Mayıs 2022 | Tasarım | Vol VII 'ROCKET MAN’DEN İKONİK ELTON’A Yazı | Alp Tekin A vrupa’nın birçok ülkesinde mağazası bulunan Danimarka çıkışlı mobilya markası Bolia, ilkbahar-yaz koleksiyonunda İskandinav doğasına referanslar içeren hafif bir tasarım evreni sunuyor. Farklı ülkelerin tasarımcıları tarafından yaratılan yeni koleksiyondaki her ürün yine nesiller boyu kullanılacak şekilde yapılmış. Özellikle iç mekan koleksiyonu Bowie, The Visti ve Elton adlı üç yeni koltukla beraber genişletilmiş. Elton, Tonny Glisman ve Karl Rüdiger ikilisinin tasarımı. Şehirli insanların modern ihtiyaçlarını anlamaya çalışan ikili, mobilya tasarımına gerçekçi bir bakış açısı getirmeyi istiyor. Zamansız bir kanepe olarak nitelenen Elton ise el yapımı hafif masif ahşap iskeleti ve iyi düşünülmüş konstrüksiyonu ile zarif bir İskandinav tasarımı. Elton'ın iç kısmı optimum konfor sağlayan özel bir metal çerçeve ve fiberglas takviyeli naylon çıtalarla inşa edilmiş. Yuzu’nun hem Elton hem de tasarıma dair merak ettiği her şeyi Glismand & Rüdiger adına Karl Rüdiger yanıtlıyor. Tamamı için... Print VOL VII - 2022 Out of Stock View Details No product

March 2024 | Design & Interiors english below AWARD to YEŞİM KOZANLI for KAS PROJECT words Alp Tekin photos İbrahim Özbunar İ ç mimar Yeşim Kozanlı liderliğindeki Yeşim Kozanlı Mimarlık, Radisson BLU Hotel Kaş projesiyle Almanya merkezli iF Design Awards’un 2024 edisyonunda “Hospitality Interiors” kategorisinde ödül aldı. Antalya'nın batısındaki Kaş ilçesinde hayata geçirilen Radisson BLU Hotel Kaş projesi, tasarım ilhamını bölgenin topografik yapısından ve kültürel bağlamından alıyor. Kaş’ın doğal yapısıyla bir bütün olmayı amaçlayan otelin tasarımı, “yeniyim ama buralıyım” fikrinden yola çıkıyor. Otelin taş cepheleri, Kaş'ın tarihi evlerinde sıkça rastlanan zanaatkâr işçiliğin bir yansıması. Duvarlar ise nesiller boyu aktarılan bilgiyle hayat bulan geleneksel "köy sıvası" tekniğiyle kaplanmış. Bu sıva, estetik açıdan sadece Kaş'ın özünü yansıtmakla kalmıyor, aynı zamanda doğal bir yalıtım da sağlıyor. Daha az kat ve daha geniş alanlara sahip olan projede toprak renkleri yoğun olarak kullanılmış. Ayrıca yapının mimarisinden iç mimari detaylarına kadar tüm hikâye, “Yeniyim, ama ben buralıyım” fikrinden yola çıkarak oluşturulmuş. Otelin doğal taş zemini ve el yapımı özel seramiklerle kaplı yüzeyleri ise doğadan ilham alan tasarım felsefesinin devamı. Otelin açık alanlarında Kaş'ın bitki örtüsünü yansıtan lokal ağaç ve bitkiler yer alıyor. Güneşli ve gölgeli alanları etkili şekilde ayıran seperatörler, iç ve dış alan ilişkisinin her noktada yaşanmasına imkan sağlıyor. Y eşim Kozanlı Architecture, led by interior designer Yeşim Kozanlı, received an award in the Hospitality Interiors category at the 2024 edition of the German-based iF Design Awards for the Radisson BLU Hotel Kaş project. Located in the Kas district of western Antalya, the Radisson BLU Hotel Kas project draws its design inspiration from the topographical structure and cultural context of the region. The stone facades of the hotel are a reflection of the craftsmanship found in the historic houses of Kaş. The walls are covered with the traditional "village plaster" technique that has been passed down through generations. This plaster not only aesthetically reflects the essence of Kaş, but also provides natural insulation. The project, which has fewer floors and larger areas, makes extensive use of earth colours. In addition, the whole story, from the architecture of the building to the interior details, is based on the idea of "I am new, but I am from here". The hotel's natural stone flooring and surfaces covered in handmade specialty ceramics continue the nature-inspired design philosophy. The hotel's open spaces feature local trees and plants that reflect the flora of Kaş. Partitions that effectively separate sunny and shaded areas allow the indoor-outdoor relationship to be experienced at every point.

December 2021 | Community NEW SWAHA - NEW YEAR DINNER Partner: Raffles Istanbul - Isokyo Our New Year’s dinner, featuring personalized mantras for each guest placed on the tables, was held at Isokyo within Raffles Istanbul Hotel. Bringing together an exclusive group, our New Swaha dinner became one of the city’s most talked-about events. Her davetliye özel hazırlanmış mantraların masalarda yer aldığı yeni yıl yemeğimiz, Raffles İstanbul Oteli içindeki Isokyo’da yapıldı. Seçkin bir topluluğu bir araya getiren New Swaha yemeğimiz şehrin en çok konuşulan organizasyonlarından biri oldu.

April 2025 | DESIGN & INTERIORS UNFORM STUDIO’s SCULPTURAL FUTURE words Alp Tekin photos Felix Speller Unform Studio will debut two bold new collections—Orbit and Axis—at SaloneSatellite 2025, marking its first foray into lighting alongside a continued exploration of sculptural furniture. Founded by design entrepreneur Ryan Twardzik in 2022, the Pennsylvania-based studio transforms everyday objects into sources of joy and inspiration. Rooted in Schuylkill County at the heart of the Anthracite Coal Region, Unform Studio champions a vibrant blend of local manufacturing, heritage, and innovative design. In its latest exhibition, A Different Kind of Future, the studio reimagines a tomorrow once envisioned by the unfulfilled optimism of the Space Age. Set in a striking baby blue exhibition space at SaloneSatellite 2025, the show brings together two new collections where high-gloss stainless steel meets the warmth of wood, upholstery, and masterful craftsmanship, delivering a design philosophy that is both bold and inviting. THE ORBIT COLLECTION Featuring the un14 Orbit Chair and un15 Orbit Table, the Orbit Collection celebrates dynamic contrasts and inviting comfort. The un14 Orbit Chair, wrapped in soft blue wool and supported by a sleek stainless steel frame, makes a powerful statement—merging a sharp, modern structure with a welcoming lounge experience. THE AXIS COLLECTION Marking Unform Studio’s exciting debut into lighting, the Axis Collection offers a complete range of fixtures—from pendant to floor to wall. In collaboration with London-based lighting designer George Goodwill, this collection reinterprets the crisp qualities of stainless steel into playful, sculptural forms, infusing modern lighting with energy and character.

Mayıs 2020 | Tasarım | Çin Uzay gemisi değil, bir kütüphane Yazı | Alp Tekin G ünümüzde bir kütüphane bile artık sadece kütüphane değil! O havalı deyişle, en başta bir “çekim merkezi” olmalı. Mutlaka ama mutlaka şaşırtıcı bir tasarımla ön plana çıkmalı. Ayrıca büyük olmalı. Ve son olarak tabii ki instagramda herkes tarafından paylaşılmalı. Hollandalı tasarım şirketi MVRDV’ye bağlı çalışan mimar Winy Maas’ın Çin’in Tianjin kentinde inşa ettiği, 1.2 milyon adet kitaba ev sahipliği yapan Tianjin Binhai Kütüphanesi, nam-ı diğer “The Eye” tam da böyle bir yer! MVRDV’nin bugüne kadar gerçekleştirdiği en hızlı proje olan kütüphanenin yapımı sadece üç yılda tamamlanmış. Aydınlık bir küresel oditoryuma, tavandan tabana basamaklı kitaplıklara sahip 33 bin 700 metrekarelik bu devasa kültür merkezi, bir süredir “Mutlaka görülmesi gerekenler” listelerinin en baş sıralarında. İyi de, en üst raflardaki kitaplara nasıl ulaşıyorlar diyebilirsiniz. Onun için de çözüm bulmuşlar: Atriyumun arkasına yerleştirilen odalardan üst raflara erişiliyor. Bu fütüristik, uzay gemisini andıran kütüphane katedrale benzeyen tonozlu kemerlerle kaplı. Beş katlı binanın zemin katı ziyaretçiler, çocuklar ve yaşlılar için okuma alanlarına ayrılmış. Birinci ve ikinci katlar okuma odaları, kitaplar ve salonlardan oluşuyor. Üst katlarda ise toplantı odaları, ofisler, bilgisayar ve ses odaları bulunuyor. Kütüphanenin tasarımcısı Maas şöyle diyor: “Her köşeden kitapların görüneceği ve aynı zamanda insanların ortama karışabileceği bir alan yaratmamı istediler. Bunun üzerine oditoryumu 7/24 çalışan bir motor gibi mekanın tam merkezine yerleştirdim. Onun etrafını da kolektif alanla çevreledim. Ziyaretçilerin yukarıdan aşağıya doğru kolayca yürüyebilmeleri de önemliydi. Peki tüm bunlar işlevsel mi? Bence evet. Çünkü her katmandaki belirli kitapları bulabilmeniz için ardışık bir sistem var. Ayrıca her katmana bir isim verildi. Kitaplar ona göre sıraya yerleştiriliyor”. Unutmadan: Tianjin Binhai’nin dışardan çekilmiş fotoğrafı size nereyi anımsatıyor? Yeniden yapımına başlanan ve yakında açılacak AKM’yi değil mi? Yeni AKM’nin tam ortasında da bir küre var. Herhalde tesadüf tabii… STİL | Kategorinin diğer yazıları Bir Edition üçlüsü: Sanat, parti ve iyi yemek Bodrum’a sürpriz: Dioriviera pop-up Emre Buga’nın stil atlası İçinden Aman stili geçen bir rüya Janus mu alırdınız Glassafe mi? Köprü + Heykel + Galeri: The Twist İstanbullu Tilda Swinton’ın ‘athleisure’ tarzı Fütüristik otel ‘Svart’ın açılmasına az kala Murat Süter’in ‘lacivert’ sırrı ‘Parazit’in evi aslında gerçek değildi Evi değiştir: Blush mı Green Benjamin mi? Edwina Sponza’nın stil kodları Korona Sonrası Şehir Tabelaları ‘Beslenme farkındalığınız’ ne durumda? Bodrumlu Uzakdoğulu: Leleg Living Bu yazın başrolünde: Soho Roc House Korona günlerinde yaratıcı bir ‘karton’ masa!

January 2023 | Travel | Vol VII english below MASSERIA MOROSETA yazı Onur Baştürk fotoğraflar Salva Lopez O penhouse dergisinin kurucularından Andrew Trotter’nin tasarladığı ilk mimari yapı olan Masseria Moroseta, Puglia kırsalının tam kalbinde, İtalyanlar’ın “Citta Bianca (Beyaz Şehir)” diye tanımladıkları büyüleyici Ostuni’ye sadece üç kilometre uzaklıkta. Masseria Moroseta, bölgede sıkça bulunan ve “masserie” olarak bilinen eski çiftlik evlerinden ilhamla yapılmış modern bir butik otel. Çoğunun yaşı 500’e kadar dayanmış zeytin ağaçlarının olduğu beş hektarlık bir arazinin içinde yer alan otelin yapımında geleneksel teknikler ve yerel malzeme kullanılmış. Sadelik ve basitlik ise tasarımın iki anahtar kelimesi olmuş. AVLUDAKİ UZUN MASALARDA AKŞAM YEMEĞİ Geleneksel çiftlik evlerinde olduğu gibi Masseria Moroseta’da her şey ortadaki avlunun etrafında şekilleniyor. Avluyu bölen ortadaki merdiven ortak alan ve odalara geçişi sağlıyor. Geniş avlu içinde gerçekleşen ve tüm misafirlerin toplu halde uzun masalara oturduğu akşam yemekleri ise Masseria Moroseta’nın olmaz olmazı. Şef Giorgia Eugenia Goggi bu akşam yemekleri için çiftlikte yetişen mevsimsel ürünleri her sabah dikkatli bir şekilde seçiyor ve ortaya her gün değişen geçici bir menü çıkıyor. Yemeklere eşilik eden zeytinyağı da otelin kendi zeytinliğinin üretimi. Şef Goggi, “Soğuk sıkım zeytinyağımız tartışmasız mutfağımızın kahramanı” diyor. EKOLOJİK TASARIM Masseria Moroseta’nın tasarım detayları da özenle düşünülmüş. Sadece görünüm olarak değil, ekolojik olarak da. Mesela tonozlu tavan, taş zemin ve geri dönüştürülmüş yalıtıma sahip 80 cm’lik duvarlar sayesinde otel kışın çok az ısıtmaya ihtiyaç duyuyor. Yazın da klima kullanımı neredeyse minimumda. Çünkü en sıcak günlerde bile içerisi serin oluyor. Ayrıca çapraz havalandırma pencereleri ile tüm alanların ekstra havalandırılmasına gerek kalmıyor. Güneş panelleri tüm otele yeterli elektrik ve ısıyı sağlıyor. Otelin organik çiftliğinde ise hem kendi su kaynakları var hem de yemeklerde kullanılan tüm malzemeler orada yetiştiriliyor. YAKIN MESAFEDEKİ NEFİS KASABALAR Otelden dışarı çıkınca keşfedilecek çok fazla şey var. Mesela arabayla 12 km uzaklıktaki Torre Guaceto. Yapılaşmadan uzak, korunmuş doğal plajlarıyla nefis bir denize sahip olan Torre Guaceto’yu bisiklet kiralayarak gezmek de mümkün. Otele kısa sürüş mesafesinde olan diğer kasabalar da birbirinden nefis: Cisternino, Alberobello, Martina Franca, Lecce ve tıpkı Ostuni gibi göz alıcı bir beyazlığa ve yerleşime sahip Polignano al Mare. MASSERIA MOROSETA writer Onur Baştürk photo Salva Lopez D esigned by Andrew Trotter, co-founder of Openhouse magazine, Masseria Moroseta is right in the heart of the Puglia countryside, just three kilometers from the charming Ostuni, which Italians call "Citta Bianca (White City)". Masseria Moroseta is a modern boutique hotel inspired by the old farmhouses commonly found in the area, known as the “masserie”. Traditional techniques and local materials were used in the construction of the hotel, which is located on a five-hectare land with olive trees, most of which are up to 500 years old. Simplicity and simplicity were the two keywords of the design. DINNER AT LONG TABLES IN THE COURT As in traditional farmhouses, everything in Masseria Moroseta is shaped around the central courtyard. The middle staircase dividing the courtyard provides access to the common areas and rooms. Dinners, which take place in the large courtyard and where all the guests sit at long tables, are a must at Masseria Moroseta. Chef Giorgia Eugenia Goggi carefully selects seasonal farm-grown produce for these dinners each morning, resulting in a temporary menu that changes daily. The olive oil that accompanies the meals is also the production of the hotel's own olive grove. “Our cold-pressed olive oil is the undisputed hero of our cuisine,” says Chef Goggi. ECOLOGICAL DESIGN The design details of Masseria Moroseta have also been carefully considered. Not only visually, but also ecologically. For example, the hotel needs very little heating in winter, thanks to the vaulted ceiling, stone floor and 80cm walls with recycled insulation. In summer, the use of air conditioners is almost at a minimum. It stays cool even on the hottest days. In addition, there is no need for extra ventilation of all areas with cross ventilation windows. EXCELLENT TOWNS NEARBY There is so much to discover once you step out of the hotel. For example, Torre Guaceto, which is 12 km away by car. It is also possible to visit Torre Guaceto, which has a beautiful sea with its protected natural beaches, away from construction, by renting a bicycle. Other towns within a short drive from the hotel are also delightful: Cisternino, Alberobello, Martina Franca, Lecce and Polignano al Mare, which has a striking whiteness and settlement just like Ostuni.

Mart 2022 | Tasarım | Türkiye Konsept mağazanın tuğlalı stili Yazı | Alp Tekin Fotoğraflar | Furkan Uyan G alata’daki Serdar-ı Ekrem Caddesi’nde konumlanan konsept mağaza Designers Vault’un ana konsepti, bulunduğu tarihi dokuya atıfta bulunan zeki bir tasarım çözümü içeriyor. Tuğlanın ham dokusunun modern bir bakış açısıyla yorumlandığı konsept mağazanın tasarımı Renda Helin Design & Interiors’a ait. Gelelim detaylara… Mekanda kullanılan pres tuğlanın delikli olması özellikle tercih edilmiş. Havalandırma, ışık geçirgenliği ve görselliği mümkün olduğunca kesmemek için… Mekana üç ton hakim. Siyah, beyaz ve tuğla rengi olan terracota. Bu arada Işıklar Tuğla’nın pres tuğlası toz haline getirilip Jotun tarafından özel bir renk formülü hazırlanarak uygulanmış. Girişteki ilk bölümde binaya ait ham tuğla ve beton perdeler beyazla boyanarak bodrum katındaki mekan büyütülmüş. Toplantı bölümü ve sonrasında ise düz perde betonlar kullanılmış. Projenin Işıklar Tuğla Ödülleri 2021 kapsamında eşdeğer ödüle layık görüldüğünü de anımsatalım.

March 10, 2026 | DESIGN & INTERIORS the BEST of STOCKHOLM DESIGN DAYS words Maria Chiara Antonini New collections, new openings, new names: all the highlights that captured our attention in a Stockholm made even more enchanting by the snow. A WEEK OF INDEPENDENT DESIGN To understand the direction in which Nordic design is evolving and to discover the latest developments in interiors, Stockholm has long been the quintessential destination for design enthusiasts each February. This year, despite the cancellation of the official Stockholm Furniture Fair, numerous companies and studios independently organised a full week of presentations and events. The city buzzed with a shared commitment to celebrating Nordic creativity, fostering collaboration and innovation while strengthening synergies across the sector. Here are some of the discoveries that emerged from this remarkable week. RÖRSTRAND Rörstrand, Sweden’s oldest porcelain manufacturer and the second oldest in Europe, marks its 300th anniversary with two notable launches. The first is the archival relaunch of the iconic Blå Eld collection, designed by Hertha Bengtson, while the Swedish Grace glassware line is introduced in an elegant new blue shade. CLARION HOTEL SIGN Clarion Hotel Sign, designed by Gert Wingårdh and Stockholm’s largest hotel, has introduced three new signature suites in collaboration with the Bernadotte & Kylberg studio. Located on the hotel’s top floor, the Stratum Suites were created “to feel functional, harmonious and respectful of the outstanding view,” according to Oscar Kylberg, CEO of Bernadotte & Kylberg. The accompanying Stratum Collection furniture series—including a sofa, armchair, coffee table, desk and chair—is produced in Sweden, emphasising material quality, precision craftsmanship and long-term sustainability. WHERE FINNISH AND SWEDISH DESIGN MEET An atmospheric setting framed the exclusive Nordic design showcase Where Finnish and Swedish Design Meet. Held in a historic palace housing the Finnish Residence in Stockholm, the exhibition featured a curated selection of Nordic design by Ilkka Suppanen, emphasising cross-border collaboration between Finland and Sweden. Highlighted brands included Nola, known for inclusive public-space furniture, and Ihreborn, recognised for its sustainable production practices. NK INTERIOR — STAY CURIOUS Another remarkable exhibition was organised by NK Interior, featuring works by some of today’s most innovative designers. Titled Stay Curious, the showcase emphasised experimentation and artisanal skill. Highlights included the glassworks of Lisa Hilland, blown-glass lamps by SEKT, and the installation Forest by Mimmi Blomqvist. LAMMHULTS DESIGN GROUP The newly opened Lammhults Design Group showroom brings together the brands Lammhults, Abstracta, Fora Form and Ragnars under the concept Scandinavian Design. Multiplied. Led by CEO Susanna Hilleskog, the group presents its portfolio in inspiring environments, highlighting each brand’s identity while positioning design as a holistic solution. FERM LIVING Ferm Living unveiled its new collection, Imperfectly, Perfect, at the Nordic Nest Stockholm exhibition. The collection responds to evolving homes and daily routines, featuring the sculptural Orbo lounge chair, Kiru glassware crafted using the Japanese Kurinuki technique and the Aukko coffee table. It reflects Ferm Living’s focus on tactile materials, refined craftsmanship and functional versatility. LOUIS POULSEN At the Nordic Nest exhibition, Louis Poulsen celebrated the centenary of Verner Panton by reissuing the iconic Panthella lamp in its five original 1970s colours. “A deliberate choice,” explains Bank Bergström, CEO of the Nordic Nest Group, “intended to reconcile two complementary tendencies among our customers: the desire to acquire timeless design classics imbued with strong emotional value, and the wish to experiment with new colours. For us, it is an ongoing challenge to strike the right balance between heritage and innovation.” MIZETTO Two further events particularly captured our attention. The inauguration of the new showroom of Mizetto reflects a clear and forward-looking vision. As founders Malin Muskala and Richard Muskala explained, the intention is “to explore how furniture can function as systems, how flexibility can be architectural, and how design can create structure without limiting possibility.” STOCKHOLM CREATIVE EDITION Last but not least, Stockholm Creative Edition brought together designers and brands through an experimental exhibition format. The new edition offered a dynamic platform enriched by several promising names to watch, including Jenny Kästel of DRY STUDIOS, Myrsini Alexandridi, Mattsson Marnell and Studio Navet. We are confident that we will be hearing much more from them in the near future.

November 2024 | Art & Culture TURKISH BELOW TIME to GET to KNOW LISBON ART WEEKEND words Onur Baştürk Lisbon is one of those cities you’ll want to visit again and again. Each trip reveals a different side, a new neighborhood to explore. This is the essence of Lisbon Art Weekend (LAW), held from November 7-10: an invitation for everyone to discover a new, contemporary art-focused Lisbon. Now in its 6th edition, LAW brings together over 200 artists across more than 40 venues for a four-day experience of contemporary art. One of LAW’s key missions is to energize Lisbon’s artistic ecosystem. With major museums and cultural institutions joining the event for the first time, this year’s edition promises to be the largest and most inclusive LAW to date. Let’s hear all the details from LAW’s founders, Merve Pakyürek and Marc Kean Paker, with Yuzu Magazine proudly supporting as a media partner. INCLUSIVITY AND ACCESSIBILITY How did the idea of creating an organization like LAW come about? The concept for Lisbon Art Weekend (LAW) was born out of a desire to make contemporary art in Lisbon more accessible and engaging on a broader scale. We saw that while the city had a vibrant and diverse art scene, it lacked an open event format to connect everything. Inspired by the "Gallery/Art Weekend" model from various European cities, our vision was to create a decentralized event that invites people to explore Lisbon’s art spaces, neighborhoods, and venues, allowing them to experience contemporary art in the context of the city itself. What are LAW’s characteristics and criteria? Inclusivity and accessibility are at the heart of LAW. We’re open to a wide range of art spaces, from commercial galleries to nonprofit institutions, artist-run initiatives, and museums. Our goal is to reflect the diversity and richness of contemporary art, and our selection committee, composed of art professionals, assesses each applicant to ensure a vibrant mix of perspectives and experiences. This openness is what gives LAW its unique and dynamic character, enriching the dialogue around contemporary art in Lisbon. LAW IS INTENTIONALLY DIFFERENT FROM LARGE COMMERCIAL FAIRS What sets LAW apart from major commercial art fairs like Frieze or Art Basel? LAW is intentionally different from large commercial fairs. Unlike Frieze or Art Basel, which are often commercially driven and held in centralized venues, LAW is designed to be decentralized, nonprofit, and free to attend. It encourages people to explore Lisbon’s neighborhoods and experience art in an authentic environment, rather than in a confined fair setting. We want LAW to be an open invitation for everyone to experience contemporary art without the high costs or pressures that sometimes come with major fairs. This creates a more welcoming, intimate atmosphere that fosters genuine engagement with both the art and the city itself. Did you specifically want LAW to be held in galleries or art-oriented spaces around the city, rather than in a single area like other fairs? Could this change in the coming years? Yes, this format was a deliberate choice. Lisbon’s unique neighborhoods and diverse spaces add to the experience. By scattering venues throughout the city, we encourage people to explore different parts of Lisbon and discover places they might not have visited otherwise. While there’s always room for change, we believe that the decentralized structure is fundamental to LAW’s identity. Can you highlight some standout features of this year’s LAW? The 2024 edition of LAW is our largest yet, featuring over 70 events across more than 40 venues, including participation from some of Lisbon’s major cultural institutions. For the first time, places like CAM - Centro de Arte Moderna Gulbenkian and MAAT are joining us, offering exclusive programming. Importantly, every event remains free of charge, underscoring our commitment to making contemporary art accessible to all. How long have you been living in Lisbon? How does the contemporary art scene here compare to that of other European cities? We’ve been part of Lisbon’s art scene since 2016, so we’ve had the opportunity to watch it grow and evolve. Lisbon’s contemporary art scene has a distinct character compared to other European cities; it’s approachable, unpretentious, and filled with creative energy, fostering a more intimate and genuine exchange between artists, galleries, and collectors. This atmosphere has greatly supported LAW’s growth, as Lisbon’s art community is open and collaborative. We believe this unique environment is what makes Lisbon such an inspiring place for LAW and for contemporary art in general. LISBON ART WEEKEND’i YAKINDAN TANIYIN Bir kez gittikten sonra defalarca gitmek isteyeceğiniz şehirlerden biri Lizbon. Çünkü her seferinde farklı bir yanını, mahallesini keşfetmek mümkün. 7-10 kasım tarihleri arasında düzenlenecek Lisbon Art Weekend’in (LAW)çıkış noktası da bu: Herkesi çağdaş sanat odaklı bir başka Lizbon’u keşfetmeye davet ediyor… Bu yıl 6’ıncı edisyonu yapılacak LAW, 40'tan fazla mekanda 200'den fazla sanatçıyı dört günlük bir çağdaş sanat deneyimi için bir araya getiriyor. Misyonlarından biri de Lizbon’un sanatsal ekosistemini canlandırmak… Bu yıl önemli müze ve kültür kurumlarının da ilk kez etkinliğe katılmasıyla Lizbon bugüne dek yapılan en kapsayıcı ve büyük LAW edisyonuna sahne olacak. Yuzu Magazine’in de medya partneri olarak destek verdiği LAW’la ilgili tüm detayları etkinliğin kurucuları Merve Pakyürek ve Marc Kean Paker’den dinleyelim… KAPSAYICILIK VE ERİŞİLEBİLİRLİK LAW gibi bir organizasyon oluşturma fikri nasıl ortaya çıktı? Lisbon Art Weekend (LAW) konsepti Lizbon'daki çağdaş sanatı daha geniş bir ölçekte erişilebilir ve ilgi çekici hale getirme arzumuzdan doğdu. Kentin canlı ve çeşitlilik içeren bir sanat ortamına sahip olduğunu, ancak tüm bunları birbirine bağlayabilecek açık bir etkinlik formatından yoksun olduğunu gördük. Avrupa'daki şehirlerin Gallery/Art Weekend konseptinden esinlenerek, insanları Lizbon'un sanat alanlarını, mahallelerini ve mekanlarını keşfetmeye ve çağdaş sanatı şehrin kendi bağlamında deneyimlemeye davet eden, merkezi olmayan bir etkinlik yaratmak istedik. LAW'ın özellikleri ve kriterleri neler? LAW'ın merkezinde kapsayıcılık ve erişilebilirlik yer alıyor. Ticari galerilerden kâr amacı gütmeyen sanat kurumlarına, sanatçı inisiyatiflerinden müzelere kadar geniş bir yelpazedeki sanat alanlarına açığız. Çağdaş sanatın çeşitliliğini ve zenginliğini yansıtmak istiyoruz. Sanat profesyonellerinden oluşan seçici kurulumuz her başvuruyu değerlendiriyor. Bu yaklaşım zengin bir perspektif ve deneyim çeşitliliği sağlayarak Lizbon'daki çağdaş sanat söylemi içindeki diyaloğu geliştiriyor. Bu açıklık LAW’a perspektif kazandıran en önemli unsur. LAW, BÜYÜK TİCARİ FUARLARDAN BİLİNÇLİ OLARAK FARKLI LAW'ı Frieze ya da Art Basel gibi büyük ticari sanat fuarlarından ayıran nedir? LAW, büyük ticari fuarlardan kasıtlı olarak farklı. Daha ticari odaklı olan ve genellikle merkezi mekanlarda düzenlenen Frieze ve Art Basel’ın aksine LAW, merkezi olmayan, kâr amacı gütmeyen ve katılımı ücretsiz olacak şekilde tasarlandı. İnsanları Lizbon'un mahallelerini keşfetmeye ve sanatı kapalı bir fuar ortamından ziyade organik ortamında deneyimlemeye teşvik ediyor. LAW'ın, büyük sanat fuarlarının getirdiği yüksek maliyetler veya baskılar olmadan herkesin çağdaş sanatı deneyimlemesi için bir davet olmasını istiyoruz. Bu yaklaşım, sanatla ve şehrin kendisiyle gerçek bir etkileşimi vurgulayan daha sıcak ve samimi bir ortam yaratıyor. LAW'ın tek bir alanda değil de, şehrin dört bir yanındaki galeriler ve sanat odaklı alanlarda yapılmasını özellikle mi istediniz? Önümüzdeki yıllarda bu durum değişebilir mi? Bu formatı bilinçli seçtik. Lizbon'un şehir manzarası, kendine özgü mahalleleri ve mekanları bu deneyime katkıda bulunuyor. Mekanların şehrin dört bir yanına dağılmış olması, insanları Lizbon'un farklı bölgelerine gitmeye ve başka türlü ziyaret edemeyecekleri alanları keşfetmeye teşvik ediyor. Bu merkezi olmayan yapının LAW'ın kimliğinin odağında yer aldığını düşünüyoruz. Bu yılki LAW'ın öne çıkan özellikleri neler? LAW'ın 2024 edisyonu Lizbon'daki önemli kültür kurumlarının katılımıyla 40'tan fazla mekanda 70'in üzerinde etkinliğin yer aldığı şimdiye kadarki en büyük edisyonumuz. İlk kez CAM - Centro de Arte Moderna Gulbenkian ve MAAT gibi mekanlar özel programlar sunarak katılıyor. Ayrıca, çağdaş sanatı herkes için erişilebilir kılma sözümüzü bir kez daha teyit ederek her etkinlik ücretsiz olarak gerçekleştirilecek. Ne kadar zamandır Lizbon'da yaşıyorsunuz? Lizbon'daki çağdaş sanat ortamı diğer Avrupa şehirlerine kıyasla nasıl? 2016'dan bu yana Lizbon'un sanat ortamına dahiliz. Dolayısıyla bu ortamın büyüdüğünü ve geliştiğini görme şansımız oldu. Lizbon'un çağdaş sanat ortamı diğer Avrupa şehirlerine kıyasla farklı bir havaya sahip; ulaşılabilir, gösterişsiz ve yaratıcı enerjiyle dolu. Bu da sanatçılar, galeriler ve koleksiyonerler arasında daha samimi ve otantik bir alışverişe olanak sağlıyor. Lizbon'un sanat topluluğu açık ve iş birlikçi olduğu için bu ortam LAW'ın gelişimini gerçekten destekledi. Lizbon'u LAW ve genel olarak çağdaş sanat için böylesine ilham verici bir yer haline getiren şeyin bu kendine özgü atmosfer olduğuna inanıyoruz.

January 25, 2026 | PEOPLE NADER GAMMAS in PURSUIT of LIGHT words Onur Basturk photos Courtesy of Nader Gammas (Portrait / Ben Cope) Trained as an architect, Nader Gammas treats light as an architectural material—one that defines structure, space, and atmosphere.Born in the United States and shaped by his Syrian roots, his practice is informed by an architectural education and a deep sensitivity to how light conditions experience. Since his debut at Art Dubai in 2017, Gammas has developed a restrained yet expressive language in which light operates not as an addition, but as a primary architectural act—shaping space through presence rather than ornament. FROM ARCHITECTURE TO ILLUMINATION Your work often sits between sculpture and function, with light taking on an architectural role. When did lighting become your primary medium? While working on a private residence, I realized that a single lighting element could both solve the functional need for illumination and act as a sculptural presence within the space. That moment clarified how light could carry both purpose and expression at once. You’ve described your process as reducing architecture to structure and light. How does this idea continue to shape the way you design today? Architecture demands discipline, and lighting follows a similar logic. Recently, I’ve been pushing further into organic inspirations, but always within an architectural framework. Structure remains essential—it’s what allows experimentation to stay grounded. MATERIAL, CRAFT, AND TOTEM Totem (2025), commissioned by Bottega Veneta for NOMAD Abu Dhabi, translates the Intrecciato language into light. How did you approach reinterpreting a fashion house’s craft heritage through material and form? Totem distills the essence of Bottega Veneta’s Intrecciato weave into a sculptural, architectural form. By deconstructing the weave and rebuilding it vertically, the piece reinterprets the house’s language while remaining rooted in its identity. Each hand-cut ceramic block amplifies the Foulard and Bombé variations of the weave. Matte and glossy finishes echo the shifting textures of leather, subtly disorienting the viewer. Structured around a steel spine, the work sits between sculpture and function, revealing layers of craft, material, and light. Ceramics play a central role in Totem. What draws you to this material, and how do you work with its tactile, imperfect nature at an architectural scale? I’m deeply fascinated by ceramics at the moment. It’s a material that invites experimentation and allows me to push toward what comes next. I began this exploration with Vessels. With Totem, the aim was to offer immediate visual clarity, while leaving deeper layers of meaning to unfold over time—an encounter shaped equally by instinct and intention. TIMELESSNESS IS A BELIEF THAT UNDERPINS MY WORK Your pieces often feel both ancient and contemporary at once. Is this sense of timelessness something you consciously pursue, or does it emerge naturally through making? Timelessness is a belief that underpins my work. I try to place myself in the mindset of those who came before us, whose design thinking wasn’t driven by micro-trends but by a broader understanding of life and continuity. Atmosphere is a defining quality of your work. When beginning a new piece, do you start with a specific mood in mind, or does it develop through experimentation? There is always a mood in mind from the start. It’s a conscious decision, because it ultimately defines the piece. My work has often leaned toward darker, heavier atmospheres, but recently I’ve been moving toward something brighter and lighter. DUBAI’S REGIONAL HISTORY IS RELATIVELY SPARSE You’re currently collaborating with designers such as Kelly Wearstler and Stephen Sills. What makes a collaboration meaningful for you, and how do these exchanges influence your practice? I value collaborations, particularly with experienced designers. They often introduce ideas I hadn’t previously considered, opening new ways of thinking. I now see my work as a series of seeds—starting points that others can take further. Having lived and worked across different geographies, you’re now based in Dubai. How does place—past and present—continue to inform your design language? Dubai’s regional history is relatively sparse, and that absence is liberating. The lack of a dominant architectural precedent allows for a more open dialogue and a greater freedom to explore new possibilities.

December 2022 | Design & Interiors below english 600 adet üretilen anatomik şezlong M obilya tasarımı ve üretiminde uzman Object Embassy tarafından başlatılan ve sanat ile tasarımın sınırlarındaki ürünlerle adından söz ettiren Amsterdam merkezli inCC: markası, BYBORRE ve dünyaca ünlü grafik sanatçısı Nynke Tynagel ile ortaklık kurdu ve piyasaya sürdükleri “Anatomik Şezlong” ile tasarım dünyasında çıtayı oldukça yükseltti. Bu yılki Salone del Mobile'de tanıtılan, sınırlı sayıda üretilecek bu parça aslında geleneksel bir şezlongun yeniden tasarlanıp yorumlanmış hali. Bu muhteşem tasarım, işçilik ve inovasyon söz konusu olduğunda, sanat ve mobilya arasındaki boşluğu kapatmayı amaçlıyor. Bu ortaklıkta BYBORRE, tedarikçi ekosistemlerini ve örgü teknolojisine ilişkin benzersiz bilgi birikimini ortaya koymuş. Nynke ve inCC: ise tasarımın gerçeğe dönüşmesine yardımcı olmak için gerekli araçlara erişimi sağlamış. Mühendislik bilgisiyle BYBORRE, boya fırçasıyla Nynke ve işçiliğiyle inCC: bu şezlongları titizlikle işleyerek, sadece yaratıcılığın sınırlarını zorlamakla kalmayıp aynı zamanda tavizsiz bir şekilde işlevsel ve çevreye karşı sorumlu olan benzersiz bir parça oluşturmuş. Şezlongların her biri numaralandırılmış ve tekrar etmekte fayda var: Sadece 600 adet üretilecekler! 600 pieces of anatomic chair I nitiated by furniture experts Object Embassy and operating on the verge of art and design, Amsterdam-based label inCC: partnered with BYBORRE and world-renowned graphic artist Nynke Tynagel to heighten their ceiling of design with the release of the ‘Anatomic Chair’ -a limited edition piece that debuted at this year’s Salone del Mobile. Reimagining the archetypical traditional beach chair, this exclusive release is limited to 600 pieces worldwide and looks to bridge the gap between art and furniture in a spectacular display of design, craftsmanship and innovation. By opening up their ecosystem of suppliers and unparalleled knowledge of knit technology, BYBORRE gives access to the tools necessary to help Nynke and inCC:’s vision become a reality. With BYBORRE engineering the canvas, Nynke working the paintbrush and inCC: meticulously crafting the chairs, all three parties joined forces to create a unique piece that not only pushes the boundaries of creativity but is uncompromisingly functional and responsible too. A unique take on a century-old design, Nynke and inCC: provide a lens to look into the future of art and furniture, and how the two worlds can coincide together in harmony. Each of the sun loungers is numbered and it is worth repeating that only 600 will be produced.

Mart 2022 | Tasarım | Türkiye for english click here Eski taş ocağı artık sürdürülebilir yeni bir mahalle Yazı | Oktay Tutuş Y eni ve etkileyici mimari projelerin dikkat çekmesi, tasarımlarıyla neleri pratik bir şekilde çözdükleriyle doğru orantılı. Amaç her zaman ulvi olmak zorunda değil, ancak projelerin kesinlikle sürdürülebilir ve kaynak kullanımı konusunda cimri olması çok önemli. Çağımızın gidişatı o yönde ve biz de ister istemez bu modeldeki projeleri sunmayı tercih ediyoruz. Göteborg’un biraz dışında kalan eski bir taş ocağı madeni işletmesinin de kaderi, bahsettiğime benzer şekilde değişmek üzere. Oyulmuş, kullanılmış ve delik deşik edilmiş bir topoğrafyadan, sürdürülebilir bir mahalle olan Wendelstrand’a doğru evriliyor. Next Step Group tarafından geliştirilen, Snøhetta ile White Arkitekter tarafından Tham & Videgård, Andreas Martin-Löf Architects ve Liljewall ile birlikte tasarlanan bu konut projesinde çeşitli tipolojilerde 1000 ev ve çeşitli ortak alanlar planlanmış. Projenin ilk aşaması, Snøhetta tarafından tasarlanmış, manzarayla bütünleşen ortak bir bina olan Göl Evi ile başlıyor. Snøhetta tarafından tasarlanan bu Göl Evi’ne restoran, kafe, mağazalar, etkinlik alanları, ofisler ve spor salonu da içeren ve yeni mahallenin ortak yaşamının zeminini oluşturacak ortak alanlar eşlik edecek. Etkileyici olduğu kadar da mütevazı tasarımı tam olarak sitenin topoğrafyasını takip ediyor. Kuzeyden güneye doğru yükselerek yeşil alanı ve parkı çatı peyzajı boyunca devam ettiriyor. Projede tahmin edebileceğiniz üzere mümkün olduğunca az çevresel etki amaçlandığı için düşük karbon emisyonlu yerel malzemelere öncelik verilmiş. Bu nedenle ahşap ve taş, projenin baskın materyalleri. NEYSE Kİ… Bu tip yükselerek devam eden çatı tasarımları hem binanın etkileşimini hem de kullanım alanlarını genişletiyor. Bjarke Ingels’in BIG Architecture çatısı altında daha önce bu tip çatı tasarımlarının bambaşka kullanım amaçlarını ve çok çeşitli tezahürlerini görmüştük. Kuzeyliler başlarının üzerinde klasik bir çatı yerine, yaşayan bir alan olmasını tercih ediyor diye genelleyebilir miyiz? Projenin tamamlanması ve eski taş ocağının rehabilite edilerek bir mahalleye dönüşmesi 2024’e dek devam edecek diye öngörülüyor. Neyse ki dünyada başka örneklerle taş ocağı rehabilitasyonu yapılıyor da, sadece bizim İstanbul’a yakın taş ocaklarını havalimanı yapmamız konuşulmuyor artık! The old quarry is now a sustainable new neighborhood Words | Oktay Tutuş T he fate of an old quarry mining operation just outside of Gothenburg is about to change. It evolves from a carved, used and riddled topography to the sustainable neighborhood of Wendelstrand. Developed by Next Step Group and designed by Snøhetta and White Arkitekter in collaboration with Tham & Videgård, Andreas Martin-Löf Architects and Liljewall, 1000 houses of various typologies and various common areas are planned in this residential project. The first phase of the project begins with the Lake House, a collaborative building designed by Snøhetta that integrates with the landscape. This Lake House, designed by Snøhetta, will be accompanied by common areas, including a restaurant, cafe, shops, event spaces, offices and gym, which will form the basis of the communal life of the new neighborhood. Its impressive yet modest design follows the topography of the site exactly. It rises from north to south, continuing the green space and park along the roof landscape. As you can imagine, local materials with low carbon emissions were given priority, as the project aimed to have as little environmental impact as possible. Therefore, wood and stone are the dominant materials of the project. This type of ascending roof designs expands both the interaction of the building and its usage areas. In some of Bjarke Ingels’s projects, we have seen different uses of this type of roof design before. Can we generalize that northerners prefer a living space over their heads rather than a traditional roof? Çapa 4

September 2024 | Art & Culture TURKISH BELOW ART BASEL PARIS Highlights words Onur Baştürk The third Paris edition of Art Basel, the world's leading art fair, kicks off with VIP Preview Days on October 16 and 17 and runs through October 20. Taking place at the Grand Palais, the fair will feature 195 leading galleries from 42 countries and regions, including 64 established French galleries and 53 new galleries. Art Basel 2024, directed by Clément Delépine, will see a 27 percent increase in the number of participating galleries compared to last year. EMERGENCE Here are the highlights of this year's fair. First is Emergence, dedicated to the radical work of emerging talents and new voices. With 16 stunning solo presentations, 14 of the Emergence exhibitors are making their debut at Art Basel Paris. Emergence will unfold across the striking balconies surrounding the central nave of the Grand Palais – which, prior to the building’s renovation, had been inaccessible for almost two decades – providing a symbolic frame for a show that will bridge the past and the present. PREMISE Another highlight of the fair is Premise, where nine galleries will present unique curatorial presentations. Premise provides a platform for presentations that aim to expand our understanding of traditional art history by focusing on fascinating but little-known artistic practices. In Premise, which features nine galleries, Istanbul-based THE PILL gallery will present the installation The AmbassaDRESS (1978) by Paris-based Turkish artist Nil Yalter. The installation tells the semi-fictional story of an ambassador's wife's collaboration with the Nazis during World War II. Yalter will also participate in the inaugural Artist Talk. SPECIAL PROJECT FROM MIU MIU This year's expanded Art Basel Paris Public Program will feature exhibitions, installations, monumental sculptures, and curatorial projects by contemporary artists such as Ghada Amer, Jesse Darling, Niki de Saint Phalle, Ali Cherri, and Thomas Schütte at several prestigious venues in Paris. With Miu Miu as an official partner, this year's program will feature five new venues, including the Domaine National du Palais-Royal and the Petit Palais, underscoring Art Basel's deep ties to the city. Miu Miu will also present a special project entitled "Tales & Tellers" at the Palais d'Iéna as part of the program. Oh La La!, Art Basel Paris's new initiative celebrating the re-exhibition of unexpected or unusual works of art, will bring together 33 galleries to create an exciting itinerary through the Grand Palais during the second half of the fair week. Dünyanın önde gelen sanat fuarı Art Basel’ın üçüncü Paris edisyonu 16 ve 17 Ekim'deki VIP Ön İzleme Günleriyle başlayacak ve 20 Ekime kadar sürecek. Grand Palais'de gerçekleşecek fuara 42 ülke ve bölgeden, 64'ü Fransa'da yerleşik ve 53'ü yeni olmak üzere 195 önde gelen galeri katılacak. Clément Delépine tarafından yönetilecek Art Basel 2024, geçen yıla kıyasla katılımcı galerilerde yüzde 27'lik bir artışa sahne olacak. EMERGENCE Bu yılki fuarın dikkat çekici bölümlerini şöyle sıralayabiliriz. İlki, yükselen yeteneklerin ve yeni seslerin radikal çalışmalarına adanmış Emergence. 16 etkileyici solo stant sunumun sergileneceği Emergence katılımcılarından 14’ü Art Basel’ın Paris fuarına ilk kez katılıyor. Galeries Lafayette'in de resmi ortağı olduğu Emergence, Grand Palais'nin orta nefini çevreleyen çarpıcı balkonlarda - binanın yenilenmesinden önce neredeyse yirmi yıldır erişilemez durumdaydı - geçmiş ve bugün arasında bir köprü kuracak. PREMISE Dokuz galerinin tekil küratöryel sunumlar sergileyeceği Premise ise fuarın bir başka öne çıkan bölümü. Premise, ilgi çekici ancak az bilinen sanatsal pratiklere odaklanarak geleneksel sanat tarihine ilişkin anlayışımızı genişletmeyi amaçlayan sunumlar için bir platform sağlıyor. Dokuz galerinin yer aldığı Premise’de İstanbul merkezli galeri THE PILL, Paris merkezli Türkiyeli sanatçı Nil Yalter'in The AmbassaDRESS (1978) isimli enstalasyonunu sergileyecek. Enstalasyon, bir büyükelçinin eşinin İkinci Dünya Savaşı sırasında Nazilerle yaptığı iş birliğinin yarı kurgusal hikâyesini ele alıyor. Yalter aynı zamanda Art Basel Paris Conversations programı kapsamında Premiere Artist Talk'a da katılacak. MIU MIU’DAN ÖZEL PROJE Bu yılki genişletilmiş Art Basel Paris Public Program çerçevesinde ise Paris'in birçok ünlü mekanı Ghada Amer, Jesse Darling, Niki de Saint Phalle, Ali Cherri ve Thomas Schütte gibi modern sanatçıların sergilerine, enstalasyonlarına, anıtsal heykellerine ve küratöryel projelerine ev sahipliği yapacak. Miu Miu’nun resmi partnerliğindeki bu yılki programa Domaine national du Palais-Royal ve Petit Palais başta olmak üzere beş yeni mekan eklenerek Art Basel’ın şehirle olan derin bağının altı çizilecek. Ayrıca Miu Miu bu program çerçevesinde Palais d'Iéna'da “Tales & Tellers” başlıklı özel bir proje gerçekleştirecek. Art Basel Paris'in alışılmadık sanat eserlerinin yeniden sergilenmesini kutlayan yeni girişimi Oh La La! ise 33 galeriyi bir araya getirerek, fuar haftasının ortasında Grand Palais'de heyecan verici bir güzergah oluşturacak.

February 2025 | PEOPLE SHAUNA GILLIES-SMITH LANDSCAPE ARCHITECTURE is KEY to CITIES words Laura Cottrell photos (1) Richard Mandelkorn, (2-3-4-5-6-7) Chuck Choi, (8) Trent Bell, (9) Millenium Partners Boston Massachusetts-based landscape architecture studio Ground, led by Harvard-trained Shauna Gillies-Smith, creates playful and unexpected spaces defined by fluid curves and bright colors. The team believes that landscapes should spark moments of surprise and joy in public spaces and emphasizes that the success of urban landscapes depends on dynamic public engagement. “Well-designed outdoor spaces help us reconnect—with each other and with nature,” says Shauna Gillies-Smith, as she shares her thoughts with us. What are the most important features to consider in the landscape design of public spaces in cities? A key feature is creating spaces that accommodate various group sizes, allowing individuals to feel a sense of ownership, even if only for a short time. Plants, trees, and other natural elements play a crucial role in grounding people, offering a deeper connection to their surroundings. Public spaces should reflect the beauty and complexity of seasonal and temporal changes, fostering a greater awareness of nature and life beyond daily routines. This connection helps build a stronger sense of community and places people in touch with the broader world. What are your priorities in landscape design at Ground? When I transitioned from architecture to landscape architecture, it was because I wanted to create spaces that evoke joy and surprise—those moments when you turn a corner and discover something unexpected. At Ground, we aim to offer this experience in every project, regardless of the client or community. Our focus is on designing spaces that engage with the unique social and cultural context of each place. Our work is rooted in a dialogue with its surroundings, combining tried-and-true materials and strategies—often applied in unconventional, unexpected ways—to keep the experience fresh and relevant. MIYAWAKI FORESTS ARE FASCINATING "Trees, shrubs, and perennials play a very important role in our projects and offer much more than visual appeal" is your motto. This perspective aligns with the concept of the Micro Forest, developed by Japanese botanist Akira Miyawaki in the 1970s. What are your thoughts? Do these microforests also help reduce the urban heat island effect? Miyawaki forests are fascinating—they’re dense, miniature ecosystems designed to accelerate plant succession. By planting a diverse range of species in close proximity, these forests become powerful tools for promoting biodiversity. When it comes to mitigating the urban heat island effect, trees play a critical role: the denser the planting, the greater the cooling effect. While Miyawaki forests offer incredible ecological benefits, they are compact and can be difficult to move through. We are deeply interested in them and continuously seek ways to incorporate them into our projects. However, it is equally—if not more—important to integrate these principles into larger, more accessible public spaces, such as streetscapes, parks, and plazas. This approach ensures a meaningful impact both environmentally and in terms of public experience. LANDSCAPE URBANISM HIGHLIGHTS NATURE’S VITAL ROLE IN CITIES What does the future of landscape architecture look like? What can we expect in the near future? Landscape architecture is becoming increasingly central to the design and planning of cities. The rise of landscape urbanism highlights the importance of nature in urban infrastructure, recognizing that landscapes are fundamental to a city's functionality and health. The COVID-19 pandemic underscored the need for high-quality outdoor spaces, shaping how we approach landscape design moving forward. In the near future, I believe we will see a greater emphasis on landscapes that not only enhance urban spaces but also support habitats and pollinators. These spaces will be more complex, biodiverse, and deeply integrated into the social and environmental fabric of our cities. THE GOAL IS TO BALANCE HUMAN AND WILDLIFE NEEDS Some argue that parts of cities should be returned to wildlife. Do you think this is possible? The feasibility of returning parts of cities to wildlife depends on the context, character, and scale of the landscape in question. While some animals can adapt to urban environments, others may struggle to coexist. It’s important to recognize that while we can’t fully revert urban spaces back to nature, we can design environments that support a diverse range of habitats within the urban fabric. The goal is to create spaces that balance human needs with those of wildlife, fostering coexistence in ways that are both practical and sustainable for all species involved.

June 2024 | Art & Culture english below VUSLAT ‘Kendimizi her şeyden üstün görüyoruz’ words Onur Baştürk photos Kayhan Kaygusuz V uslat’ın MSGSÜ Tophane-i Amire Kültür ve Sanat Merkezi’nde başlayan “Emanet” sergisinde öğrendiğim bir masal var. “Ayağına Diken Batan Serçe” isimli bu masalı Vuslat’a küçükken anneannesi anlatırmış. Masalın ana fikri şu: İnsanlar kendi hayat rutinlerine dalıp onlara emanet edilen şeyleri anında unutuyor. Sonra da hayıflanıyorlar, nasıl unuttuk diye… Vuslat’ın sergisi ‘emanet’ kavramını bunun gibi birçok farklı yönden ele alıyor. Dahası, farklı disiplinleri bir araya getirerek anlatıyor. Dolayısıyla sergiyi izlerken unutup gittiğiniz tüm duygu ve düşüncelerinizi de çıkarıyorsunuz emanet kutusundan, bilinçaltından… Geçtiğimiz yıl Baksı Müzesi’nde gerçekleşen heykel odaklı “Emanet” serginiz bu kez farklı disiplinlerden sanatçıların işleriyle (ses, anlatı peyzajı vs.) harmanlanmış bir halde karşımıza çıktı. Bu tercihin sebebi nedir? Sergiye gelenleri “çoklu bir deneyim”e davet etmek mi? Emanet kavramı sadece fiziksel nesnelerle sınırlı olmayan, aynı zamanda zaman, mekân ve duyusal deneyimlerle de ilişkili bir olgu. Bu nedenle, ses, anlatı peyzajı ve diğer disiplinleri de kullanarak izleyicilerşe daha katmanlı iletişim kurmayı istedim. Sanatın farklı formlarını bir araya getirmek hem fiziksel hem de duygusal olarak bana daha geniş bir ifade alanı sağlıyor. Venedik Bienali’nde gördüğüm Manal AlDowayan’ın eseri de ses ve müziği içine katan bir yerleştirmeydi. Ses sizin ne ifade ediyor? Son tahlilde ses mi yoksa yazı mı desem, hangisini tercih ederdiniz? AlDowayan’ın eserlerinde kültürel dönüşüm, kolektif hafıza konuları belirgin şekilde öne çıkıyor. Açıkçası medyumdan önce benim için konu daha fazla önem arzediyor. Önceliğim bu nedenle yazı. Farklı coğrafya ve dillerde ortak anlam taşıyan temaları işlemenin en geçerli ve geleneksel yolunun yazı olduğunu düşünüyorum. Sanatçıların kültürel kökenlerine duydukları bağlılığın ve değerlerin sanat ortamında kültürel bir değere dönüştürerek aktarılması geçmişten günümüze gelen emaneti aktardığımızı tekrar hissettiriyor. Bunu da yazı üzerinden hafızaya kazımak kendimi daha yakın hissettiğim bir pratik. Sizin için ‘emanet’ neleri çağrıştırıyor? Emanet almaktan mı yanasınız yoksa emanet bırakmaktan mı? Benim için emanet karşılıklı güven, sadakat ve sorumluluk anlamına geliyor. Emanet almak, güvenin ve sorumluluğun bir göstergesi olarak değerli. Ancak, emanet bırakmak da aynı derecede önemli. Çünkü bu, güven duygusunu başkalarına aktarmak ve onların sorumluluğuna güvenmek anlamına gelir. Bu denge, toplumsal ilişkilerde karşılıklı güveni ve bağı güçlendirir. Dolayısıyla, hem emanet almanın hem de emanet bırakmanın önemine inanıyorum. KENDİMİZİ HER ŞEYDEN ÜSTÜN OLARAK GÖRÜYORUZ Bize emanet edileni korumaya çalışan değil de, yıkıp yenisini yapmaya kodlanmış bir toplumuz. Buna katılır mısınız? Sizce neden böyle? Modernizmden sonra bireysel egomuzun şişirilmesiyle beraber her şeye muktedir olduğumuz, her şeyi yapabileceğimiz ve hatta her şeyin üzerinde olduğumuz yanılgısına kapıldığımızı düşünüyorum. Kendimizi her şeyden üstün ve her şeyin sahibi olarak görüyoruz. Özellikle de doğanın… Doğanın gücünü idrak etmeli, onunla eşit olduğumuzu, hatta onun kalıcı bizim gidici olduğumuzu anlamalıyız. Bu idrakı gerçekleştirmek için onunla ilişki kurmalı, onu dinlemeli, anlamaya çalışmalı ve bize sunduklarını görmeliyiz. Uyanış bu şekilde olmalı. Kolay değil, ama samimi bir merak duygusuyla bunu hayatımıza sokabilirsek, meseleyi başka bir yere taşıyabiliriz. Bize emanet edilenleri koruma bilincine ulaşmamızı sağlayacak olan bence bu. MALZEMEDEN ÖNCE KONU Serginin üretim sürecini de merak ediyorum. Mesela kullandığınız malzemelere çok özendiğinizi duymuştum. Nasıl bir süreç var? Kısaca anlatır mısınız? Süreç aslında düşünerek başlıyor. Malzemeden önce konu geliyor. Konuyu nasıl ifade edeceğimi malzemeyi keşfederek başlıyorum. Araştırma süreci de bir o kadar ilginç oluyor. Kullandığım malzemelerin listesi çok genişledi. Yazınsal dokümanlar, doğadan toplanan malzemeler (bitkiler, toprak, kum gibi doğal malzemeler), dokunabilir ve dokuma yapılabilir her türlü malzeme, ses, ışık ve şu an aklıma gelmeyen pek çok şey… Neyi ne ile nasıl ifade etmek isteyeceğimi aslında düşüncelerim; yani bilincim ve bilinçaltım belirliyor. Yeni medya araçlarını, özellikle de yapay zekâyı sanat üretimlerinde bir araç olarak kullanıyor musunuz? Ya da bir araç olarak kullananlara karşı tavrınız nedir? Yeni medya araçları ve yapay zekâ, merak ettiğim ve kurcalamak istediğim alanlar arasında yer alıyor. Sanata dair pratiğe dönüşebilecek her araç benim için merak konusu. Bu nedenle, bu teknolojilerin sunduğu olanakları keşfetmek pratiğimin doğal bir parçası. SAMİMİ BAĞLARIN EN ÖNEMLİ ADIMI CAN KULAĞIYLA DİNLEMEK Artık hayatınızın önemli bir bölümünü sadece sanatçı Vuslat kaplıyor diyebilir miyiz? İş insanı kimliğiniz ne kadar hayatınız ve sanatınızın içinde? Tabii ki, diyebiliriz. Medyada geçirdiğim uzun yıllar boyunca medyanın yaptığı toplumsal katkıyla ilgiliydim. İşin ekonomik tarafındansa toplumsal tarafıyla ilgilenmek beni daha çok heyecanlandırırdı. Cinsiyet eşitliği, insan hakları, toplumsal barış, duyulmayan seslerin duyulması ilgi alanlarım oldu. Sanat ise ilgilendiğim bu toplumsal meseleler üzerine çalıştığım bir ifade alanı. Sanat aracılığı ile bu alanlarda bireysel ve toplumsal keşfe çıkıyor, soru soruyor, araştırıyorum. ‘Vuslat Foundation’da ise bu konular özelinde çözüm üretip aksiyon almaya çalışıyoruz. Hayatla, birbirimizle, doğayla ve etrafımızdaki her şeyle bağımızı merak ediyor, araştırıyor ve bu bağları nasıl onarabiliriz sorusuna kafa yoruyorum. Samimi bağların en önemli, vazgeçilmez adımının ise can kulağıyla dinlemek olduğunu düşünüyorum. Bugün dünyadaki sorunların birçoğunun altında, bu ilişkisizlik ve zayıflayan bağlar olduğunu düşünüyorum. Can kulağıyla dinlemek, önyargılardan uzaklaşmak, merak etmek ve dinlediğin kişiye odaklanmaktır. Kendi zihnine ve kendi fikirlerine değil; dinlediğine ve duyduklarına odaklanmaktır. VUSLAT ‘We see ourselves above all else’ T here is a fairy tale I learned at Vuslat's exhibition "Emanet" at MSGSU Tophane-i Amire Culture and Art Center. Vuslat's grandmother used to tell her this tale called "The Sparrow with a Thorn in its Foot" when she was little. The main idea of the story is this: People get caught up in their own routines and immediately forget the things entrusted to them. And then they lament, how could we have forgotten... Vuslat's exhibition deals with the concept of "entrustment" in many different ways. It also brings together different disciplines. So, while looking at the exhibition, you also take out all the feelings and thoughts that you have forgotten, from the place where you left them, from the subconscious... Your sculpture-oriented exhibition "Emanet", which took place last year at Baksı Museum, was this time mixed with the works of artists from different disciplines (sound, narrative landscape, etc.). What is the reason for this choice? Is it to invite visitors to a "multiple experience"? The concept of relics is not limited to physical objects, but is also related to time, space and sensory experiences. For this reason, I wanted to create a multi-layered communication with the audience by using sound, narrative landscape, and other disciplines. Bringing together different art forms gives me a wider space for expression, both physically and emotionally. WE SEE OURSELVES AS SUPERIOR TO ALL We are a society that is coded not to preserve what has been entrusted to us, but to destroy it and build a new one. Would you agree with that, why do you think that? I think that with the inflation of our individual egos after modernism, we have fallen into the delusion that we are capable of everything, that we can do everything, and even that we are above everything. We see ourselves as superior to everything and as the owner of everything. Especially nature... We have to realize the power of nature, we have to realize that we are equal to it, that it is permanent and that we are impermanent. In order to realize this, we have to engage with it, listen to it, try to understand it and see what it offers us. This is how awakening is supposed to happen. It is not easy, but if we can bring this into our lives with a sincere sense of curiosity, we can take the matter to another place. I think this is what will allow us to reach the consciousness of protecting what has been entrusted to us. SUBJECT BEFORE MATERIAL I am also curious about the production process of the exhibition. For example, I heard that you are very particular about the materials you use. What kind of process is that? Could you briefly describe it? The process actually begins with thinking. The theme comes before the material. I start by discovering how to express the theme by exploring the material. The research process is equally interesting. The list of materials I use has expanded a lot. Literary documents, materials collected from nature (natural materials such as plants, soil, sand), all kinds of materials that can be woven and braided, sound, light, and many other things I can't think of right now... What I want to express and how I want to express it is actually determined by my thoughts, that is, my consciousness and subconscious. Do you use new media tools, especially artificial intelligence, as a tool in your artistic productions? Or what is your attitude towards those who use them as a tool? New media tools and artificial intelligence are among the areas I am curious about and want to explore. Any tool that can become a practice in art is a matter of curiosity for me. Therefore, exploring the possibilities of these technologies is a natural part of my practice. THE MOST IMPORTANT STEP IN SINCERE RELATIONSHIPS IS LISTENING WITH THE EAR OF THE HEART. Can we say that only the artist Vuslat occupies a significant part of your life now? Of course you can say that. During my long years in the media, I was interested in the social contribution of the media. I was more interested in the social side of the business than the economic side. Gender equality, human rights, social peace, hearing voices that are not heard were my areas of interest. Art is a form of expression where I work on these social issues that interest me. Through art I make individual and social discoveries, ask questions and research in these areas. At the Vuslat Foundation, we try to find solutions and take action on these issues. I wonder and research about our connection to life, to each other, to nature and to everything around us, and I think about how we can repair these connections. I believe that the most important and indispensable step for sincere connections is to listen carefully. I believe that this lack of connection and weakening of bonds is at the root of many of the problems in the world today. Listening attentively means letting go of preconceptions, being curious, and focusing on the person you are listening to. It is focusing on what you are hearing and hearing, not on your own mind and your own ideas.