature, while constantly searching for the best that Sifnos has to offer. Every night, we go to sleep thinking about what we’ll cook tomorrow. When someone visits Cantina for the first time, what kind of experience do you hope they leave with? The Cantina experience begins the moment you reserve your table. You realise you are going to a place where food sits at the centre of the experience, and that it has little to do with a typical Greek island spot with a beautiful view. You come for the food and the wine. Once you arrive, the experience deepens as you walk down the 100 steps and cross the 200 metres from our cellar along the pebbled beach to the restaurant. Music drifts out from the kitchen. An untold show begins as the sun goes down and the moon comes up. I like to think that three hours later, as you walk back up those steps, you stop for a moment, look behind you, and begin thinking differently about your own next steps after leaving Sifnos. - The full story is featured in Vol.19 - Print / NEW VOL XIX - Aegean & Mediterranean 2026 €22,00 Price Add to Cart

Nisan 2021 | Art | Türkiye Fran Aniorte’nin Akdeniz anıları MEDITERRANEO “Gerçek lüks, yaşadığımız deneyimlerdir: İnsan teması, insanlarla bağlantı doğa, sessizliğin yeniden keşfi, ustalık ve özgünlük gibi ender görülen her şey!” Barselona ve İstanbul arasında yaşayan İspanyol sanatçı ve tasarımcı Fran Aniorte’ye ait bu sözler. 14 nisanda Goba Art&Design’da “Mediterráneo” adlı bir sergi açacak olan Aniorte’nin çalışmalarının kapsamı geniş. “Object-art” ve sanat enstalasyonlarının yanı sıra tasarım ve sanat yönetmenliği de yapıyor. Bu çeşitliliğin nedenini şöyle anlatıyor Fran Aniorte: “Kişisel bir evren yaratmak için sanatı, tasarımı, zanaatı ve yaşam tarzını birleştiriyorum. Yıllarca dijital araçlarla tasarım yaptıktan sonra temel olana dönmeye ve ellerimle çalışıp sanatımla yeniden bağlantı kurmaya karar verdim”. Yapıtlarında biraz sihir olduğunu söyleyen Fran, basit fikirleri ve doğal malzemeleri kendiliğinden tuhaf bir tarzla birleştirdiğinin altını çiziyor. Ortaya çıkan sonucu ise modern ve sofistike, ama aynı zamanda mütevazı ve insani parçalar olarak yorumluyor. Sanat projelerinin yanı sıra halen Karaca'nın kreatif direktörlüğü görevini de sürdüren Fran, sergisiyle ilgili detayları şöyle açıklıyor: “Mediterráneo bir yıl önce başladığım bir sanat projesi. Bu projede Akdeniz hakkındaki kişisel vizyonumu, eski kültürlerden ilham alan günlük nesneler ve grafik sanat eserleri aracılığıyla keşfetmeye çalıştım. İspanya, Türkiye, İtalya ve daha birçok bölgeden popüler el sanatlarında kullanılan hayvanları ve grafikleri stilize edip modern bir çizgiye taşıdım. Bunları Akdeniz'de geçen çocukluk anılarımla harmanladım. Her parçayı Akdeniz kültürünün arkaik referanslarıyla süsledim. Kuşlar, organik geometri, dikenli armutlar, incirler, coşkulu bitki örtüsü gibi… Çocukken incir ağaçları, kuşlar ve sakin yaşamla dolu bir Akdeniz'de, alçak vadinin tarlalarında yaşadığım özgürce akıp gitmiş unutulmaz anılarımı hâlâ saklıyorum. Sanırım bu anılar artık sanat formunda bana geri dönüyor”.

GLUE and TANK present Amsterdam’s September 2025 design program with free exhibitions, SHOW NOT SHOW, and a live design session at TANK Station. September 19, 2025 | Art & Culture AMSTERDAM DESIGN FLOW: GLUE & TANK TOGETHER Portrait of Rick Tegelaar Amber Zeekaf Amsterdam is once again buzzing with creativity as GLUE — the four-day design route — unfolds across the city from September 18 to 21. The event brings together designers, architects, brands, showrooms, galleries, academies, and the wider creative community, offering an open invitation to explore the city through design. All exhibitions are free to attend, with only select programs such as dinners requiring a fee. At its core, GLUE celebrates independence. Its philosophy is clear: “not on one side, but on everyone’s side.” The initiative embraces diversity — from emerging talents and knowledge institutes to established names and large agencies — reflecting the layered richness of Amsterdam’s design scene. Each year, GLUE collaborates with five independent curators to select a group of creative “STICKY participants” — exhibitors who stretch the definition of design and expand its boundaries. The 2025 curators include: Liv Vaisberg, cultural entrepreneur and co-founder of Collectible, Brussels. Bao Yao Fei, curator at Design Museum Den Bosch. Margitte Verwoerdt, art advisor for private clients, corporates, artists & institutions. Thieu Custers, program maker and concept developer at Waag Futurelab. Noukhey Forster, curator at OSCAM and creative director of Studio OHIM. David Heldt, co-founder and creative director of GLUE More about GLUE: glue.amsterdam/about WHAT’S ON AT TANK Running parallel to GLUE, TANK also opens its doors — and not just for its legendary Friday night parties. The program is rich and diverse, offering visitors an insider’s look into design in motion. One highlight is SHOW NOT SHOW, first launched during Dutch Design Week 2024. This special exhibition makes its Amsterdam debut at TANK, featuring designers Rick Tegelaar, Frank Penders, Lucas Zito, Luuk van Laarhoven, Marc Meeuwissen, Mokko, and Pepijn Fabius Clovis. On Saturday, September 20 (16.00 – 17.00), don’t miss “TO BE SPOKE”, a live design session by Pepijn Fabius Clovis and Erik Bax. This performative practice explores how sculptural, bespoke objects can emerge not from predefined plans but from intuition, tension, and spatial dialogue — a chance to witness design unfold in real time. Location: TANK Station, Rembrandtplein 17-2, Amsterdam

Mart 2022 | İnsan | Türkiye Denizin yeni muhalifi SUNSET AND SAIL Yazı | Alp Tekin S unset and Sail'in kurucuları Mert Gençbay ve Mustafa Onur Durak, yuzu'nun sorularını yanıtlıyor. Sunset and Sail fikri nasıl ortaya çıktı? İlk ne zaman yapıldı? Sunset and Sail, Türkiye'nin deniz ve rüzgâr açısından birçok ülkeden avantajlı olduğunu göstermek adına ilk kez 28 Temmuz 2021’de yapıldı. Türkiye'deki deniz turizmini duyurma ve dünyada daha görünür hale getirme fikriyle yola çıktık. Aldığımız işletme ve ekonomi eğitimleri ile Mustafa Onur Durak’ın yelken tecrübesini birleştirerek yelken ve eğlencenin buluştuğu Sunset and Sail’i tutkuyla başlattık diyebiliriz. Kalamış ve Göcek olmak üzere şimdilik iki lokasyondayız. Arkadaş grupları ve şirketlere özel etkinlik düzenlemek zor değil mi? Süreç nasıl işliyor, nasıl başvuruluyor? Sosyal medya ve diğer platformlar üzerinden insanlara bu tarz bir etkinliğin varlığını gösteriyoruz. Sorularını yanıtlayıp Sunset and Sail ile bu tecrübeyi yaşamaya davet ediyoruz. Maalesef bu hizmetin daha önce İstanbul’da verilmemiş olması, yani ilk olmak, işimizi zorlaştırsa da bizi motive ediyor. Operasyonel kısımda ise teknelerin seçilmesi, hazırlanması, misafirlerin dikkatlice teknelere yerleştirilmesi, kaptanlarımızın ve kaptan yardımcılarımızın belirlenmesi, izlenecek rotanın planlanması, performans gösterecek sanatçılarla anlaşılması, müzik ekipmanlarının seçilmesi, yiyecek-içecek seçimi ve tedariği gibi birçok takip edilmesi, araştırılması, karar verilmesi ve gerçekleştirilmesi gereken konu bulunuyor. Sunset and Sail üç farklı konseptle karşınıza çıkıyor. Festival kısmı, arkadaş gruplarına özel etkinlikler ve şirketlere özel etkinlikler. Festival ve arkadaş gruplarına özel etkinliklerimizin başvuruları genellikle sosyal medya (instagram) ve web sitemiz üzerinden gerçekleşiyor. Şirketlere özel etkinlikler ise hem sosyal medya hem de ekibimizin şirketlere yaptığı sunumlar üzerinden mail ve yüz yüze gerçekleştirilen iletişim sonrası düzenleniyor. Başvuru esnasında oluşturduğumuz programı sunuyoruz, ama arkadaş grupları ve şirketlere özel etkinliklerde katılımcıları biraz daha özgür bırakıp isteklerine göre etkinliği şekillendirebiliyoruz. Bu etkinlik kimleri hedefliyor? Yelkene, denize, rüzgâra, eğlenmeye ve öğrenmeye tutkusu olan herkes bize katılıp Sunset and Sail’i deneyimleyebilir. Yelkene meraklı olanlara ne tavsiye edersiniz? Nereden başlasınlar? Korkmasınlar ve iyi araştırsınlar. En büyük engel genellikle korku oluyor. Korku, çoğunlukla teknenin batacağının düşünülmesi, açık denizde suya düşmek ve yüksek fiyat algısı. Eğitim verdiğimiz ve etkinlikleri düzenlediğimiz teknelerin hepsi okyanus geçme sertifikası olan, zorlu koşullara dayanıklı, bir kaza olmadığı sürece batması neredeyse imkansız olan tekneler. Açık denizde suya düşme korkusunda ise seyir esnasında can yeleği giyiliyor ve can yelekleri tekne üzerinde bulunan lifeline’a bağlandığından hareket etme özgürlüğü sunuyor ve tekneden düşme riskini sıfıra düşürüyor. Fiyat algısında ise saatlik ücretler düşünüldüğünde go kart, atçılık, golf, enstrüman kursu, spor salonlarındaki PT gibi hizmetlere kıyasla daha uygun fiyatlı. Sunset and Sail kimlerden oluşuyor? Mert Gençbay ve Mustafa Onur Durak olarak deniz ve yelken tutkunu iki genç girişimciyiz. Mert, Koç Üniversitesi İşletme ve Ekonomi bölümlerinde mezun olduktan sonra uluslararası finansal bir kurumun Türkiye ve Londra ofislerinde çalıştı. Mustafa ise İstanbul Teknik Üniversitesi ve State University of New York at New Paltz' da İşletme bölümünden birinci olarak mezun olup önce Amerika’da bir startup’ta, sonrasında da Türkiye’de uluslararası finansal bir kurumda çalıştı. Aynı zamanda milli yelken sporcusu. Rüzgâra merakı olan herkese kapıları açık olan bu festivalle denizin yeni muhalifi olmayı hedefliyor.

French HEART shapes Ariana Ahmad’s 330 m² apartment in Moscow, blending Parisian details, a monochromatic palette, and iconic furniture. October 2024 | DESIGN & INTERIORS TURKISH BELOW a FRENCH TOUCH in MOSCOW’s HEART words Elena Gabar photos Mikhail Loskutov styling Natalia Onufreichuk This bright and spacious 330 m² apartment is located in an iconic historic building on Petrovski Boulevard in central Moscow. The owners, a family with three children, acquired two separate units, enlisting architect and interior designer Ariana Ahmad to create their dream home. “The owners have exquisite taste, so they held high expectations for the layout, interior design, furniture selection, and decor. They dreamed of having four bedrooms and a large living-dining area for family gatherings,” says Ariana. “Having spent part of their lives in their beloved Paris, they wanted their Moscow residence to echo the spirit of French interiors.” Ariana designed the interior with a cohesive and refined approach, featuring a monochromatic palette, graphic elements in the black lines of designer furniture, and vibrant accents. All walls, built-in furniture, window sills, and radiators are painted in a unified color. A distinctive Hungarian-point parquet floor, inspired by the Ottoman style, together with decorative moldings, white tones, natural marble, and antique verdure tapestries, establishes a Parisian ambiance. The furniture selection balances functionality with standout design, led by the iconic LC4 chaise longue by Le Corbusier as the living room’s centerpiece. Ariana convinced the owners that this masterpiece deserved to anchor the space. It’s complemented by elegant De Padova chairs in ochre-beige leather, a lively touch in the grey and white palette. To harmonize with the leather, a Piet Boon sofa and a fabric-upholstered Bonaldo chair were added. In the dining area, comfortable swivel chairs by Patricia Urquiola, upholstered in practical leather, add both style and functionality. The owners chose unique lighting from the Apparatus studio, designed by Jeremy Anderson and Gabriel Hendifar. These innovative yet retro-inspired fixtures are thoughtfully placed throughout the apartment, with standout pieces enhancing the dining area. DISTINCTIVE TOUCHES Artworks bring distinctive character to the design. The dining area is perfectly accented by Majorettes, a painting by artist Gorel, while antique verdure tapestries adorn the walls in the living room and foyer. “I love how the expressive accents and graphic lines of the furniture stand out against the monochromatic architectural backdrop of this interior,” says Ariana. MOSKOVA’NIN KALBİNDE FRANSIZ DOKUNUŞU Bu aydınlık ve ferah daire Moskova'nın merkezindeki Petrovski Bulvarı üzerinde bulunan ikonik tarihi bir binada yer alıyor. Üç çocuklu bir aile olan ev sahipleri iki ayrı birim satın alarak hayallerindeki evi yaratması için mimar ve iç mimar Ariana Ahmad’la çalışmış. “Ev sahipleri seçkin bir zevke sahip. Bu nedenle yerleşim düzeni, iç tasarım ve mobilya seçimi konusundaki beklentileri yüksekti. Dört yatak odası ve aile toplantıları için geniş bir oturma-yemek alanı hayal ediyorlardı” diyor Ariana. “Zamanlarının bir bölümünü çok sevdikleri Paris'te geçirdiklerinden, Moskova'daki dairelerine Fransız ruhunu aşılamak istediler”. Ariana iç mekan tasarımını mobilyaların siyah çizgilerindeki grafik detaylar ve canlı vurguları öne çıkaran bir kompozisyonla hazırlamış. Tüm duvarlar, entegre mobilyalar, pencere pervazları ve radyatörler tek bir renge boyanmış. Osmanlı tarzına özgü Macar parke zemin, dekoratif pervazlar, beyaz tonlar, doğal mermer ve antika verdure halılarla birlikte Paris'ten ilham alan bir ambiyans yaratılmış. Mobilyalar hem işlevsellik hem de çarpıcı tasarım için seçilmiş. Le Corbusier'nin ikonik LC4 şezlongu ise oturma odasının en önemli parçası. Ariana, ev sahiplerini bu şaheserin mekana hakim olması gerektiğine ikna ettiğini söylüyor. Gri-beyaz paleti sarı-bej deriden zarif De Padova sandalyeler tamamlıyor. Deriyi dengelemek için bir Piet Boon kanepe ve kumaş döşemeli bir Bonaldo sandalye eklenmiş. Yemek alanı için Patricia Urquiola'nın pratik deriden rahat döner sandalyeleri seçilmiş. Apparatus stüdyosundan orijinal aydınlatmalar ise ev sahiplerinin tercihi. FARKLI DOKUNUŞLAR Sanat eserleri tasarıma farklı dokunuşlar katıyor. Yemek alanının kompozisyonu, sanatçı Gorel'in “Majorettes” adlı tablosuyla mükemmel bir şekilde tamamlanıyor. Ayrıca, oturma odası ve fuaye duvarları antika verdure halılarla süslenmiş. Ariana, “Mobilyaların etkileyici vurguları ve grafik çizgilerinin iç mekanın tek renkli mimari zemininde öne çıkmasını seviyorum” diyor.

MA House in Fenerbahçe, Istanbul, is an Escapefromsofa-designed residence shaped by tactile materials, calm tones, and mid-century sensibilities. June 13, 2025 | DESIGN & INTERIORS MA HOUSE: the BEAUTY of LESS words Alp Tekin photos İbrahim Özbunar Set in the quiet rhythm of Fenerbahçe, on Istanbul’s Asian shores, MA House is a study in balance—where thoughtful functionality meets a palette of rich materials and calm, unforced elegance. Designed by Escapefromsofa, the residence reflects a quiet, intentional aesthetic shaped by soft tones, tactile materials, and a clear architectural language. “The client’s request was clear from the start,” the studio explains. “A sincere, soft, and livable home. From there, we created a contemporary space grounded in mid-century sensibilities, where tactile materials and carefully considered details shape the experience of daily life.” Organized over two floors, the plan is built around a balance of connection and privacy. Throughout the home, Escapefromsofa prioritized spatial clarity and calm. Custom built-in furniture, bespoke lighting, and minimal architectural interventions create a sense of seamless flow, allowing each material to express itself fully. The palette speaks in earthy tones: soft beiges, olive greens, terracotta tiles, and warm woods echo the organic hues of the surrounding context. Textured plasters and brushed metal details bring a sense of depth and invite a tactile, almost meditative interaction with the space. At a time when design can often feel overly stylized, MA House stands out as an example of emotional minimalism. Every surface and junction is crafted not to impress, but to comfort. “This is a space that doesn’t shout—it quietly whispers comfort and authenticity,” says the studio. That ethos permeates the entire project—from the subtle zoning between shared and private areas to the slow rhythm of natural light moving across textured walls. The neighborhood itself plays a leading role. Known for its peaceful streets and coastal charm, Fenerbahçe shaped the home’s approach to scale, softness, and atmosphere. Generous terraces and direct access to the garden reinforce the dialogue between indoors and out—framing the house as both a retreat and a space for gathering. In the end, MA House reflects an evolving language of luxury—less about opulence, more about meaning: thoughtful, serene, and deeply human. TR BELOW DUYGUSAL MİNİMALİZM: MA HOUSE İstanbul'un Asya yakasının popüler mahallesi Fenerbahçe’de yer alan MA House; işlevsellik, malzeme zenginliği ve sade zarafeti dengeleyerek rafine bir tasarım yaklaşımı sunuyor. MA House’un tasarımını üstlenen Escapefromsofa, “Müşterilerin isteği en başından beri çok netti” diyor, “Samimi, yumuşak ve yaşanabilir bir ev. Biz de buradan yola çıkarak dokunsal malzemeler ve özenle düşünülmüş detayların günlük yaşam deneyimini şekillendirdiği, orta yüzyıl tasarım duyarlılığına dayanan çağdaş bir mekan yarattık”. Evin iki katlı planı bağlantı ve mahremiyet etrafında düzenlenmiş ve Escapefromsofa ekibi tüm ev boyunca mekansal netlik ve sakinliği ön planda tutmuş. Özel yapım gömme mobilyalar, özel aydınlatma ve minimal mimari müdahale, her malzemenin kendini ifade etmesini sağlayan kesintisiz bir akış yaratıyor. Renk paletinde yumuşak bejler, zeytin yeşilleri, terrakotta fayanslar, sıcak ahşap tonları dikkat çekiyor. Dokulu sıvalar ve fırçalanmış metal detaylar ise derinlik katarak mekanla neredeyse meditatif bir etkileşim kurmaya davet ediyor. Tasarımın genellikle aşırı stilize olduğu bir dönemde MA House duygusal minimalizmin bir örneği. Her yüzey ve birleşme noktası, etkileyici olmak için değil, konfor sağlamak için tasarlanmış. Stüdyo, “MA House bağırmayan, aksine konfor ve özgünlüğü fısıldayan bir mekan” diye açıklıyor. Bu felsefe, ortak ve özel alanların ince bölünmesinden dokulu duvarlardan süzülen doğal ışığın sakin ritmine kadar projenin her yerine yansımış. Fenerbahçe semtinin kendisi de başrolde. Sakin sokakları ve sahil cazibesiyle tanınan mahallenin kimliği; evin ölçeği, yumuşaklığı ve atmosferine yaklaşımını şekillendirmiş. Geniş teraslar ve bahçeye erişim, iç ve dış mekanlar arasındaki diyaloğu pekiştirerek evi hem sığınak hem de toplanma yeri olarak çerçeveliyor. Sonuçta MA House, lüksün gelişen dilini yansıtma iddiasında: İhtişamdan çok anlam odaklı, düşünceli, sakin, derin ve insani.

Mayıs 2022 | Art | Türkiye Gökşen Buğra Galeri Bosfor’u anlatıyor Yazı | Alp Tekin Y aklaşık 20 yıldır güncel sanat alanında editoryal ve küratöryal üretimler yapan Gökşen Buğra, Karaköy’de açtığı ilk galerisi Bosfor ile ilgili yuzu’nun sorularını yanıtlıyor… Sanat galerisi açarken motivasyonun neydi? Bosfor’la ulaşmak istediğin bir amaç var mı? Bir galeri açmak büyük bir heyecan. Galerinin adını koyarken bile büyük anlamlara referans vermeyen bir şey seçmek; kendi yolunu çizecek, bir boşluğu önce yaratıp sonra sanatla, insanla anlamlandıracak bir alan arzu ettim. Aslında galerinin gergin ve mesafeli havasını yok etmek, sanat eseri ve izleyici arasında sıcak, yakın bir ilişkiye ev sahipliği yapmak istiyorum. Galeri açma motivasyonum, sanat alanındaki piramidal yapıda tepe noktasına sanat eserini ve sanatçıyı yerleştirmekti. Çünkü bana göre çok bileşenli bu yapıda gerçekte neyin vazgeçilmez bir değer olduğu konusu şaşırtıcı biçimde yer değiştirdi. Bosfor’un misyonu; özgün, dinamik bir sergi programı izlemek, yayınlar yapmak ve İstanbul’un sanat ortamında izleyicinin kendini iyi hissedeceği, yabancılaşmayacağı bir espas sunmak. KENDİ ZAMANININ TANIKLIĞINI ÜSTLENSİN Bosfor’un diğer galerilerden ayırt edici olduğunu düşündüğün özelliği var mı? 20 yıla yakındır editöryal ve küratöryal alanda üretiyorum. Uzun süredir ders veriyor, yazı yazıyorum. Galericilik anlayışımı ticari değil, entelektüel bir zemin üzerine inşa ettim. Her galerinin farklı bir vizyonu var. Benim ayrıldığım nokta, sanat tarihine kalıcı bilgi ve belge bırakmak, karma sergilerle sanat çevresini bütünleyici bir yol izlemek olabilir. En önemsediğim nokta, galerinin temsil ettiği sanatçılar haricinde sanat üretiminin nabzını tutabilecek karşılaşmalara ev sahipliği yapması ve kendi zamanının tanıklığını üstlenmesi. Temsiliyetini üstlendiğin sanatçılar kimler? Uzun süredir birlikte çalıştığım sanatçıları temsil ediyorum: Burcu Erden, Ahmet Çerkez, Olgu Ülkenciler, Erman Özbaşaran, Ilgın Seymen ve Mithat Şen. Yeni çalışmaya başladığım sanatçılardan biri Yasha Butler. Temsiliyet dışında da çalışmayı planladığım sanatçılar var; bir galerinin anne karnı gibi genişlemesini ve çok sayıda nitelikli sanatçıya yer vermesini her zaman önemsiyorum. galeribosfor.com

Şubat 2022 | Art | Dünya Sony Dünya Fotoğrafçılık Ödülleri 2022 G ündelik hayatımızda artık hepimiz birer fotoğrafçıyız. Cep telefonları sayesinde profesyonele yakın çekimler yapma imkanımız var. Bu hem çok iyi, çünkü anı kaydetmek nefis. Hem de kötü, çünkü fotoğraf sanatı adına iyi olan işler çok nadir. Bir de sürekli fotoğraf çekenler olarak gerçekten fotoğrafın ne olduğunu unutmamız durumu var, ki esas tehlikeli olan da bu. Neyse ki dünyada hâlâ fotoğraf sanatına kendini adamış profesyoneller var. Dünya Fotoğrafçılık Örgütü’nün düzenlediği 2022 Sony Dünya Fotoğrafçılık Ödülleri de bunlardan biri. 211 ülkeden, 170 binin üzerinde yapılan başvuruyu değerlendiren komite, 340 bin fotoğraf arasından ulusal kategorideki birincileri seçti. Bu yıl katılımcı ülkelerden 61 tanesinin ulusal kazananları arasında Türkiye'den Çiğdem Ayyıldız da yer alıyor. Sony Dünya Fotoğrafçılık Ödülleri 2022’nin genel kazananları ise 12 nisanda açıklanacak ve Londra Somerset House’da tüm işler gösterilecek.

Lucca Beach moves to Demirbükü Bay in Bodrum for summer 2026, as founder Cem Mirap expands its Mediterranean dining, cocktails and all-day concept. July 6, 2026 | VOL 19 the LUCCA SUMMER CONTINUES Now in its 22nd year, Lucca remains one of Istanbul’s defining restaurant-bars. Over the past five summers, the brand has also built a strong presence in Bodrum through Lucca Beach. For summer 2026, the concept enters a new chapter with its move to Demirbükü Bay. Surrounded by pine forests and a longer stretch of coastline, the new setting allows Lucca Beach to evolve beyond the traditional beach-club format. Gastronomy, cocktail culture, nature and entertainment come together in a more layered, all-day experience. Founder Cem Mirap describes Demirbükü as one of Bodrum’s most dynamic emerging destinations and a place where the relationship between landscape and hospitality feels increasingly important. The design takes inspiration from Mediterranean cinema of the 1950s, blending natural materials and warm textures with subtle retro references. In the kitchen, a Michelin-recommended team focuses on Mediterranean flavours and local ingredients, with signature dishes including Octopus Escabeche, Bodrum Seafood Ceviche and Chili Sea Bass. - The full story is featured in Vol.19 - Print / NEW VOL XIX - Aegean & Mediterranean 2026 €22,00 Price Add to Cart

Monad Origin, founded by Nick Peeters and Anujin Byambaa, turns sound into sculptural and functional forms through spatial research in Belgium. March 22, 2026 | vol 18 MONAD ORIGIN words Onur Baştürk photos Jean Van Cleemput A vibration you cannot see, a frequency you cannot hold — in the hands of Monad Origin, both find structure. Working between installation, object and spatial research, the Belgium-based duo approaches sound not as atmosphere but as a generative force. Their works arise not from sketches or typologies, but from signals, waves and resonance. Founded by Nick Peeters and Anujin Byambaa, Monad Origin operates as a non-disciplinary labo/atelier where sound, light and material intersect. The works they presented at Collectible in Brussels this year translated raw frequencies into sculptural and functional forms, signalling a practice that has evolved beyond experimentation into a language of its own. SOUND BEHAVES LIKE A CONSTRUCTION FORCE You describe Monad Origin as a non-disciplinary labo/atelier. Where does this approach diverge from conventional practices? Monad Origin does not start from function, form or medium, but from a generative installation that uses sound as input. The atelier operates as a laboratory, and the outcomes remain undefined until the process stabilises. Whether the result becomes an object, a structure or a spatial element is determined only at the end of the process — not at the beginning. Our labo researches how immaterial inputs — specifically sound — can generate stable physical artefacts without forcing them into existing typologies. When did you begin treating sound as a material rather than a reference? We both have an emotional, physical and symbolic connection to sound. The transition occurred when we stopped asking what sound means and began asking what sound does. When treated as a measurable phenomenon rather than an expressive layer, sound behaves like a construction force. It becomes comparable to gravity or magnetic tension — something that can organise space without physical representation. This shift allowed sound to move from reference to infrastructure in our practice. WE DO NOT ELIMINATE CHAOS; WE WORK WITHIN IT How do you identify what you call ‘meaningful vibrations’? We do not eliminate chaos; we work within it. The system we’ve developed does not seek harmony or musicality. Instead, it identifies zones of stability within vibration — frequencies that produce coherent spatial behaviour when translated. Meaningful vibrations are those that generate coherence: repeatable proportions, internal balance and structural legibility. Many frequencies collapse immediately. Others insist on existing. Those moments of insistence guide the work. How are vibrations translated into physical form? A sound is first processed through our installation, where it is converted into spatial data using light. Relationships between mass, void, thickness and tension emerge. We capture these forms photographically or with UV-reactive ink. From this field of possibilities, selection becomes architectural rather than aesthetic. We determine which forms demonstrate sufficient equilibrium to exist materially. Only then are scale, material and fabrication parameters introduced. All Monad Origin artefacts are hand-finished in our atelier in Belgium. FUNCTION IS NEVER IMPOSED When do you understand whether a piece will be functional? Function is never imposed. It appears, or it doesn’t. When a form naturally stabilises into horizontality, containment or load-bearing logic, it may become usable. If not, it remains a sculptural artefact. We do not believe functionality should justify a form. When it appears without force, it strengthens the object’s presence. How does working as a single entity shape your output? Every artefact must survive two different sensitivities, two ways of reading the same signal. Operating as a single entity removes authorship as a driving force. This results in works that become less expressive and more precise — vessels that feel inevitable rather than designed. How has your natural division of roles formed? The division emerged through practice, not strategy. As the system behind Monad Origin became more complex, it was no longer possible for the same position to both generate and validate form. The work demanded separation. Anujin’s digital, conceptual and cultural perspective operates outside the internal loop. As head of artefacts, she does not intervene in generation itself. Her role is to decide whether a form should exist at all, and she then handles visualisation, material use and planning. Nick’s background in making, construction and sound technology places him at the operational core. As head of ritual, he constructs and maintains the generative system, defining how sound produces spatial data. His role is internal to the system, concerned with continuity and transformation rather than outcome. NOT EXPERIMENTS, BUT CONFIRMATIONS What stage did your Collectible presentation represent? The presentation represented a point of maturity. The works were not experiments, but confirmations — proof that the system can operate across scales and media, from graphics to sculptural and functional objects, and even architectural elements like walls. Monad Origin is no longer proposing an idea; it is presenting a language. NOT EXPERIMENTS, BUT CONFIRMATIONS What stage did your Collectible presentation represent? The presentation represented a point of maturity. The works were not experiments, but confirmations — proof that the system can operate across scales and media, from graphics to sculptural and functional objects, and even architectural elements like walls. Monad Origin is no longer proposing an idea; it is presenting a language. - The full story is featured in Vol.18 - Print VOL XVIII - 2026 €20,00 Price Add to Cart

Villa AIMASIA on Mykonos’ Elia Beach is a six-bedroom retreat shaped by Yposkafo architecture, Tom Dixon interiors, local materials, and low-carbon design. November 2024 | DESIGN & INTERIORS TURKISH BELOW AIMASIA Rugged Beauty Meets Refined Design words Onur Baştürk photos Mike Kelley In mid-October, I'm visiting Mykonos for the first time. It’s the end of the season, and the island welcomes me with its signature rough winds and majestic rocky landscape. But this time, I’m not here for sunset drinks at Scorpios or dinner at Spilia. My visit is to see a brand new villa on Elia Beach, the breathtaking six-bedroom Villa AIMASIA. AN ARCHITECTURAL MARVEL OF YPOSKAFO DESIGN My first impression of Villa AIMASIA, with its striking Brutalist form, is how seamlessly it blends into its surroundings. Spanning 850 square meters, this villa uses Yposkafo—or "undercut"—architecture, partially embedded into the earth to create expansive underground spaces and offer sweeping views of nature and the sea. Developed by Orizon Development, Villa AIMASIA was architected by the A31 Architecture team, led by Praxitelis Kondylis, with interior design by renowned British designer Tom Dixon and his creative agency, Design Research Studio (D.R.S), directed by Helene Bangsbo. Together, we tour the villa, exploring each space. INSPIRED BY MYKONOS’ GEOLOGY The design of the villa draws inspiration from Mykonos’ geology, incorporating local materials like stone, minerals, and aluminum. This approach not only enhances the villa’s aesthetic appeal but also creates a tangible connection to its natural surroundings. Large rock formations, utilized differently across various spaces, are particularly striking and reflect the villa's rugged beauty. With a vision rooted in the island’s geology, Design Research Studio has curated a unique materiality in each part of the villa. “The extraordinary rocky terrain, integrated with the villa’s landscape, naturally inspired the concept of geology as a narrative,” says Dixon. “We worked closely with A31 Architecture’s Praxitelis Kondylis to incorporate geological elements into the project. Local boulders, minerals, and Greek marble were integrated into kitchens, partitions, and bathrooms, offering a natural counterpoint to the minimalist concrete backdrop”. SEAMLESS COLLABORATION WITH A31 Helene Bangsbo shares that D.R.S joined the project in its early stages, allowing for creative input on spatial layouts and finishes that harmonized with the villa's architectural composition. “The partnership with A31 involved a smooth exchange of ideas, respecting the architectural vision”. WOODEN TOTEM CRAFTED SPECIFICALLY The villa stands out with its aluminum-clad dining room, a main kitchen featuring an impressive stone island, and bedrooms with plaster bed frames—all paying tribute to Mykonos' rich natural textures. Design Research Studio's signature style is evident throughout, from the paper mâché sculpture on the wall to bespoke wooden totems crafted specifically for AIMASIA. Dixon’s lighting designs add both practicality and luxury to the space. GREEN ROOF AND LOW-CARBON CONCRETE Villa AIMASIA also prioritizes sustainability, with a green roof of endemic plants providing shade and insulation, and low-carbon concrete reducing its environmental footprint. THE MEANING BEHIND AIMASIA The project’s name derives from the ancient Greek word αἱμασιά (aimasia), meaning dry stone wall—a traditional structure built by farmers over centuries on the steep, arid lands of the Cyclades, including Mykonos, for cultivating grains, grapes, wheat, and vegetables. Today, these dry stone walls, recognized as world heritage, offer refuge to people, plants, and animals. Reflecting this heritage, a 62-meter dry stone wall made from local Mykonian granite delicately follows the contours of the land, forming the backbone of the villa’s architectural composition. AIMASIA Ham güzelliğin rafine tasarımla buluştuğu villa Ekim ortasında ilk kez Mykonos’a geliyorum. Sezonun son günleri ve Mykonos sert rüzgârıyla her daim uyumlu görkemli kayalık coğrafyasıyla karşılıyor beni. Bu kez geliş amacım Scorpios’ta bir günbatımı içkisi yudumlamak ya da Spilia’da akşam yemeği yemek değil. Adanın Elia Beach tarafında konumlanmış yeni bir villayı görmek için buradayım, altı yatak odalı nefes kesici Villa AIMASIA’yı… GÖRKEMLİ BİR YPOSKAFO ÖRNEĞİ Brütalist yapısıyla göz dolduran villayla ilgili ilk izlenimim: 850 metrekarelik alana yayılan AIMASIA çevresine kusursuz bir şekilde entegre edilmiş. Bunun en önemli nedeni de kısmen toprağa gömülü bina mimarisi için kullanılan, aynı zamanda alttan kesme mimari olarak da bilinen Yposkafo’nun farklı örneklerinden biri oluşu. Geçtiğimiz on yıl boyunca Yunan mimarların sıkça kullandığı bu konut mimarisi tipolojisi hem olağanüstü yeraltı alanlarına hem de sınırsız doğa ve deniz manzaralarına odaklanıyor. Bir Orizon Development yatırımı olan Villa AIMASIA’nın mimarisi Praxitelis Kondylis’in liderlik ettiği A31 Architecture ekibine, iç tasarımı ise ünlü İngiliz tasarımcı Tom Dixon ve ona bağlı tasarım ve inovasyon ajansı Design Research Studio'nun (*) Kreatif Direktörü Helene Bangsbo’ya ait. Nitekim üçüyle birlikte villanın tüm alanlarını keşfe çıkıp beraber inceliyoruz. DİXON: ADANIN JEOLOJİK YAPISI KONSEPTE İLHAM VERDİ Villanın tasarımında Mykonos’un jeolojisinden ilham alınmış ve taş, mineraller, alüminyum gibi lokal malzemeler kullanılmış. Bu yaklaşım sadece estetik çekiciliği artırmakla kalmayıp villayı çevresindeki doğayla bağlantılı hale getirmiş. Özellikle villanın iki farklı alanında farklı şekillerde kullanılan büyük kaya parçaları villanın sert güzelliğinin en çarpıcı unsuru. Villa AIMASIA’ya dair temel vizyonu adanın jeolojisi olan Design Research Studio, villadaki her alanda farklı bir maddeselliğe yer vermiş. Tom Dixon, “Olağanüstü kayalık arazi, villanın bulunduğu landscape ile bütünleşince jeoloji bir anlatı olarak konsepte ilham verdi” diyor. “Jeolojik unsurları projeye dahil etmek için A31 Mimarlık'tan Praxitelis Kondylis ile yakın iş birliği içinde çalıştık. Kayalar, mineraller ve Yunan mermeri mutfaklara, bölmelere ve banyolara entegre edilerek minimalist beton zemine doğal bir kontrpuan oluşturdu”. Alüminyumla bezenmiş yemek odası, çarpıcı bir taş adaya sahip ana mutfak ve alçı yatak çerçevelerine sahip yatak odalarıyla dikkat çeken villa, Mykonos'un doğal ortamının zengin dokularına bir övgü niteliğinde. Design Research Studio'nun kendine özgü tarzı ise tüm alanlarda kendini hissettiriyor. Duvardaki paper mâché heykeli ve tamamen AIMASIA için tasarlanmış ahşap totem gibi parçaların yanı sıra Dixon’ın tasarladığı aydınlatmalar hem pratik hem de lüks özellikleriyle villayı daha da parlatıyor. YEŞİL ÇATI VE DÜŞÜK KARBONLU BETON Çarpıcı iç mekanlarının yanı sıra Villa AIMASIA’da sürdürülebilirlik de göz önünde bulundurulmuş. Endemik bitkilerden oluşan yeşil çatı, gölge ve yalıtım sağlayarak villanın enerji verimliliğine katkıda bulunuyor. Ayrıca düşük karbonlu beton da çevresel etkiyi azaltıyor. İSMİ NEREDEN GELİYOR? Projenin ismi, Mykonos da dahil olmak üzere Kiklad Adaları’nın sarp ve kurak topraklarında tahıl, üzüm, buğday ve sebze yetiştirmek için yüzyıllar boyunca çiftçiler tarafından inşa edilmiş kuru taş duvar çiti anlamına gelen eski Yunanca αἱμασιά kelimesinden geliyor. Günümüzde dünya mirası olarak kabul edilen bu kuru taş duvarlar insanlara, bitkilere ve hayvanlara kucak açıyor. Sonuç olarak, lokal Mykonian granit taşından yapılan ve arazinin kontur çizgilerini nazikçe takip eden 62 metrelik duvar, binanın sorunsuz bir şekilde yerleştirildiği yeni mimari kompozisyonun omurgasını oluşturuyor. Villa aynı anda güneye, denize, Elia plajı manzarasına ve eski kuru taş duvarlarla dolu heybetli bir kayalık granit tepeye doğru açılıyor. Böylece AIMASA, çevresiyle görsel uyumu koruyarak dış mekan unsurlarını zarif bir şekilde iç mekana entegre ediyor.