July 2024 | Design & Interiors FOR TURKISH 7 FAVORITE WATCHES of the SUMMER words Pınar Yılmaz / Deliciae 1. BREGUET MARINE HORA MUNDI The Breguet Marine Hora Mundi has designed a fascinating world through the use of different materials on the dial. The ocean blue sunray dial with its wave motifs is like a stage for an eternal waltz. 2. FRANCK MULLER VANGUARD YACHTING Inspired by the Vanguard™ collection, the Yachting series is the choice of boat and watch enthusiasts, especially for the summer season. The Yachting watch has all the details that evoke the maritime world with its deep blue color and the compass rose that decorates the dial. 3. IWC SCHAFFHAUSEN AQUATIMER PERPETUAL Inspired by the movie "Aquaman and the Lost Kingdom", IWC uses a black rubber strap and Ceratanium® in two 49 mm diameter models with black dials and hands. IWC redefines durability and style in this timepiece with the largest case ever. 4. OMEGA SPEEDMASTER CHRONOSCOPE PARIS 2024 Omega introduces four different models in its new 43 mm series, available in gold, black and white. The most striking feature of each watch is the silver-white opaline dial, complemented by three dark gray scales in a 1940s "snail" design. The back of the watch bears the words "Paris 2024" and the emblematic rings of the Olympic Games. 5. PANERAI SUBMERSIBLE ELUX LAB-ID Panerai's new model has a diameter of 49 mm and is made of a material called Ti-Ceramitech and is water-resistant to 500 meters. To activate the lights on the dial, hands and bezel, the button at 8 o'clock must be pressed. When fully wound, the LEDs distributed throughout the watch can shine for 30 minutes. 6. ROLEX OYSTER PERPETUAL DEEPSEA Designed to illuminate the depths of the ocean, the new Rolex Deepsea diver's watch is available for the first time in 18-carat yellow gold. The name "DEEPSEA" is engraved in yellow powder on the blue Cerachrom ceramic bezel and blue lacquered dial. The compression resistance and anti-deformation properties of this new technology material contribute to the watch's water resistance. 7. ULYSSE NARDIN DIVER & SKELETON BLUE Ultra-technical and powerful, the Diver X Skeleton has a sporty appeal, with a titanium DLC case 200 meters water-resistant and a dynamic skeletonized dial marked with an X in black and blue.

Nisan 2020 | Art | Amerika Yıldızı daha da parlayacak: Salman Toor Yazı | Alp Tekin D oğduğu ve çocukluğunun geçtiğini Pakistan’ın Lahore kentindeki zamanlarını şöyle özetliyor sanatçı Salman Toor: “Yasemin çayı. Begonviller. Kalabalık bir aile. Çim kokusu. Ve kriket”. Salman Toor şimdi 36 yaşında. Uzun bir süredir sanat okumak için geldiği New York’ta, East Village’de yaşıyor. Resim çalışmalarını artık bu şehirde sürdürüyor. Atölyesi de Bushwick civarında. Toor aslında şehrin en önemli sergi mekanı olan Whitney Museum’da ilk kişisel sergisini açmaya hazırlanıyordu. Temmuza kadar sürecek sergide son işlerini sergileyecekti. Ama malum, virüs sebebiyle müzenin geçici olarak kapanmasıyla birlikte onun sergisi de ‘online’ olarak keşfe açıldı. Toor’un resimleri kişisel yaşamından, New York’ta bizzat içinde yaşadığı gay kültüründen izler taşıyor. Ama resimlerdeki figüratif anlayış çok daha eskileri anımsatıyor. Bunun nedeni de Toor’un aldığı sanat eğitimi. Akademik tablo eğitimi alan Toor yıllarca Caravaggio, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck ve Jean-Antoine Watteau gibi rococo, barok ve neoklasik dönem sanatçılarının eserlerini incelemiş. 17. ve 18. yüzyıl dönemi Avrupalı portre sanatçılarının yaptığı eserlere öykünmüş. Bunu da saklamıyor: “New York'a ilk taşındığımda Peter Paul Rubens olmak istemiştim”. Daha sonra kendi tarzını bulan Toor, şimdi yıldızı yükselen sanatçılardan biri. Çünkü hem ‘queer’ dünyanın kendine özgü kırılganlığını hem de göçmenlerin karşılaştığı pek de nazik olmayan tutumları çok iyi resmediyor. Şimdi Salman Toor’un naif, kırılgan ve yer yer idealist figüratif eserlerinde kaybolma zamanı: iPhone’la kendini yatakta çıplak çeken gay erkek, kalabalık ev partisindeki sarhoşluk ya da gay bardaki umulmadık bir sarılmayla… ART | Kategorinin diğer yazıları ‘Resimlerin kendi içinde tedirgin olmasını önemsiyorum’ Mahremiyeti sorgulamak daha erotik Yuzu & nom-studios sunar ‘LOOP’ sergisi Kemal Özen "Gam'zede" Online Sergi Hangi yetişkin bir ‘Gam’zede’ değil ki artık? Ali Elmacı’nın atölye günleri notları May Parlar "Collective Solitude" Online Sergi Lara Kamhi’yle paradokslar ve izolasyon üzerine... BASE’in yeni dijital projesi yakında Sessiz Odanın Çığlığı İtalya’daki müzeden salgına bakınca… Yıldızı daha da parlayacak: Salman Toor Online açılış yapan İstanbullu sergi

November 2023 | Art & Culture | Vol 11 BASIM MAGDY Pleasure is key to anything I would call art You have works in cinema, painting, and photography and sometimes works that include all of these. Is this because one art practice is not enough for you, or is it because you enjoy expressing your own universe in an unlimited way? It’s about the richness and the vast terrain of unexplored potential of every one of those mediums, this unexplored potential changes as the world it exists in is constantly changing. I see a lot of things as art. I started listening to the audio details of what’s around me when I began making field recordings to compose soundtracks for my films. To me, this newly discovered attention to listening is art. I write poetry that I rarely seek to publish, this is another form of art. I don’t think it’s important what medium I use to make art. What’s critical is to choose the right medium to communicate my ideas. Obviously without enjoying what I do, I wouldn’t be able to create anything. Pleasure is key to anything I would call art! I LEARNED TO CHOOSE MY BATTLES There are references to ecology, technology, politics, in other words, our present day, in all your artworks. As you are making these, you use elements phrases of science fiction and words, am I wrong? Why these two in particular? There are references to the world I experience every day, what I perceive as reality and what I know is nothing but fast-moving virtual chaos on a glass screen. I see everything I create as fiction. I wouldn’t call it science fiction because it’s not just concerned with science or any of the things you mentioned in particular, it’s more about the complexity of all of this coexisting together – or not. It’s about the layers that create our perception of reality, how they change roles and sometimes gain more relevance as the circumstances change. There’s definitely a layer of politics in everything I do, but it’s not political work. Sometimes there is humor but it’s not comical. My work is about the complexity of being alive in this moment in time and how I find that art allows me to communicate my response to it in a way spoken and written language can’t. I wonder with what aspects you comprehend and do not comprehend the world as a 46-year-old person and artist… Hopefully with more maturity and a strong understanding that I should only try to change the things that are changeable. I learned to choose my battles and that kindness, sincerity and generosity even if just on a personal level are more powerful that trying to change the world. And I hope this is reflected in what I do as an artist. Which of your works will we see at this year’s Art Basel Miami? I’m showing recent paintings in a solo booth presented by Gypsum Gallery, Cairo in the Nova Section at Art Basel Miami Beach this December. I like to think of these paintings as hopeful paintings. Like a lot of my work, they depict fictional situations that linger somewhere between the past, present and future. Those paintings are about a lot of things I’ve been thinking about recently, a lot of historical mistakes and being able to witness hopeful change happening in our time. But like I mentioned earlier, they are layered with the complexity of reality and the premise of fiction to explore new avenues for thinking and imagining future alternatives. TOO MUCH DEFINITION IS ALSO A CURSE AND A PRISON What is your greatest motivation while doing your artwork at this time? In 2010 I made “Turtles All the Way Down”, the first film I made after 10 years of working with painting, drawing, installation and animation. One of the biggest questions I asked in the film was, “We know the universe is expanding, but what is it expanding into? What is the unknown entity outside of this expansion that is constantly getting consumed by it?” I will use this as an analogy to answer your question. The greatest motivation for me is exploring what’s on the other side of my growing imagination. With every painting or film or photographic installation, new unexplored ideas emerge that my imagination feels compelled to explore. It’s an addiction. This expansion of the imagination and what’s beyond it is four dimensional, the 4th being time as the main witness of change and maturity. What are the three characteristics that define you and your artworks? I don’t want to define my artwork, that’s not for me to do but also it defies the purpose of making art. Art is a language that defies definition. Art is meant to express what we can’t communicate with words alone. Too much definition is also a curse and a prison, it closes all doors for the evolution of existing meaning, thought and imagination. As for me, I think the thing that drives me the most is curiosity. * BIO: Egyptian-born artist Basim Magdy currently lives in Basel, Switzerland and continues his artwork there. Magdy looks at the world with a satirical eye in all his works; at the sam time, it creates surreal depictions by gathering elements of the past, present and future in a single universe. Using a range of unconventional materials in his works, from spray paint to chemically altered film stocks, Magdy’s latest paintings will be shown in the “Nova” section of this year’s Art Basel Miami. Film, resim, fotoğraf ve bazen de hepsini kapsayan çalışmaların var. Bunun nedeni tek bir sanat pratiği yetmediği için mi yoksa kendi evrenini sınırsız bir şekilde ifade etme durumu hoşuna gittiği için mi? Mesele tamamen bu sanat disiplinlerinin her birinin ayrı bir zenginlik ve keşfedilmemiş engin potansiyele sahip olmasıyla ilgili. Bu keşfedilmemiş potansiyel, dünya değiştikçe sürekli değişiyor. Pek çok şeyi sanat olarak görüyorum. Filmlerimin müziklerini bestelemek için saha kayıtları yapmaya başladığımda çevremde olup biten seslerin ayrıntılarını dinlemeye başladım. Bana göre dinlemeye yönelik yeni keşfedilen bu ilgi sanattır. Nadiren yayınlamayı düşündüğüm şiirler yazıyorum, bu da sanatın başka bir türü. Dolayısıyla sanat yapmak için hangi aracı kullandığımın önemli olduğunu düşünmüyorum. Önemli olan fikirlerimi iletmek için doğru ortamı seçmek. Açıkçası yaptığım işten keyif almadan hiçbir şey yaratamam. Zevk, sanat diyebileceğim her şeyin anahtarı! KAVGALARIMI SEÇMEYİ ÖĞRENDİM Tüm çalışmalarında ekolojik, teknolojik, siyasi, yani günümüze dair göndermeler var. Bunları yaparken de bilim kurgu unsurlarını ve sözcükleri sıkça kullanıyorsun, yanılıyor muyum? Neden özellikle bu ikisi? Yaşadığımız dünyada her gün gerçeklik olarak algıladığımız, önümüzdeki ekran üzerinde hızla hareket eden sanal bir kaos var. Yarattığım her şeyi kurgu olarak görüyorum. Buna bilim kurgu diyemem, çünkü bu sadece bilimle ya da özellikle bahsettiğiniz herhangi bir şeyle ilgili değil. Daha çok bunların bir arada var olmasının karmaşıklığıyla ilgili. Ya da değil. Gerçeklik algımızı yaratan katmanlarla, bunların nasıl rol değiştirdiğiyle ve koşullar değiştikçe nasıl daha fazla önem kazandığıyla ilgili… Yaptığım her şeyin mutlaka siyasi bir katmanı var, ama eserlerim siyasi işler değil. Bazen mizah var, ama komik değil. Çalışmalarım; zamanın bu döneminde hayatta kalmanın karmaşıklığı ve sanatın buna dair tepkimi -sözlü ve yazılı dilin yapamayacağı bir şekilde- yansıtmama nasıl izin verdiğini bulmamla ilgili… 46 yaşında bir insan ve sanatçı olarak dünyayı hangi yönleriyle anladığını ya da anlayamadığını merak ediyorum… Umarım daha fazla olgunlukla sadece değişebilir şeyleri değiştirmeye çalışmam gerektiğine dair bir anlayışa sahip olmuşumdur. Sonuçta kavgalarımı seçmeyi öğrendim. Kişisel düzeyde bile olsa nezaket, samimiyet ve cömertliğin dünyayı değiştirmeye çalışmaktan daha güçlü olduğunu öğrendim. Ve umarım bu, bir sanatçı olarak yaptıklarıma da yansır. Bu yılki Art Basel Miami’de hangi çalışmalarınızı göreceğiz? Art Basel Miami Beach’in “Nova” bölümünde, Kahire’deki Gypsum Gallery’nin alanında son resimlerimi sergiliyorum. Bu işlerimi umut verici olarak düşünmeyi seviyorum. Pek çok eserim gibi geçmiş, şimdi ve gelecek arasında bir yerde kalan kurgusal durumları tasvir ediyorlar. Bu resimler son zamanlarda düşündüğüm pek çok şeyle, pek çok tarihsel hatayla ve zamanımızda meydana gelen umut verici değişimlere tanıklık edebilmekle ilgili… Ama daha önce belirttiğim gibi, gelecekteki alternatifleri düşünüp yeni yollar keşfetmek amacıyla, gerçekliğin karmaşıklığı ve kurgu öncülüyle katmanlandırılmışlar. ÇOK FAZLA TANIMLAMA AYNI ZAMANDA BİR LANET VE HAPİSHANEDIR! Sanat yaparken şu anki en büyük motivasyonun nedir? 10 yıllık resim, çizim, yerleştirme ve animasyon çalışmalarından sonra yaptığım ilk film olan “Turtles All the Way Down”ı 2010 yılında çekmiştim. Filmde sorduğum en büyük sorulardan biri şuydu: “Evrenin genişlediğini biliyoruz, ama neye doğru genişliyor? Bu genişlemenin dışında sürekli tüketilen ve bilinmeyen varlık nedir?” Sorunuzu yanıtlamak için bunu bir benzetme olarak kullanacağım. Benim için en büyük motivasyon, büyüyen hayal gücümün diğer tarafında olanı keşfetmek! Her resim, film ya da fotoğraf enstalasyonuyla birlikte, hayal gücümün keşfetmeye mecbur hissettiğim yeni, keşfedilmemiş fikirleri ortaya çıkıyor. Bu bir bağımlılık! Hayal gücünün genişlemesi ve onun ötesindekiler dört boyutlu. 4’üncüsü ise değişim ve olgunluğun ana tanığı olan zaman. Seni ve eserlerini tanımlayan üç özellik? Eserlerimi tanımlamak istemiyorum! Bu benim işim değil, ama aynı zamanda sanat yapmanın amacına da meydan okuyor. Sanat, tanıma meydan okuyan bir dil. Sanat, kelimelerle ifade edemediklerimizi ifade etmek içindir. Çok fazla tanımlama aynı zamanda bir lanet ve hapishanedir! Var olan anlam, düşünce ve hayal gücünün evrimine tüm kapıları kapatır. Bana gelince… Beni en çok harekete geçiren şey, merak. Devam etmemi sağlayan şey bu! * BIO: Mısır doğumlu sanatçı Basim Magdy, halen İsviçre-Basel’de yaşıyor ve sanat çalışmalarına orada devam ediyor. Tüm işlerinde dünyaya hiciv barındıran bir gözle bakan Magdy; geçmiş, şimdi ve geleceğe ait unsurları tek bir evrende toplayarak gerçeküstü tasvirler yaratıyor. Eserlerinde sprey boyadan kimyasal olarak değiştirilmiş film stoklarına kadar bir dizi alışılmadık malzemeyi kullanan Magdy’nin son resimleri bu yılki Art Basel Miami’nin “Nova” bölümünde gösterilecek. for more Print VOL XI - 2023 / 24 Out of Stock Add to Cart

January 2023 | Place & People | Vol VIII TR below ESRA KAZMİRCİ Words Alp Tekin Photos OB Your architectural office is in Arnavutköy, your house is in Rumelihisarı. What does living in Istanbul between these two favorite districts bring you and your profession? Especially about your house, you say, “When I come here, I get away from Istanbul and get into a holiday mood”. Why? After a long and busy day at the office, I want to go home right away! At this point, being close to home in a big city like Istanbul is a real luxury. From the moment I step into the neighborhood of our house, I feel a sense of peace. The fact that the location of my home and office is close to the environment where I spend my time also enables me to handle all my tasks in the hustle and bustle of daily life. At the same time, Arnavutköy is a good location in terms of proximity to the places I will socialize. Which places do you go to most? Bebek Otel, Bebek Balıkçısı, Salt, Melina Kantina, Adem Baba and Any. You are an interior designer who mainly does home-oriented projects. Which is your most memorable project? Generally, we aim to do the right things together with my team based on the question “How would I be happy in this house?”. Being on the hosts’ wavelength is also very important in the decoration of the house. As a matter of fact, in the house project we made in Rumelihisarı, the customer left himself completely to us in terms of design. This allowed us to be free in design. Thus, in line with the wishes of our customers, we prepared a space without compromising the visual character and decoration qualities, and without interfering too much with the existing setup, keeping the functionality in the foreground. What are the first three things you want to fix right away when you enter a house or space? Table, accessory arrangement on the table and pillows on the sofa! Mimarlık ofisin Arnavutköy’de, evin Rumelihisarı’nda. İstanbul’u bu iki gözde semt arasında yaşamak sana ve mesleğine neler kazandırıyor? Özellikle evin konusunda, “Buraya girince İstanbul’dan uzaklaşıp tatil havasına giriyorum” diyorsun. Neden? Ofiste geçirilen yoğun ve uzun bir günden sonra kendimi hemen eve atmak istiyorum! Bu noktada İstanbul gibi büyük bir şehirde ofisin eve yakın oluşu gerçek bir lüks. Evimizin mahallesine adım attığım andan itibaren içimi bir huzur kaplıyor. Ev ve ofis konumunun zaman geçirdiğim çevreye yakın olması da günlük hayat koşuşturması içinde her işimi halledebilmemi sağlıyor. Aynı zamanda Arnavutköy, sosyalleşeceğim mekanlara yakınlık bakımından iyi bir lokasyon. Daha çok hangi mekanlara gidiyorsun? Bebek Otel, Bebek Balıkçısı, Salt, Melina Kantina, Adem Baba ve Any. Ağırlıklı olarak ev odaklı projeler yapan bir iç mimarsın. En çok iz bırakan projen hangisi? Genelde “Ben bu evde nasıl mutlu olurdum?” sorusundan yola çıkarak ekibimle beraber doğru işler çıkarmayı hedefliyoruz. Ev sahipleriyle karşılıklı frekanslar da evin dekorasyonunda çok önemli. Nitekim Rumelihisarı’nda yaptığımız ev projesinde müşteri tasarım konusunda kendini tamamen bize bıraktı. Bu da tasarımda özgür olmamızı sağladı. Böylece müşterimizin istekleri doğrultusunda, mevcut kurguya çok müdahale etmeden, fonksiyonelliği ön planda tutarak, görsel karakter ve dekorasyon niteliklerinden ödün vermeden bir mekan yarattık. Bir ev ya da mekana girdiğinde hemen düzeltmek istediğin ilk üç şey ne? Tablo, masa üzeri aksesuar düzenlemesi ve kanepe üzeri yastıklar! Tamamı için... | For more... Print VOL VIII - 2022 / 23 Out of Stock View Details

December 2022 | Design & Interiors below english 600 adet üretilen anatomik şezlong M obilya tasarımı ve üretiminde uzman Object Embassy tarafından başlatılan ve sanat ile tasarımın sınırlarındaki ürünlerle adından söz ettiren Amsterdam merkezli inCC: markası, BYBORRE ve dünyaca ünlü grafik sanatçısı Nynke Tynagel ile ortaklık kurdu ve piyasaya sürdükleri “Anatomik Şezlong” ile tasarım dünyasında çıtayı oldukça yükseltti. Bu yılki Salone del Mobile'de tanıtılan, sınırlı sayıda üretilecek bu parça aslında geleneksel bir şezlongun yeniden tasarlanıp yorumlanmış hali. Bu muhteşem tasarım, işçilik ve inovasyon söz konusu olduğunda, sanat ve mobilya arasındaki boşluğu kapatmayı amaçlıyor. Bu ortaklıkta BYBORRE, tedarikçi ekosistemlerini ve örgü teknolojisine ilişkin benzersiz bilgi birikimini ortaya koymuş. Nynke ve inCC: ise tasarımın gerçeğe dönüşmesine yardımcı olmak için gerekli araçlara erişimi sağlamış. Mühendislik bilgisiyle BYBORRE, boya fırçasıyla Nynke ve işçiliğiyle inCC: bu şezlongları titizlikle işleyerek, sadece yaratıcılığın sınırlarını zorlamakla kalmayıp aynı zamanda tavizsiz bir şekilde işlevsel ve çevreye karşı sorumlu olan benzersiz bir parça oluşturmuş. Şezlongların her biri numaralandırılmış ve tekrar etmekte fayda var: Sadece 600 adet üretilecekler! 600 pieces of anatomic chair I nitiated by furniture experts Object Embassy and operating on the verge of art and design, Amsterdam-based label inCC: partnered with BYBORRE and world-renowned graphic artist Nynke Tynagel to heighten their ceiling of design with the release of the ‘Anatomic Chair’ -a limited edition piece that debuted at this year’s Salone del Mobile. Reimagining the archetypical traditional beach chair, this exclusive release is limited to 600 pieces worldwide and looks to bridge the gap between art and furniture in a spectacular display of design, craftsmanship and innovation. By opening up their ecosystem of suppliers and unparalleled knowledge of knit technology, BYBORRE gives access to the tools necessary to help Nynke and inCC:’s vision become a reality. With BYBORRE engineering the canvas, Nynke working the paintbrush and inCC: meticulously crafting the chairs, all three parties joined forces to create a unique piece that not only pushes the boundaries of creativity but is uncompromisingly functional and responsible too. A unique take on a century-old design, Nynke and inCC: provide a lens to look into the future of art and furniture, and how the two worlds can coincide together in harmony. Each of the sun loungers is numbered and it is worth repeating that only 600 will be produced.

Nisan 2020 | Art | Almanya MAY PARLAR "Collective Solitude" Online Sergi Yazı | Onur Baştürk Yuzu’nun ilk online sergisine hoş geldiniz! Bu sergiyi Ferda Art Platform’la (FAP) beraber gerçekleştiriyoruz: May Parlar’ın “Collective Solitude” sergisi. Normal şartlarda May’ın disiplinlerarası yeni işlerini 5 mayıs tarihinden itibaren FAP’ın Nişantaşı’ndaki galerisinde görme şansımız olacaktı. Ama malum, şartlar bir anda değişti. Bildiğimiz hayat düzeni epeydir allak bullak. Ne zaman düzeleceği de şimdilik belirsiz. “Collective Solitude” ise FAP’ın hali hazırda online’a özel açmayı planladığı bir sergiydi. May Parlar’ın yeni işlerini görmek için biraz daha bekleyeceğiz, ama ondan önce özel bir seçkiden oluşan Collective Solitude’u ortak bir işbirliğiyle ilk kez bu sayfalarda gösterelim istedik. FAP’ın kurucusu Ferda Dedeoğlu ve iletişim danışmanı İsmail Polat da benimle aynı fikirde olunca, yurtdışında büyük ilgi görmüş seriyi bu sayfalarda görmeye/anlamaya, üzerinde uzun uzun düşünmeye ya da şöyle bir bakıp çıkmaya (sanatseverin her hali makbul) açtık. LEVENT ERDEN & MAY PARLAR Söyleşi Videosu "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP "Collective Solitude" C-print baskı ve Dibond, Ed 5 + 2AP 1/15 MAY PARLAR instagram @mayparlar web www.mayparlar.com FERDA ART PLATFORM instagram @ferdaartplatform web www.ferdaartplatform.com ART | Kategorinin diğer yazıları ‘Resimlerin kendi içinde tedirgin olmasını önemsiyorum’ Mahremiyeti sorgulamak daha erotik Yuzu & nom-studios sunar ‘LOOP’ sergisi Kemal Özen "Gam'zede" Online Sergi Hangi yetişkin bir ‘Gam’zede’ değil ki artık? Ali Elmacı’nın atölye günleri notları May Parlar "Collective Solitude" Online Sergi Lara Kamhi’yle paradokslar ve izolasyon üzerine... BASE’in yeni dijital projesi yakında Sessiz Odanın Çığlığı İtalya’daki müzeden salgına bakınca… Yıldızı daha da parlayacak: Salman Toor Online açılış yapan İstanbullu sergi

November 2023 | Design & Interiors english below A Dubai villa where white and black design words Alp Tekin photos Walid Rashid K endi ismini taşıyan stüdyosuyla dikkat çekici projeler yapan iç mimar Marie Claire Mrad’in son projesi Alvorada Villa. Dubai’de yer alan proje için Mrad şöyle diyor: “Minimalizm ile keskin bir lüks hissi arasındaki hassas denge. Bu evin ilham kaynağı işte tam da buydu”. Bridie & Chris Hani çiftine ait olan villanın etrafını bir havuz ve barbekü alanına sahip salonu bulunan 250 metrekarelik açık hava terası sarıyor. İki katlı villada tüm iç duvarlar kaldırılmış ve geriye sadece yapısal sütunlar bırakılmış. Böylece tüm fonksiyonların birbiriyle iletişim kurup mükemmel bir uyum içinde olduğu açık bir alan yaratılmış. Dört ana alan (ana yaşam alanı, bar, TV alanı ve mutfak) herhangi bir görsel engel olmaksızın, her alanın tanımı bozulmadan yan yana yerleştirilmiş. Marie-Claire Mrad, “Mekanda hiçbir duvar veya görsel engel olmadan mükemmel bir akış elde etmek istedim” diyor. “Tüm proje boyunca görüş açık: İç mekandaki farklı işlevler birbirleriyle uyumlu bir şekilde iletişim kuruyor”. “Gerçek lüks, projenin konseptinde yatıyor” diyen Mrad, “Mobilyalardan aydınlatmaya kadar her ayrıntı mekana özel olarak düşünüldü, tasarlandı ve uygulandı”. A lvorada Villa is the latest project of interior architect Marie Claire Mrad, who creates remarkable projects with her studio bearing her name. For the project in Dubai, Mrad says: “The delicate balance between minimalism and a sharp sense of luxury. That was exactly the inspiration for this house”. Owned by Bridie & Chris Hani couple, the villa is surrounded by a 250 square meter outdoor terrace with a pool and lounge with barbecue area. In the two-storey villa, all interior walls were removed, leaving only the structural columns. Thus, an open space was created where all functions communicate with each other and are in perfect harmony. The four main areas (main living area, bar, TV area and kitchen) are placed side by side without any visual obstruction, keeping the definition of each area intact. “I wanted to have a perfect flow in the space, with no walls or visual obstacles,” says Marie-Claire Mrad. “The view is open throughout the whole project: in the interior, the different functions are communicating in a harmonious way between each other; and from the interior to the exterior, the envelope disappears to make the indoor one with the outdoor, creating a frame or a scene in each space”. “The true luxury resides in the conception of the project,” said Brad, “Everything is customized. From the furniture to the lighting, every single detail was thought of, conceived and executed specifically for the space”.

April 2022 | People TR BELOW a FULLY GREEN MEDIA PLATFORM words Onur Baştürk Imagine a media platform where the sole focus is on green projects that inspire the entire planet. They capture and showcase these projects, regardless of where they are in the world, introducing both the projects and their creators to a global audience. Their mission? To highlight people and organizations making an effort to tackle environmental issues, no matter how small, and to spark a positive movement. Sounds like a dream media platform? Well, it already exists! Meet Going Green Media, a UK-based initiative. Founded in 2019 by Ben, an architecture graduate, Going Green Media has documented sustainable innovations and projects in countries like Spain, Singapore, Indonesia, the UK, and Denmark. Here, Ben and Ciara—who later joined the team—share the story of Going Green Media. GOING GREEN: A SOURCE OF ECO-POSITIVITY When did the idea for Going Green Media first come to life? BEN: It all started as a domino effect for us. I studied architecture and went vegan in 2019. Ciara had gone vegan much earlier and grew up surrounded by nature in Florida. Naturally, we both became aware of the harmful impact of animal agriculture on climate change. CIARA: When Ben started Going Green in 2019, the initial focus was solely on sustainable architecture. When I joined the team in 2020, we realized there was immense potential to cover many facets and opportunities within sustainability. Ben: We wanted to be a genuinely positive voice. Instead of fixating on the world's grim trajectory, we aimed to highlight the fact that there are people around the world—whether on a global scale or in their own small ways—making a difference. That’s why our goals continue to evolve. We want Going Green to be a source of eco-positivity. HELPING THE PLANET GOES BEYOND SIMPLE SOLUTIONS Among all the projects you’ve documented so far, which one has impressed you the most? It’s impossible to pick a single favorite. Our mission is to explore sustainable ideas! Some of the projects we visit are super high-tech and developed by highly skilled engineers, doctors, and scientists. Others are grassroots initiatives led by ordinary people whose passion turned into transformative projects. What moves us most is the dedication and passion of the people we meet. What’s your workflow like? Do you evaluate requests you receive, or do you seek out green projects yourselves? We’re both incredibly committed and tenacious workers! At the heart of what we do is thoroughly researching every brand or project we collaborate with. This helps us stay true to our values in everything we produce. We never want to come across as influencers who promote products or campaigns purely for payment. Before filming a green project, we question everything—from their ethical practices to their track record. Sustainability has become such a buzzword in recent years that some brands use it to appear eco-friendly. What’s your take on that? The growing popularity of sustainable products and buzzwords has its pros and cons. There will always be profit-driven companies looking to exploit this trend. Brands that label themselves as eco-friendly without making meaningful changes to their production processes or environmental impact are the worst offenders. We often get approached by companies wanting us to promote their “sustainable” or “biodegradable” products. But a quick glance at their websites and social channels is often enough to reveal whether they’re genuinely planet-friendly or not. Helping the planet isn’t just about creating plastic-free or plant-based products. It’s also about how a company treats its employees and values the people providing raw materials for their products. We consider all of these factors. If a company has a “B-Corp” certification, it definitely increases our willingness to work with them. Is it challenging to travel to other countries to document projects? How do you fund these trips? We’re self-made and didn’t rely on financial support from our families. When we decided to launch Going Green, we kept working full-time jobs. We would take paid leave or use our free days for Going Green shoots. Most of our travel is still funded through ad revenue and sponsorships from charitable organizations. TAMAMEN YEŞİL bir MEDYA Şöyle bir medya düşünün: Odaklarında sadece tüm gezegene ilham veren yeşil projeler var. Onları çekip yayınlıyorlar. Dünyanın neresinde olursa olsun farketmiyor, projenizi ve sizi tüm dünyaya tanıtıyorlar. Amaçları şu: Çevre sorunları konusunda hiçbir şey yapmamak yerine bir şey yapmaya çalışan insanları, kurumları ön plana çıkartmak ve pozitif bir hareket yaratmak…Böyle bir medya olabilir mi? Oldu bile! İngiltere çıkışlı Going Green Media. Mimarlık eğitimi almış Ben’in 2019'da kurduğu dijital platform Going Green Media şimdiye kadar İspanya, Singapur, Endonezya, İngiltere ve Danimarka gibi ülkelerdeki sürdürülebilir yenilikleri ve projeleri çekip belgeledi. Going Green Media’nın hikâyesini kurucusu Ben ve ekibe sonradan dahil olan Ciara beraber anlatıyor. GOING GREEN BİR EKO-POZİTİFLİK KAYNAĞI Going Green Media fikri ilk ne zaman ortaya çıktı? BEN: Tüm olanlar bizim için gerçekten domino etkisiydi. Ben mimarlık okudum ve 2019'da vegan oldum. Ciara ise çok daha önce vegan olmuş ve Florida'da doğayla çevrili bir yerde büyümüş. Dolayısıyla kendiliğinden hayvansal tarımın iklim değişikliği üzerindeki zararlı etkilerini öğrenmeye yönelmiştik. CIARA: Ben 2019'da Going Green'i başlatırken kanalın başlangıçta sadece sürdürülebilir mimariye odaklanmasını istedi. 2020'de benim ekibe katılmamla birlikte sürdürülebilirlik alanında birçok yönü ve fırsatı kapsamak için çok potansiyel olduğunu fark ettik. BEN: Gerçekten olumlu bir ses olmak istedik. Dünyanın kasvetli gidişatına odaklanmak yerine küresel olarak ya da sadece kendi içlerinde bir fark yaratmak için ellerinden gelenin en iyisini yapan insanlar olduğu gerçeğini vurgulamak istedik. Bu nedenle hedeflerimiz gelişmeye ve değişmeye devam ediyor. Going Green'i bir eko-pozitiflik kaynağı yapmak istiyoruz. Ana akım medyanın aksine ilham veren, çözüm üreten proje ve insanlara odaklanıyorsunuz. Çözüm üretenler sizce yeterli mi? Dünya bu inanılmaz yolculukta gerçekten daha yolun başında. Gidecek uzun bir yol var! Tanıştığımız birçok insan ve çektiğimiz yeşil projeler, çevre dostu bir geleceğin öncüleri. GEZEGENE YARDIM ETMEK BUNLARLA SINIRLI DEĞİL Çektikleriniz arasında şu ana kadar sizi en çok etkileyen kimin projesi oldu? Tek bir favori seçemeyiz. Çünkü amacımız sürdürülebilir fikirleri ele almak! Ziyaret ettiğimiz projelerden bazıları süper yüksek teknolojili ve son derece nitelikli mühendisler, doktorlar ve bilim insanları tarafından geliştirilmiş. Diğerleri ise sıradan insanların tutkulu projelere dönüşen işleri. Bizim için etkileyici olan tanıştığımız insanların tutkusu ve özverisi. Nasıl bir çalışma süreciniz var? Size gelen talepleri mi değerlendiriyorsunuz yoksa siz mi yeşil projeleri bulup çekiyorsunuz? İkimiz de son derece özverili ve inatçı çalışkanlarız! Bu nedenle işimizin özü birlikte çalıştığımız her markayı ya da projeyi derinlemesine incelemek. Böylece yaptığımız her şeyde değerlerimize bağlı kalabiliyoruz. Bir ürünü ya da kampanyayı sadece ücret karşılığı tanıtan influencer’lar gibi olmak asla istemiyoruz. Bu nedenle yeşil bir projeyi çekmeden önce onların etik anlayışlarından geçmiş performanslarına kadar her şeyi sorguluyoruz. Sürdürülebilirlik son yıllarda o kadar çok kullanıldı ki, bazı markalar bu kavramı kullanarak kendilerini çevreci gösterebiliyor. Ne dersiniz? Sürdürülebilir ürünlerin ve moda sözcüklerin popülaritesindeki artışın pek çok artı ve eksisi var. Bundan yararlanmak isteyen kâra aç şirketler her zaman olacak. Ürünlerinin üretim süreci ve satışının çevreyi nasıl etkilediğine dair önemli bir değişiklik yapmadan çevre dostu olarak kendini etiketleyen markalar ise gerçekten en kötüsü! "Sürdürülebilir" ya da “çözünebilir” ürünlerini tanıtmamızı isteyen şirketler bize de sıkça yazıyor. Ama gezegene yardımcı olamayacaklarını anlamak için web siteleri ve sosyal kanallarına hızlıca bir göz atmak yeterli. Çünkü gezegene yardım etmek sadece bir ürünün plastik içermemesi ya da bitki bazlı olmasıyla sınırlı değil. Yanı sıra o şirketin çalışanlarına nasıl davrandığı, ürün için ham madde sağlayan kişilere ne kadar değer verdiği de önemli. Tüm bunlara bakıyoruz. Hatta bir şirket “B-Corp” sertifikasına sahipse onlarla çalışma isteğimiz daha da artıyor. İngiltere dışındaki ülkelere gidip proje çekmek zor olmuyor mu? Finansmanı nasıl sağlıyorsunuz? Ailelerimizden finansal destek almadan kendi kendimizi yetiştiriyoruz. İkimiz de hibeler, burslar, krediler arayarak ve çalışarak üniversiteye girdik. Tanışıp Going Green'i başlatmaya karar verdiğimizde ikimiz de tam zamanlı işlerimizde çalışmaya devam ettik. Ücretli izin alarak ya da boş günlerimizde Going Green için çekimler yaptık. Seyahatlerimizin çoğunu reklam gelirlerinden ve hayırsever kuruluşlardan gelen sponsorluklarla finanse etmeye devam ediyoruz.

July 12, 2025 | PEOPLE the SHAPE of SOUND to COME words Onur Basturk Bang & Olufsen has never been just another electronics brand. For over a century, it’s redefined the boundaries between sound and sculpture, technology and emotion. As the industry moves toward sustainability and more personal experiences, B&O stays ahead by doing what it does best—challenging norms. In this conversation, Head of Design Tiina Karjalainen Kierysch shares her thoughts on legacy, longevity, and why emotion might just be tech’s most powerful feature. Bang & Olufsen’s design language has evolved over the years, yet the core idea of “timeless aesthetics” remains constant. How do you balance this legacy with innovative design decisions? A huge part of our legacy is the mindset behind how we create products rather than the aesthetics themselves. What sets Bang & Olufsen apart from the general consumer-electronics industry is that we have always done things differently. Being unconventional is practically part of our DNA. Our products not only look different, but they also function and interact very differently from many competing products. As a designer, being able to challenge the status quo is liberating and offers a huge opportunity to explore completely new archetypes—rethinking use cases, shapes, interactions, and tactility. We even go so far as to change the meaning of entire product categories from time to time. For example, in the 1990s we transformed CD players from black plastic boxes into beautiful glass displays that could create an entire evening playlist for you. Another example is Beosound Shape, where we re-contextualised a speaker as an art piece on the wall—we often see things differently. Our founders, Peter Bang and Sven Olufsen, had a mission: “a never-failing will to create only the best, continuing to find new ways and improvements.” One hundred years later, we carry this legacy forward by continuing to challenge the status quo and keeping an open mind toward evolving creation, technologies, and manufacturing processes. 2. In new products like the Beoplay H100, elements such as modularity and reparability are emphasised. How early do these sustainability-focused decisions enter your design process? Our teams design in a modular way, and this is built in from the very beginning of the process so that parts can be repaired or exchanged later in their lifetimes. When new technologies emerge, products can also be upgraded through software. The modular-design expectations and targets we set for ourselves are challenging, yet they make the teams highly motivated. When it comes to sustainability, we work with the Cradle to Cradle certification, which provides a framework for assessing circularity and sustainability performance. Another approach to longevity is repurchasing old products, restoring them, and making them compatible with modern technology—we call these our Recreated Classics. We need to work together as an industry and solve the problems we can only solve collectively, using technological advancements to drive positive change and a culture of circularity. We strive to learn and improve constantly in this field while inspiring others to join the movement. I’M FASCINATED BY NEW SENSORY EXPERIENCES—ESPECIALLY THOSE INVOLVING TACTILITY, MOVEMENT, OR SOUND You’re leading the reimagining of iconic B&O products from the past. What is the biggest challenge in these redesign processes—staying true to the original form, integrating new technologies, or adapting to today’s user habits? Reintroducing products from the past gives us an opportunity to highlight, celebrate, and bring back some of our most iconic designs. These designs are icons for a reason, so when considering any updates we approach them very carefully, protecting their design integrity. We look at whether there are elements to improve, how colours and materials can fit into a contemporary context, and how we can connect yesterday’s interfaces to future user experiences seamlessly. You’ve worked across a wide range of sectors—from industrial products to transportation design. How have these cross-disciplinary experiences influenced your approach at Bang & Olufsen? Each sector I’ve worked in has brought specific lessons, especially regarding processes. I’ve learned a great deal from the clarity of product-development structures in transportation design and from the importance of innovation processes within craft in the fashion and luxury industries. Most of my experience has also been in international settings—Europe, the US, and Asia—which has given me invaluable cultural insights. From this mix of influences, I’ve distilled best practices and, most importantly, a mindset that guides everything I do. I’m a designer and design leader who believes in the power of creativity and people. When exploring future ideas and solutions, I aim for a better world—one that needs more collaboration and a more sustainable tomorrow. I find joy in building teams that strive toward that goal through design excellence and care. What does good design mean to you? How would you describe your relationship with sensory elements like sound, form, and tactility? A product must be well-made and well thought-through—a great fit for your life that provides beautiful solutions. As designers, we have an important responsibility to push the boundaries of circularity when developing products. Design is a universal language. Through a product’s design, we visually communicate with potential customers and users, not only through its shapes or colours but also through the way it feels, sounds, and interacts with you. Great designs are often founded on unique ideas; they are memorable and leave a lasting impression. I think a product should move you—delight you, inspire you, or spark your curiosity. Sound, form, and tactility play a huge role in that emotional impact. Products stand out to me when I can recall how they looked or felt. I’m intrigued by how design triggers emotions and by the magic that happens when technology meets art and imagination. New experiences also fascinate me—things I’ve never encountered before that engage the senses with tactility, movement, or sound. I’m drawn to products created in remarkable ways, where you can feel the care for design excellence. When a product makes sense both rationally and emotionally—and gives you an overwhelming feeling of excitement—you feel the true strength, value, and power of design. MAGIC HAPPENS WHEN WE ENTER A JOINT CREATIVE FLOW You’ve said that sustainability is not just about materials but about building long-term emotional connections with users. Can you share an example where this idea shaped a project? Listening to music is an emotional experience. Bringing back memories from the 1990s with a refurbished Beosound 9000c connected to modern speakers and an app adds another emotional layer—memories come alive again in a future format. Aside from the Beosound 9000c, our Recreated Classics programme has introduced the Beogram 4000c record player and, more recently, the Beogram 3000c, revitalising classic Bang & Olufsen listening experiences. We want our products to be investments—objects that can be passed on to the next generation. In a world where consumer-electronics products can become obsolete quickly, we ensure they can be updated over time, with both hardware and software. Our products are designed modularly so that parts can be repaired or exchanged when needed. Together with our customers, we also create personalised products through our Atelier programme, where colours, materials, and finishes can be customised. Emotional connections often become even stronger when you, as the customer, help design the final result. What motivates you most during the design process—silence or sound? What kind of environments fuel your creativity? A huge source of inspiration is the teams I work with. Magic happens when we enter a joint creative flow. Through deep collaboration and by leveraging everyone’s expertise, we can conceptualise and design products we would never have imagined on our own. Being inspired by each other’s creative minds makes me forget time and space and dive into new imaginative worlds. Sound often inspires us in the studio when we create together, while silence is equally important for diving deeply into individual imagination and thought. What advice would you give to young designers—especially those looking to balance technology, craftsmanship, and emotional resonance in their work? Always remember that your individual contribution is unique. Nobody else will approach a design exactly the way you do. Identify your distinctive characteristics as a designer and use your personality to bring unique value to every design conversation. Stay curious and keep an open mindset for learning new things, perspectives, and methods. It will enrich you and your creativity, and you’ll enjoy your journey as a designer. At the same time, you’ll energise those around you. Dare to propose unusual, even crazy ideas—designers always have the power to propose. And remember to have fun!

Ocak 2022 | İçerik Ortaklığı for english click here İçerik Ortaklığı YUZU olarak markalarla ortaklaşa içerik de üretiyoruz. İçerik ortaklığı, yuzu’daki diğer içeriklerden üç şekilde farklı. - Markayla yapılan anlaşma çerçevesinde içerik ortaklığı ücretli. - İçeriğin editoryal kontrolü yuzu’ya ait, ama içerik ortağımız yayınlanmadan önce ön izlemeyi görebiliyor. - İçerik ortaklığı yayınlanan içerikte mutlaka belirtiliyor. İçerik ortaklığı sadece yazı üzerine olabileceği gibi, sosyal medya kanallarımızı da kapsayan bir video çalışması olabiliyor. Video çalışmasını yuzu’nun iş birliği yaptığı kreatif ekipler gerçekleştiriyor. Aynı şekilde eğer içerik ortaklığında bir fotoğraf çalışması söz konusu ise yine bunu da yuzu’nun kreatif ekibi üstleniyor. Eğer yuzu’yla içerik ortaklığı yapmak istiyorsanız info@yuzumagazine.com ’a mail atın. Beraber neler yapabileceğimiz konusunda fikir geliştirelim. Content Partnership As yuzu, we also produce content jointly with brands. Content partnership differs from other content on yuzu in three ways. - Content partnership is paid within the framework of the agreement with the brand. - Yuzu has editorial control of the content, but our content partner can preview it before it's published. - Content partnership is definitely stated in the published content. Content partnership can be only on writing, or it can be a video work that includes our social media channels. The creative teams that yuzu collaborates with are performing the video work. Likewise, if there is a photography work in content partnership, yuzu's creative team undertakes it. If you want to make content partnership with yuzu, send an e-mail to info@yuzumagazine.com . Let's develop ideas about what we can do together. Çapa 9

May 2024 | Design & Interiors english below Aricò's blue Mediterranean dreams A ntonio Aricò güney İtalya’da doğup büyümüş bir tasarımcı ve kreatif direktör. Geçtiğimiz yıl Seletti ile iş birliği sonucu ortaya çıkan Magna Graecia isimli koleksiyonu da öyle: Güney İtalya’daki antik Yunan kolonilerinin stilistik özelliklerinden ilham alınarak tasarlanmış, tamamen terracotta’dan yapılma bir obje serisi. Hem iç hem de dış mekanda kullanılabilen Magna Graecia koleksiyonu 2024 Milano Tasarım Haftası'nda yepyeni bir görünümle sunulmuştu. Gökyüzü ve Calabria denizinin mavi rengine bürünen koleksiyon, yeni bir Akdeniz rüyası yaratma çabasında. Ayrıca koleksiyonda yeni ürünler de var: Apotropik güçleriyle Ulysse ve Medusa maske lambaları, üç boyutlu Venüs, Herkül ve Centaur figürleri, Yunan dikdörtgen vazo ve iki büyük tabure: Man ve Woman. A ntonio Aricò is a designer and creative director born and raised in southern Italy. Last year he collaborated with Seletti on a collection called Magna Graecia: A series of objects made entirely of terracotta, inspired by the stylistic characteristics of the ancient Greek colonies in southern Italy. The Magna Graecia collection, which can be used both indoors and outdoors, was presented with a brand new look at Milan Design Week 2024. In the blue of the sky and the Calabrian sea, the collection aims to create a new Mediterranean dream. There are also new products in the collection: Ulysse and Medusa mask lamps with apotropaic powers, three-dimensional figures of Venus, Hercules and Centaur, a Greek rectangular vase and two large stools: Man and Woman.

February 2025 | DESIGN & INTERIORS the CANOPY words Alp Tekin photos John D'Angelo Detroit’s Core City is welcoming its latest architectural statement—The Canopy, a residential project designed to blend world-class architecture with lush landscaping. Developed by EC3, Prince Concepts, and Studio Detroit, the team behind the award-winning True North, The Canopy offers a fresh take on urban living with five duplexes set within a thoughtfully designed natural environment. Drawing inspiration from Mies van der Rohe’s Lafayette Park, Albert Kahn’s industrial legacy, and Donald Judd’s raw, minimalist spaces in Marfa, The Canopy introduces striking stucco structures with expansive glazing, maximizing light and views. Inside, the units range from studios to two-bedroom layouts, featuring high-end finishes—oak floors, custom birch millwork, and generous terraces or balconies that seamlessly connect the interiors to the outdoors. Landscape plays a key role in shaping the experience. Prince Concepts transformed the formerly abandoned site by planting 121 trees and creating 10,000 square feet of native gardens, turning the space into a green retreat within the city. Murals by Detroit-based artist Victor Reyes add another layer of depth, with his sweeping blue compositions on the rooftops mirroring the sky above. Located within walking distance of Café Prince, Core City Park, and Puma, The Canopy continues the neighborhood’s evolution into a design-forward hub. With phase two already underway—adding seven more duplexes—the project reinforces a vision of humanistic housing where architecture, landscape, and community intertwine.

May 2025 | DESIGN & INTERIORS DOWNTOWN DESIGN ARRIVES in RIYADH words Onur Basturk Riyadh gets its first taste of Downtown Design from 20–23 May, as the fair lands at JAX District with a sharp focus on contemporary, high-quality design. We caught up with Director Mette Degn-Christensen to talk about this exciting debut and Saudi Arabia’s creative momentum. THERE’S INCREDIBLE ENERGY IN SAUDI ARABIA RIGHT NOW Downtown Design will be held in Riyadh for the first time this year, following its well-established presence in Dubai. Could you tell us about the goals and highlights of this inaugural edition? Our first edition of Downtown Design Riyadh will present a dynamic selection of some of the most innovative and sought-after names in the international design scene, alongside emerging designers and creatives from across the Middle East. For over a decade, Downtown Design has been the Middle East’s leading fair for contemporary, high-quality design, acting as a catalyst for growth in the region’s creative scene. We’ve become a key platform for both the industry and emerging talent. Now, we are expanding our reach to bring our established curatorial approach and global network to Saudi Arabia’s fast-evolving design market—creating a fair in KSA, for KSA. Our aim is to create an unmissable event for design enthusiasts, professionals, and the culturally curious alike—those based in Saudi Arabia, the wider region, and international audiences working in or looking to enter the market. The demand for high-quality interiors and a new, modern aesthetic in the Kingdom is unprecedented, and we see this as a much-needed platform to serve this dynamic and rapidly growing market. There’s incredible energy in Saudi Arabia right now—enthusiasm and a growing confidence in design as a vital part of our surroundings and daily lives. The Kingdom is investing in quality, creativity, and long-term thinking—and design is at the heart of that. Some exhibitor highlights include Huda Lighting’s large-scale installation of ten architectural and decorative lighting brands; Venni’s showcase of hand-blown glassworks in collaboration with Michele De Lucchi and Peter Marino; Visionnaire’s refined artistry; and Serafini’s functional furniture highlighting Italian heritage. Helen Chislett Gallery will present collectible design by names like Heatherwick Studio, Roome London, Tom Faulkner, and Object Studio. Maison Louis Drucker will debut a digital-craft collaboration with TRAME and Aranda\Lasch, exploring algorithmic design rooted in traditional craftsmanship to reimagine the iconic café chair first created in 1885. This project, called ENLACE, merges the potential of digital design with the art of cane weaving—showcasing how generative technologies can complement, rather than replace, artisanal processes. The fair will also feature a space dedicated to collectible design and ultra-high-end collections presented by international galleries and makers known for exceptional craftsmanship and contemporary vision. One highlight is Gallery COLLECTIONAL, showcasing the sculptural lighting of New York-based Apparatus Studio, vintage-inspired creations of Draga & Aurel, and works by Laurids Gallee, Mario Tsai, Sabine Marcelis, Steven John Clark, and Refractory. We’re particularly excited about the strong selection of contemporary Saudi creatives featured in this first edition. There’s so much energy in the local design scene—studios drawing from heritage, experimenting with materials, and building a visual language that bridges local identity and global conversations. We’re looking forward to Designed in Saudi, a strategic initiative led by the Architecture and Design Commission that positions the Kingdom as a global design destination. It’s dedicated to empowering local designers and supporting the growth of the industrial design sector in Saudi Arabia. The Kingdom’s creative talent will be showcased with brands such as NWII.III, where founder Noura Suleiman will debut the studio’s Mezlaj furniture collection, and Jotun will unveil an experiential colour concept by Amani Ibrahim that draws on architectural features from five different Saudi regions. WE HAVE A CURATION PROCESS How were the designers and design studios selected or invited for Downtown Design Riyadh? Do the participating studios share any common qualities or values? For every edition of the fair, we assemble a line-up that combines global brands, regional debuts, creative showcases, and a spotlight on Saudi talent. There is a strong emphasis on material craftsmanship, spatial innovation, and programming tailored to a diverse, high-calibre audience. The Riyadh edition reflects the essence of Downtown Design—contemporary, high-quality, and original. We have a curation process for all applications to ensure quality, relevance, and alignment with our vision. This allows us to support both international brands and emerging creative talent while contributing meaningfully to Saudi Arabia’s evolving design scene. We aim to present an inspiring mix—lifestyle products, new collections from globally known brands, and future-proof solutions for modern interiors—alongside regional studios. Downtown Design is boutique in scale and feel, allowing us to offer a refined, purposeful experience instead of a large-scale supplier show. Our audience is well-travelled, design-savvy, and culturally curious—often true aficionados—so our offering is carefully tailored to meet those expectations, not just to mimic other fairs. There’s a consistent focus on premium interior design across hospitality and residential sectors, showcasing both global names and limited-edition works that visitors can explore, buy, or commission. STRATA: LAYERS OF EARTH Is there a specific theme guiding this year’s Downtown Design Riyadh? Rather than one overarching theme, we curate a filtered, inclusive showcase that spans relevant sectors and topics, all grounded in local context and materiality. This year, we’re thrilled to collaborate with Karim+Elias, who are presenting an urban intervention titled Strata, meaning “layers of earth.” The concept draws on Diriyah’s Najdi architectural style and the traditional rammed-earth technique. The modular seating installation—over 50 triangular components—will be handmade using local earth and positioned in the JAX District’s courtyards, surrounded by greenery. JAX District itself, the fair’s venue, is situated in Diriyah, a UNESCO heritage site known as the “City of Earth.” It’s a powerful setting for conversations around sustainability, locality, and heritage-driven design. We see Strata as a perfect embodiment of how we integrate local identity, sustainable thinking, and craftsmanship into our programming. We’re also presenting Woven by Ruba Al Khaldi—an interactive pavilion first shown at the 2023 London Design Biennale. It celebrates the Bedouin craft of Al-Sadu through a 50-meter tapestry and a working loom with digital exhibits. The piece expresses shared values—innovation, nature, spirituality, knowledge, and wellness—through craft and design. Another key installation is the Iwan Pavilion, winner of the 2023 Tanween Foldable Pavilion Challenge. It’s a collaborative project inspired by traditional Islamic architecture, brought to life by Itra, Mamou-Mani Architects, and Abay. THERE’S A REAL SENSE OF MOMENTUM IN RIYADH What are your personal impressions of Riyadh? How would you describe the city? I know it sounds cliché, but it’s genuinely been an encouraging experience. There’s so much ambition, readiness, and energy in the people we meet. It’s incredibly exciting to be part of this movement and transformation. There’s a real sense of momentum in Riyadh. Over the past year, the city has continued to surprise me—in the best way. The opportunities are vast, and while it’s hard work, it’s a rewarding and fascinating process to be a part of. WE SEE OUR PLATFORM CONTRIBUTING TO THIS DYNAMIC SHIFT Based on your experience in Dubai, do you think Riyadh has the potential to become a design and art hub as well? Absolutely—and I believe it’s already happening, especially in the arts. That’s precisely why we’re launching the fair in Riyadh: there’s a growing demand for quality design, and we see our platform contributing to this dynamic shift, aligned with Vision 2030. How do you feel about hosting the fair at the end of May? I’m asking specifically in regard to the heat, as the event takes place during quite a warm period. Fortunately, the entire fair takes place indoors, and we have excellent air conditioning! Naturally, we expect evenings to be busier, and our opening hours reflect that. But it’s still May—not August—and we’ve designed everything with the climate in mind. Are there any plans for Downtown Design to expand into other cities across the Middle East? We’re certainly open to it and are reviewing long-term strategies—so stay tuned!

September 2024 | DESIGN & INTERIORS TURKISH BELOW CRAFTSMANSHIP and SCANDINAVIAN ELEGANCE words Karine Monie photos Brian Wetzel This home in Philadelphia's historic Main Line neighborhood showcases Scandinavian design and the craftsmanship of small artisans from around the world. Stripped down to its essentials, the home exudes a serene, calming atmosphere with a neutral palette and subtle touches of color. The existing interior architecture and design was very nouveau and grand. “We stripped everything down to create a serene and calming space, streamlining areas to enhance relaxation. The entire project spanned nine months” says Melissa Urdang Bodie, co-founder of Melissa & Miller. "The inspiration for the interior design was undeniably rooted in the outdoors," explains Melissa. "We enhanced the kitchen by removing walls and installing a large window/door that opens onto their stunning garden. Inside, the powder room features cloud-like wallpaper. In the breakfast room, chairs in a warm green tone add a welcoming touch, echoing the natural beauty that surrounds the home”. AI WEIWEI AND DAMIEN HIRST WORKS The clients had a clear vision of a neutral palette for their home, though the designers gently encouraged a touch of color, such as the green chairs in the breakfast room. Their art collection is predominantly vibrant, highlighted by exceptional pieces from artists like Ai Weiwei and Damien Hirst, which added depth and character to the project. THE PERFECT SCANDINAVIAN-INSPIRED DINING ROOM It was designed to have a focal point without feeling overbearing. “We opted for a limewashed wall to add movement, and the Scandinavian wooden pendants created perfect simplicity while casting a beautiful glow,” says Melissa. “As always, we experimented with a variety of dining chairs, prioritizing look, comfort, and proportion. We value collaborating with small artisans and makers worldwide, and we finally found the perfect chair from Sarza, who sources furniture from South Africa”. USTALIK ve İSKANDİNAV ŞIKLIĞI Philadelphia'nın tarihi Main Line bölgesindeki bu ev İskandinav tasarımını ve dünyanın dört bir yanından gelen küçük zanaatkârların işçiliğini sergiliyor. Mevcut iç mimari ve tasarımı son derece modern ve görkemli olan evi yeniden tasarlayan Melissa & Miller'ın kurucu ortağı Melissa Urdang Bodie, “Sakin bir alan yaratmak için her şeyi elden geçirdik ve rahatlamayı artırmak için alanları düzenledik. Tüm proje dokuz ay sürdü” diyor. “İç tasarımın ilham kaynağı inkar edilemez bir şekilde dış mekandı,” diye açıklıyor Melissa. “Duvarları kaldırıp muhteşem bahçeye açılan büyük bir pencere/kapı yerleştirerek mutfağı zenginleştirdik. İçerde, tuvalet odasında bulut benzeri bir duvar kâğıdı bulunuyor. Kahvaltı salonundaki sıcak yeşil tonlu sandalyeler, evi çevreleyen doğal güzelliği yansıtan hoş bir dokunuş katıyor.” AI WEIWEI VE DAMIEN HIRST ESERLERİ Müşterilerin evleri için net bir nötr palet vizyonu vardı. Ancak tasarımcılar kahvaltı salonundaki yeşil sandalyeler gibi renk dokunuşlarını kibarca teşvik etmeyi ihmal etmemişler. Ai Weiwei ve Damien Hirst gibi sanatçıların olağanüstü eserleriyle öne çıkan ve projeye derinlik ve karakter katan sanat eserleri de oldukça canlı. İSKANDİNAV ESİNTİLİ YEMEK ODASI Melissa yemek odasına hareket katmak için kireç badanalı bir duvar tercih etmiş. “İskandinav ahşaplar güzel bir ışıltı verdi ve mükemmel bir sadelik yarattı” diyor. “Her zaman olduğu gibi, görünüm, konfor ve orantıya öncelik vererek çeşitli yemek sandalyeleri denedik. Dünya çapında küçük zanaatkârlar ve üreticilerle iş birliği yapmaya önem veriyoruz. Sonunda Güney Afrika'dan mobilya tedarik eden Sarza'dan mükemmel sandalyeyi bulduk”.

Şubat 2022 | Tasarım | Amerika for english click here Selim Vural’ın NY’daki yenilikçi projesi LILLY Yazı | Onur Baştürk N ew York’ta yaşayan mimar Selim Vural’la geçtiğimiz yıl yuzu vol3 bahar sayısı için Dune House adlı projesini konuşmuştuk. “Earth Sheltering” anlayışıyla yapılan, kendine kendine yetebilen, doğayla uyumlu bir konut projesiydi Dune House. Render’larını görür görmez heyecanlanmıştım. Selim Vural’ın mimarlık ofisi Studio Vural şimdi yeni bir projeyle karşımızda: Lilly. Ve bu proje de aynı şekilde heyecan verici, yenilikçi ve şaşırtıcı. PASİF MİMARİ VE SÜRPRİZ ZAMBAKLI ÇATI Manhattan’daki Bryant Park yakınlarında konuşlanacak Lilly, sıradan bir ‘tower’ değil. Mimar Selim Vural, Lilly projesini “Pasif mimarinin bir sonraki adımı” olarak nitelendiriyor. Peki pasif mimari anlayış nedir? Özetle şu: Pasif mimaride herhangi bir mekanik ve elektrikli sistem kullanılmadan sistem yapı elemanlarıyla oluşturuluyor. İç mekanların kışın sıcak, yazın serin kalmasını sağlamak için güneş ve rüzgar enerjisiyle yapı malzemelerinin doğal özelliklerinden faydalanılıyor. 18 konut ve 23 ticari kattan oluşan hibrit bina Lilly, işte bu özelliklerle donatılmış bir proje. Ama Lilly’nin çok çarpıcı bir başka özelliği daha var: Dış cephesindeki bitki örtüsü! Her bahar açan, yılın geri kalanında yeşil kalan ve az bakım gerektiren Asya zambaklarıyla süslenmiş geniş bir yeşil çatı cephesine sahip Lilly. Bu görüntüsü binaya hem çok estetik bir görüntü kazandırıyor hem de doğal bir yalıtım sağlanmış oluyor. ENERJİ KAYBI MİNİMUM Yeşil çatının altındaki ofisler doğal olarak yan camlarla aydınlatılıyor. Alt konut birimleri ise iyi yalıtılmış bir cepheden bol miktarda doğal ışık ve hava alıyor. Lilly’nin yeşil çatı yalıtımı, üçlü yalıtımlı cam ve ısı değişimli hava girişleriyle desteklenen jeotermal bir sistem sayesinde ısıtılıp soğutuluyor. Bu sistem iç mekana temiz hava sağlıyor ve böylece enerji kaybı benzeri görülmemiş seviyelere iniyor. “TEMİZ BİR GELECEĞİN ÖNÜNÜ AÇMAK İÇİN” “Lilly'yi seviyoruz. O çok güzel, güçlü ve doğanın bir gücü” diyen Vural, temiz bir geleceğin önünü açmada mimarlığın rolünün çok önemli olduğunu da bu projesiyle vurgulamak istiyor. Selim Vural's innovative project in New York LILLY Words | Onur Baştürk W e talked to architect Selim Vural, who lives in New York, about his project called Dune House for the spring issue of yuzu vol3 last year. Dune House was a self-sufficient housing project in harmony with nature, built with the understanding of “Earth Sheltering”. I was excited as soon as I saw renders. Studio Vural, the architectural office of Selim Vural, is now here with a new project: Lilly. And this project is equally exciting, innovative and surprising. Lilly, which will be located near Bryant Park in Manhattan, is no ordinary tower. Architect Selim Vural describes the Lilly project as "the next step in passive architecture". So what is passive architectural understanding? In summary, this is the following: In passive architecture, the system is created with structural elements without using any mechanical and electrical systems. In order to keep the interiors warm in winter and cool in summer, the natural properties of building materials are used with solar and wind energy. Lilly, a hybrid building consisting of 18 residences and 23 commercial floors, is a project equipped with these features. But Lilly has another striking feature: the vegetation on its exterior! Lilly, which blooms every spring, stays green the rest of the year, and features a wide green roof front adorned with low-maintenance Asian lilies. This appearance both gives the building a very aesthetic appearance and provides a natural insulation. “We love Lilly. She is very beautiful, strong and a force of nature”, Vural says, and with this project he wants to emphasize that the role of architecture is very important in paving the way for a clean future. Çapa 4