Kasım 2021 | Art | Hollanda DEPOT BOIJMANS VAN BEUNINGEN Erişilebilir ilk sanat deposu Yazı | Oktay Tutuş R otterdam'ın merkezindeki Museumpark'ta geçtiğimiz günlerde dünyanın kamuya açık ilk sanat deposu açıldı. Elbette bunu Hollandalılar yapacaktı, ne bekliyorduk ki! Şaka bir yana Hollandalılar’ın sanata verdiği önem bu yıl peş peşe açtıkları depolarla kendini gösteriyor. Bir diğeri de Amersfoort isimli bir başka lokasyonda daha yeni açılmışken... Ama bahsedeceğim, Rotterdam'daki MVRDV mimarlık ofisinin tasarımı olan ayna kaplanmış devasa kâse şeklindeki depo. Zira diğer depo mimari açıdan kendi kendine yetebilen harika bir ekolojik bina olsa da, sadece sanat eserlerini saklama ve konservasyon işine ayrılmış ve kamuya da açık değil. 151 BİN ESER SAKLANIYOR Dünyanın tamamen erişilebilir ilk sanat deposu olan Depo Boijmans Van Beuningen, müze dünyasının perde arkasına bir bakış sunmak ve tüm sanat koleksiyonunu halka açık hale getirmek amacıyla yapılmış. Yansıtıcı yuvarlak hacimli yapının çevresine tepki veren türden oluşu önemli. Sanatın da bizim yansımamız olduğunu düşündürmeyi amaçlamışlar mı bilinmez, ama sonuç zevkle bakılacak cinsten, tartışmasız! Depo; sanat ve tasarım için muazzam miktarda depolama alanına ek olarak sergi salonları, çatı bahçesi ve bir restorana sahip. Toplamda 151 bin eserin saklandığı, sergilendiği ve korunduğu bir merkez olarak yaklaşık 10 yılda yapılan deponun sıra dışı olmasa da oyuncaklı şekli, aslında içinde bulunduğu Museumpark'ta daha az yer kaplama arzusundan… Mimar Winy Maas liderliğindeki MVRDV, her zaman akla hayale gelmeyecek gibi gözüken ama son derece basit olan çözümlerle şehirciliğin kimyasını değiştiren yapılar tasarlıyor. Bu binada da aynı imzayı görmek mümkün. BU DEPO AYNI ZAMANDA YAŞAYAN BİR TABLO! Sonuç olarak bina parkta daha az yer kaplıyor, ancak tüm programı (depolama alanları, restorasyon stüdyoları, yemek tesisleri ile film ve sunum odaları) barındırmak için 10 metrelik bir çıkıntı ile yukarı doğru kıvrılıyor. Deponun baskılar ve resimlerden fotoğrafa kadar en hassas sanat eserlerini barındıracak beş iklim bölgesi var. 1664 panele bölünmüş 6609 metrekare camdan oluşan aynalı cephe, binanın görsel olarak çevresiyle bütünleşmesini sağlıyor. Büyük giriş kapıları cepheyle birleşiyor ve sadece çalışma saatlerinde, cephe bir James Bond filminden fırlamış bir alet gibi açıldığında görünür hale geliyor! Her gün -hava koşullarına bağlı olarak- depo, yaşayan bir tablo gibi farklı görünüyor. ÇATI ORMANI Depo aynı zamanda şehre doğayı katma denemesi olarak da düşünülmeli. En iyi Hollanda çatısı ödülüne layık görülen 35 metre yüksekliğindeki çatı ormanından bahsediyoruz. Buradaki 75 huş ağacı, çimenler ve 20 çam ağacı; suyun tutulmasına, biyolojik çeşitliliğin desteklenmesine ve şehirdeki ısı stresinin azaltılmasına yardımcı oluyor. Bu proje için ağaçlar, bir fidanlıkta üç yıl boyunca yeni evleri için hazırlanmış. SON SÖZ Depoyu ziyaret etmek tamamen yeni bir deneyime kucak açacak şekilde olsun diye sanat eserleri tarihi dönemlerine göre değil, boyut ve iklim gereksinimlerine göre düzenlenmiş. Eski ve çağdaş eserleri yan yana getirmek, yeni bağlantılar kurmak için de bu iyi bir fırsat.

July 2024 | Vol 13 TURKISH BELOW ANA LUI ‘Island life is definitely something that makes me happy!’ words Onur Baştürk photos Ana Lui A na Lui has been a travel photographer in Ibiza for 13 years and the first thing I feel when I look at her photos is..: Naturalness, simplicity and, of course, the desire to live on the island because of the appetizing energy of life in her Ibiza + Mallorca photos... I caught up with the ever-mobile Ana in Mallorca and quickly asked her everything I was curious about. Would you say that finding good light and being constantly on the move are the two most important elements of your life? What other elements would you add? Yes, I only use natural light, and I always try to feel the space before I shoot. I believe there is beauty in everything - in every subject, in every place, in every person. It's just a matter of capturing it in the most serene and loving way. Thanks to Instagram, travel photography has become a profession that everyone aspires to. What advice would you give to those who want to do it? I think starting locally is a great idea for all beginners. Photograph and film all the new businesses or cool artisans in your town. Having an existing content makes you more desirable to all the magazines, blogs and brands that need images from your area. I remember shooting most of the places in Ibiza just for fun before I was approached by Condé Nast Traveller. My best advice is to be proactive and create every day! What are the most impressive places that you have ever photographed? Every place is so unique and special, but I think for me, in terms of nature and landscape, it was the Azores. I also loved my little trip to Harbour Island in the Bahamas, which was a totally idyllic place where all my senses relaxed and felt nourished. Interior design often plays a major role in your photos. What style of interiors do you like? I love interiors. I'm currently launching my new business called "Core Living", which will focus on renovating old houses in Mallorca and transforming them into modern living sanctuaries, focusing mainly on sustainability and well-being. I love functional spaces that are very simple yet soothing. Our home should be a sanctuary, a place where we can escape from the chaos of the world and find inner peace. I PRACTICE IQM EVERY DAY AND BEFORE/DURING EVERY SHOOT Can you tell us about the Quantum Healing (IQM) that you practice every day? How did you begin to work with this technique? Do you practice this technique before the photo shoot? I started practicing Quantum Healing in 2019, but before that I used a lot of visualization techniques, created vision boards for each year and did daily affirmations, which I think helped me a lot in booking my dream photography clients and getting the most amazing travel jobs. I practice IQM every day and before/during every shoot I do and this is something I will be talking about in my upcoming photography workshop. I'm super excited to share my techniques and holistic approach to photography with everyone very soon! IBIZA IS MORE RAW AND SPONTANEOUS What are the most impressive places that you have ever photographed? Every place is so unique and special, but I think for me, in terms of nature and landscape, it was the Azores. I also loved my little trip to Harbour Island in the Bahamas, which was a totally idyllic place where all my senses relaxed and felt nourished. You love Mallorca and Ibiza. What makes you happy about these two islands? Island life is definitely something that makes me happy! With a Mediterranean climate, stunning landscapes and beautiful beaches, these islands are perfect for relaxing. Mallorca's rich history, beautiful architecture, vibrant culture and delicious cuisine combined with a very interesting arts and crafts scene make it the place where I feel most at home. Ibiza, famous for its nightlife, is a little wilder. Ibiza is more raw and spontaneous. Both islands encourage a healthy and active lifestyle, with plenty of opportunities for hiking, swimming and sunbathing, as well as access to local and fresh produce. SHOOTING THE MADE IN IBIZA BOOK WAS AN INCREDIBLE EXPERIENCE What are your favorite places in Mallorca and Ibiza? In Mallorca I am currently based in Palma and very close to the Santa Catalina area. I enjoy having all the healthy cafes, yoga studios, fresh markets and beautiful seafront on my doorstep. Away from Palma, I love walking around Biniaraix, Formentor beach, Portixol for a quick drink at sunset, I love the drive from Deia to Andratx and I am really into the nudist part of Es Trenc beach at the moment. In Ibiza you can usually find me having breakfast at Passion in Marina Botafoch, lunch at La Paloma in the middle of the island and dinner at Hambre in Santa Eulalia or Il Buco in Santa Gertrudis. I also love Ses Boques for a quick dip and a plate of fried sardines, Dalt Vila old town for a sunset cocktail, hidden beaches around San Joan and for clubbing I think I'm a HI Ibiza girl (toilet is the place to be). I'm serious, the best party is always at the HI toilet! Your photographs are also featured in the book "Made in Ibiza". What parts of the island have you photographed? And can you tell us about the more undiscovered, hidden corners of Ibiza? Shooting the Made In Ibiza book was an incredible experience. Because I have been living on the island for 13 years, I met people and creatives I had never met before. Focusing on the talented artisans, farmers and artists who make the island a better place showed me another side of the island. We visited and photographed all the talents all over the island, either in their homes or at their workplaces. I learned a lot about the roots of Ibiza and I am very lucky to have been part of this project. SOMERTIMES THE PACE HERE IS SLOW AND STAGNANT, BUT I LEARN TO APPRECIATE IT MORE AND MORE EACH YEAR What are your favorite things about Mediterranean culture? I think a healthy lifestyle and being outdoors most of the time. Spaniards are very active and social people. They like to be outside and they like to get together and celebrate life. Celebrating the little things in life and having a siesta or a lazy Sunday, prioritizing mental well-being is something we shouldn't take for granted. Sometimes the pace here is slow and stagnant, but I learn to appreciate it more and more each year. ANA LUI ‘Ada yaşamı kesinlikle beni mutlu eden bir şey’ 13 yıldır Ibiza’da yaşayan seyahat fotoğrafçısı Ana Lui’nin fotoğraflarına bakınca ilk hissettiğim şeyler: Doğallık, sadelik ve tabii Ibiza + Mallorca fotoğraflarındaki iştah açıcı yaşam enerjisi sebebiyle adada yaşama isteği… Sürekli hareket halindeki Ana’yı Mallorca’da yakaladım ve ona hızlıca merak ettiğim her şeyi sordum. Her gün uyguladığın Kuantum Şifası’nı (IQM) anlatabilir misin? Bu teknikle çalışmaya nasıl başladın? Bu tekniği fotoğraf çekiminden önce mi uyguluyorsun? Kuantum Healing’i 2019'da uygulamaya başladım, ama öncesinde de birçok görselleştirme tekniği kullanıyordum. Her yıl için vizyon panoları oluşturuyor ve hayalimdeki fotoğrafçılık müşterilerini ve en harika seyahat işlerini almamda bana çok yardımcı olduğuna inandığım günlük olumlamalar yapıyordum. IQM'yi her gün, yaptığım her çekimin öncesinde, çekim sırasında uyguluyorum. Ve bu teknik yakında yapacağım fotoğrafçılık atölyemde bahsedeceğim bir şey. Tekniklerimi ve bütünsel fotoğrafçılık yaklaşımımı herkesle paylaşacağım için çok heyecanlıyım! Instagram sayesinde seyahat fotoğrafçılığı herkesin özendiği bir meslek haline geldi. Bunu mesleği yapmak isteyenlere ne tavsiye edersin? Bence yerelden başlamak tüm yeni başlayanlar için harika bir fikir. Şehrinizdeki yeni işletmeleri ya da havalı zanaatkârları fotoğraflayın. Mevcut bir içeriğe sahip olmak, bölgenizden görüntülere ihtiyaç duyan tüm dergiler, bloglar ve markalar için sizi daha cazip hale getirir. Condé Nast Traveller'dan teklif almadan önce Ibiza'daki çoğu yeri sırf eğlence olsun diye çektiğimi hatırlıyorum. En iyi tavsiyem proaktif olun ve her gün içerik oluşturun! Şimdiye kadar fotoğrafladığınız en etkileyici yerler? Her yer çok eşsiz ve özel, ama sanırım doğa ve manzara açısından benim için Azor Adaları'ydı. Ayrıca Bahamalar'daki Harbour Island'a yaptığım küçük geziyi de çok sevdim. Tüm duyularımın rahatladığını ve beslendiğini hissetmiştim. Tam anlamıyla pastoral bir yerdi. Fotoğraflarında iç tasarım genellikle başrolde. İç mekan tasarımlarında hangi stili seviyorsun? İç mekanlara bayılıyorum. Şu anda Mallorca'daki eski evleri yenilemeye ve onları modern bir yaşam mabedine dönüştürmeye odaklanacak olan “Core Living” adlı yeni işimi başlatıyorum. Esas olarak sürdürülebilirlik ve iyi yaşamak üzerine odaklanıyorum. Oldukça sade ama rahatlatıcı olan işlevsel alanları seviyorum. Evimiz bir sığınak gibi, dünyanın kaosundan kaçabileceğimiz ve iç huzuru bulabileceğimiz bir yer olmalı. Mallorca ve İbiza'yı çok seviyorsun. Bu iki adada seni mutlu eden nedir? Ada yaşamı kesinlikle beni mutlu eden bir şey! Akdeniz iklimi, çarpıcı manzaraları ve güzel plajlarıyla bu adalar dinlenmek için mükemmel. Mallorca'nın zengin tarihi, güzel mimarisi, canlı kültürü ve lezzetli mutfağıyla son derece ilginç sanat ve zanaat ortamı birleşince kendimi en çok evimde hissettiğim yer haline geliyor. Gece hayatıyla ünlü Ibiza'nın biraz daha vahşi bir doğası var. Ibiza daha ham ve spontane. Her iki ada yürüyüş yapmak, yüzmek ve güneşlenmenin yanı sıra lokal ve taze ürünlere erişmek için pek çok fırsat sunan sağlıklı ve aktif bir yaşam tarzını da teşvik ediyor. Mallorca ve Ibiza'da en sevdiğin yerler? Mallorca'da şu anda Palma'dayım ve Santa Catalina bölgesine çok yakınım. Tüm sağlıklı kafelerin, yoga stüdyolarının, taze pazarların ve harika deniz kenarının kapımın önünde olmasından çok keyif alıyorum. Palma dışında Biniaraix, Formentor plajı ve hızlı bir gün batımı ‘drink’i için Portixol çevresinde yürüyüş yapmaktan çok hoşlanıyorum. Deia'dan Andratx'a gitmeyi seviyorum ve şu anda Es Trenc plajının çıplaklar kısmına gerçekten ilgi duyuyorum. Ibiza'da ise beni genellikle Marina Botafoch'taki Passion'da kahvaltı ederken, adanın ortasındaki La Paloma'da öğle yemeği yerken ve Santa Eulalia'daki Hambre ya da Santa Gertrudis'teki Il Buco'da akşam yemeği yerken bulabilirsiniz. Ayrıca bir porsiyon kızarmış sardalya için Ses Boques'u, gün batımı kokteyli için Dalt Vila eski kentini, San Joan çevresindeki gizli plajları seviyorum. Kulübe gelince… Sanırım ben bir HI Ibiza kızıyım (olunması gereken yer tuvaleti). Ciddiyim, en iyi parti her zaman HI Ibiza’nın tuvaletinde! Fotoğrafların “Made in Ibiza” kitabında da yer alıyor. Adanın hangi bölgelerini fotoğrafladın? Ve bize İbiza'nın daha keşfedilmemiş, gizli köşelerinden bahsedebilir misin? Made In Ibiza kitabını çekmek inanılmaz bir deneyimdi. Çünkü 13 yıldır adada yaşıyorum, daha önce hiç tanışmadığım insanlarla, yaratıcılarla tanıştım. Adayı daha iyi bir yer haline getiren yetenekli zanaatkârlara, çiftçilere ve sanatçılara odaklanmak bana adanın başka bir yönünü gösterdi. Adanın dört bir yanındaki tüm yetenekleri evlerinde ya da iş yerlerinde ziyaret ederek fotoğrafladık. İbiza'nın kökleri hakkında çok şey öğrendim ve bu projede yer aldığım için çok şanslıyım. İyi ışık arayışı ve sürekli hareket halinde olmanın hayatının en önemli iki unsuru olduğunu söyleyebilir miyiz? Başka hangi unsurları eklerdin? Evet, sadece doğal ışık kullanıyorum ve çekimden önce her zaman mekanı hissetmeye ve rahatlamaya çalışıyorum. Her şeyde güzellik olduğuna inanıyorum. Her konuda, her yerde, her insanda… Önemli olan bunu dingin ve sevgi dolu şekilde yakalamak. Akdeniz kültüründe en sevdiğin şeyler neler? Sağlıklı bir yaşam tarzı ve çoğu zaman açık havada olmak. İspanyollar oldukça aktif ve sosyal insanlar. Dışarda olmayı ve hayatı kutlamak için bir araya gelmeyi seviyorlar. Hayattaki küçük şeyleri kutlamak ve zihinsel sağlığa öncelik vererek siesta ya da tembel bir pazar günü geçirmek hafife almamamız gereken bir şey. Bazen buradaki tempo yavaş ve durgun olabiliyor, ama ben her geçen yıl bunun değerini daha iyi anlıyorum. for more Print VOL XIII - AEGEAN & MEDITERRANEAN EDITION 2024 Out of Stock Add to Cart

Kasım 2022 | Art | Türkiye ARTWEEKS’İN YEDİNCİ EDİSYONU B eşiktaş’taki Akaretler’in başlangıcı 1875 yılına dek uzanıyor. Sultan Abdülaziz’in talimatıyla Sarkis Balyan tarafından inşa ediliyor Akaretler. O dönem bu evler Dolmabahçe Sarayı’nın önemli görevlileri tarafından kullanılıyor. Akaretler’in günümüz şehir hayatı rotasında popülerleşmesi ise W Oteli’nin açılmasıyla beraber gerçekleşti. W Otel açılmadan önce Bilgili Holding tarafından tüm evler restore edilmeye başlanmıştı. Ama uzun süre Akaretler’in tek gündemi W Otel oldu. Özellikle ilk dönem Jean Georges’un meşhur Spice Market restoranı ve otelde yapılan partiler burayı kısa sürede cazibe merkezi haline getirmişti. Sonradan hem Spice Market hem de partiler sona erdi. W Otel de gece hayatı rotasından çıktı. Ama bu kez de Akaretler’deki evleri sanata açma fikrinden yola çıkan Artweeks doğdu. Ve işte bu hafta yedinci kez düzenleniyor Artweeks@Akaretler. En az Contemporary kadar beklenen bu butik fuar, yoğun gündemde gözden kaçan ya da sadece burası için üretilmiş sanat işleriyle gözde bir sanat etkinliği oldu. Üstelik süresinin uzun tutulması da şehrin yoğunluğunda fuara gelemeyenler için bir avantaj oluşturuyor. Bu yıl da Artweeks’in süresi uzun. 2 kasımda başlayıp 13 kasıma kadar sürüyor. Ücretsiz oluşu da Artweeks’in bir diğer artısı. Geçtiğimiz bahar yapılan son Artweeks’i 110 bin kişi gezmiş. Bu sayı bu yeni edisyonla gayet katlanabilir de… YENİ KOLEKSİYONERLER Artweeks ve genç sanatçıları destekleyen (BASE ve Mamut Art gibi) fuarların en önemli katkısı ise sanat piyasasını demokratikleştirmeleri. Yeni nesil koleksiyonerlerin oluşmasını sağlamaları. Her ne kadar sanat eserlerinin de fiyatları fırlayıp gitmiş olsa da, hâlâ ulaşılabilir fiyata eser bulmak mümkün. Artweeks@Akaretler’in katılan galeriler arasında Ambiedexter, Anna Laudel, Arton, Bosfor, Ferda Art Platform, Galeri 77, Galeri Nev, Krank, Labirent, Martch, Merkur, Mixer, Onearc, Öktem Aykut, Pi Artworks, Pilevneli, Sanatorium, The Empire Project, The Pill yer alıyor. SEVENTH EDITION OF ARTWEEKS T he beginning of Akaretler in Beşiktaş dates back to 1875. Akaretler is being built by Sarkis Balyan on the orders of Sultan Abdulaziz. At that time, these houses were used by important officials of the Dolmabahce Palace. The popularization of Akaretler in today's city life route took place with the opening of the W Hotel. Before W Hotel was opened, all houses had been restored by Bilgili Holding. But for a long time, the only agenda of Akaretler was W Hotel. Especially in the first period, Jean Georges' famous Spice Market restaurant and the parties held at the hotel made this place a center of attraction in a short time. Later, both the Spice Market and the parties came to an end. W Hotel is also out of the nightlife route. But this time Artweeks was born with the idea of opening the houses in Akaretler to art. And here is the seventh edition of Artweeks@Akaretler this week. This boutique fair, which was expected at least as much as Contemporary Istanbul, became a popular art event with art works that were overlooked in the busy agenda or produced only for this place. Moreover, keeping the duration long is an advantage for those who cannot come to the fair in the busy city. This year, too, Artweeks has a long run. It starts on November 2 and lasts until November 13. Being free is another plus of Artweeks. 110 thousand people visited the last Artweeks held last spring. This number can be multiplied quite well with this new edition… NEW COLLECTORS The most important contribution of Artweeks and fairs that support young artists (such as BASE and Mamut Art) is their democratization of the art market. To ensure the formation of a new generation of collectors. Although the prices of works of art have skyrocketed, it is still possible to find works at affordable prices.

October 9, 2025 | DESIGN & INTERIORS ISERN SERRA MEDITERRANEAN STILLNESS words Onur Basturk, photos Salva Lopez The first thing I felt when I came across Isern Serra’s work was: this is exactly YUZU. Why? Because there was no excess, no decoration—everything was pared back, clear, and at times sculptural. There were no loud colors either, just a soft, neutral palette. And most importantly, the atmosphere wasn’t cold; it carried a warm sophistication. It felt human—like something you’d want to touch and feel. That’s precisely why Isern Serra, whose interior design studio is based in Barcelona, is featured in this Aegean & Mediterranean-themed issue. His work is rooted in a distinctly Mediterranean form, one he has carefully cultivated over the years. Now, it’s time to get to know him and his projects up close. How would you describe your studio’s design philosophy in just three words? Serenity, essentiality, emotionality. How do the light, textures, and rhythm of Barcelona influence your design approach? I believe Mediterranean culture has had a profound influence on my work—reflected not only in the use of light, textures, and architectural volumes, but also in its vernacular traditions, artisanal construction methods, the respect for time in the creative process, and the appreciation for imperfection and the human trace. One of the most significant influences can be found in the work of José Antonio Coderch, a prominent Catalan architect active during the 1970s. At a time when the architectural landscape was dominated by rapid, large-scale concrete construction, Coderch made a deliberate shift away from these prevailing norms. He advocated for a more measured, human-centered approach to architecture, grounded in the use of traditional, locally sourced building techniques. His work represents a conscious effort to reclaim the cultural and material values embedded in Mediterranean architectural heritage, positioning tradition not as a constraint but as a meaningful foundation for contemporary design. How do you see Mediterranean identity evolving in contemporary architecture and interior design—and what role do you see your studio playing in that shift? I do not believe it is solely the concept of Mediterranean culture that connects us; rather, it is the concept of essentiality that unites us all. When applied across different cultures, this concept gives rise to creations that most of us recognize and find appealing. While I represent this idea through my own culture, given its proximity, I am confident that it could also resonate in places such as Mexico or Japan. I BELIEVE THAT MY PROJECTS EMPLOY A MINIMAL NUMBER OF ELEMENTS —EACH ELEMENT IS INTENTIONAL—NOTHING IS MISSING, AND NOTHING IS EXCESSIVE Your projects often feature a calm, tactile minimalism. What draws you to this aesthetic, and how does it connect with sustainability and craft? I believe that my projects employ a minimal number of elements—each element is intentional—nothing is missing, and nothing is excessive. The use of local artisans and nearby materials also enhances their sustainability. These spaces, which are not overly embellished and foster a stronger connection with individuals, tend to be more timeless—a characteristic that is intrinsically linked to sustainability. I consider the enduring quality of a project to be a crucial factor that interior designers and architects must always prioritize. ESTUDIO CASA: A STUDIO THAT FEELS LIKE HOME In the design of your own studio, Estudio Casa, what emotions or functions were most important to you? Does this space shape how you create? Indeed, this is undoubtedly the most personal of our projects. In this space, we have applied our expertise, moving beyond the traditional concept of an office—we designed a space that feels more like a home, surrounding ourselves exclusively with pieces that resonate with us. It is a stimulating environment, not only for work but also for moments of pause, cooking, sharing, conversing, and drawing inspiration. Embodying the core values of the studio, the design combines a functional, dynamic, and collaborative framework with an atmosphere akin to a gallery, where unique works—many created by friends—are showcased. Moreover, it is open to the city, to creativity, and to the dissemination of ideas. Acting as both a platform and a meeting point, it hosts dinners, events, presentations, and exhibitions for a diverse community within the realms of art and design. DESIGNING EMOTION: FROM CONCEPT STORES TO RESTAURANTS With projects like Yerse and the Moco Concept Store, there’s a recurring sense of softness and domesticity—even in retail environments. Why is that sense of ‘home’ important in your commercial work? For me, the concept of feeling at home is of utmost importance in all types of projects. The home is not only the space that provides us with the greatest sense of peace and comfort, but it also serves as a sanctuary where we can reconnect with ourselves. It is a space that shapes our well-being and offers a sense of security and belonging, making it crucial to translate this essence into every project we undertake. Moco, a project developed in collaboration with my friend Ezequiel Pini from Six N. Five, was an endeavor in which we aimed to fully manifest a dreamlike concept into a tangible reality. This project was an extraordinary challenge that allowed us to push the boundaries between art and functionality, resulting in a design that is as visually captivating as it is functional. The process of bringing this vision to life was deeply fulfilling, as it embodied our shared commitment to creating spaces that inspire and engage, while remaining rooted in a strong conceptual foundation. Fiskebar in Barcelona stands out for its raw materials and warm restraint. How did the local context guide your design process for this restaurant? Fiskebar is a project that I am particularly fond of, not only for its design but also for its exceptional location. Situated in one of the most privileged spots in Barcelona, it occupies a unique position at the port, offering panoramic views of both the Mediterranean Sea and the city’s skyline. The concept is inspired by Northern European culture—specifically, the traditional Fiskebar, a type of harbor-side seafood restaurant commonly found in Copenhagen. With this project, we aimed to reinterpret that spirit within the context of Barcelona, creating a space that feels authentic and rooted in its local context, while subtly nodding to its Nordic inspiration. Do you focus mainly on office and hospitality projects, or are there other types of spaces you’re eager to explore in the future? We engage in a wide range of projects, from designing a window display for Cartier to creating museums, residential spaces, and exhibition stands for the Milan Design Fair. This diversity not only keeps our work dynamic and exciting but also challenges us to explore new creative possibilities. It ensures that we remain inspired and engaged, as each project presents unique opportunities and requires us to adapt our approach, preventing any sense of monotony or repetition. What or who are some of your ongoing sources of inspiration—whether from architecture, nature, or beyond? José Antonio Coderch, César Manrique, Luis Barragán, but also James Turrell, Anish Kapoor, and ancient traditions. Can you share some of your favorite design spots or spaces in Barcelona—places that spark ideas or reflect the spirit of the city? Vasto Gallery in Poblenou, Studio Ricardo Bofill, Palau de la Música, a library called Terranova, a shop called “Curated by,” a discotheque called La Paloma, the restaurant La Font del Gat, and a cocktail bar called La Focacha—designed by us. for more Print VOL XVI - AEGEAN & MEDITERRANEAN 2025 Out of Stock Add to Cart

Ocak 2022 | İçerik Ortaklığı for english click here İçerik Ortaklığı YUZU olarak markalarla ortaklaşa içerik de üretiyoruz. İçerik ortaklığı, yuzu’daki diğer içeriklerden üç şekilde farklı. - Markayla yapılan anlaşma çerçevesinde içerik ortaklığı ücretli. - İçeriğin editoryal kontrolü yuzu’ya ait, ama içerik ortağımız yayınlanmadan önce ön izlemeyi görebiliyor. - İçerik ortaklığı yayınlanan içerikte mutlaka belirtiliyor. İçerik ortaklığı sadece yazı üzerine olabileceği gibi, sosyal medya kanallarımızı da kapsayan bir video çalışması olabiliyor. Video çalışmasını yuzu’nun iş birliği yaptığı kreatif ekipler gerçekleştiriyor. Aynı şekilde eğer içerik ortaklığında bir fotoğraf çalışması söz konusu ise yine bunu da yuzu’nun kreatif ekibi üstleniyor. Eğer yuzu’yla içerik ortaklığı yapmak istiyorsanız info@yuzumagazine.com ’a mail atın. Beraber neler yapabileceğimiz konusunda fikir geliştirelim. Content Partnership As yuzu, we also produce content jointly with brands. Content partnership differs from other content on yuzu in three ways. - Content partnership is paid within the framework of the agreement with the brand. - Yuzu has editorial control of the content, but our content partner can preview it before it's published. - Content partnership is definitely stated in the published content. Content partnership can be only on writing, or it can be a video work that includes our social media channels. The creative teams that yuzu collaborates with are performing the video work. Likewise, if there is a photography work in content partnership, yuzu's creative team undertakes it. If you want to make content partnership with yuzu, send an e-mail to info@yuzumagazine.com . Let's develop ideas about what we can do together. Çapa 9

Mayıs 2022 | Tasarım | Vol VII 'ROCKET MAN’DEN İKONİK ELTON’A Yazı | Alp Tekin A vrupa’nın birçok ülkesinde mağazası bulunan Danimarka çıkışlı mobilya markası Bolia, ilkbahar-yaz koleksiyonunda İskandinav doğasına referanslar içeren hafif bir tasarım evreni sunuyor. Farklı ülkelerin tasarımcıları tarafından yaratılan yeni koleksiyondaki her ürün yine nesiller boyu kullanılacak şekilde yapılmış. Özellikle iç mekan koleksiyonu Bowie, The Visti ve Elton adlı üç yeni koltukla beraber genişletilmiş. Elton, Tonny Glisman ve Karl Rüdiger ikilisinin tasarımı. Şehirli insanların modern ihtiyaçlarını anlamaya çalışan ikili, mobilya tasarımına gerçekçi bir bakış açısı getirmeyi istiyor. Zamansız bir kanepe olarak nitelenen Elton ise el yapımı hafif masif ahşap iskeleti ve iyi düşünülmüş konstrüksiyonu ile zarif bir İskandinav tasarımı. Elton'ın iç kısmı optimum konfor sağlayan özel bir metal çerçeve ve fiberglas takviyeli naylon çıtalarla inşa edilmiş. Yuzu’nun hem Elton hem de tasarıma dair merak ettiği her şeyi Glismand & Rüdiger adına Karl Rüdiger yanıtlıyor. Tamamı için... Print VOL VII - 2022 Out of Stock View Details No product

March 2024 | Design & Interiors english below AWARD to YEŞİM KOZANLI for KAS PROJECT words Alp Tekin photos İbrahim Özbunar İ ç mimar Yeşim Kozanlı liderliğindeki Yeşim Kozanlı Mimarlık, Radisson BLU Hotel Kaş projesiyle Almanya merkezli iF Design Awards’un 2024 edisyonunda “Hospitality Interiors” kategorisinde ödül aldı. Antalya'nın batısındaki Kaş ilçesinde hayata geçirilen Radisson BLU Hotel Kaş projesi, tasarım ilhamını bölgenin topografik yapısından ve kültürel bağlamından alıyor. Kaş’ın doğal yapısıyla bir bütün olmayı amaçlayan otelin tasarımı, “yeniyim ama buralıyım” fikrinden yola çıkıyor. Otelin taş cepheleri, Kaş'ın tarihi evlerinde sıkça rastlanan zanaatkâr işçiliğin bir yansıması. Duvarlar ise nesiller boyu aktarılan bilgiyle hayat bulan geleneksel "köy sıvası" tekniğiyle kaplanmış. Bu sıva, estetik açıdan sadece Kaş'ın özünü yansıtmakla kalmıyor, aynı zamanda doğal bir yalıtım da sağlıyor. Daha az kat ve daha geniş alanlara sahip olan projede toprak renkleri yoğun olarak kullanılmış. Ayrıca yapının mimarisinden iç mimari detaylarına kadar tüm hikâye, “Yeniyim, ama ben buralıyım” fikrinden yola çıkarak oluşturulmuş. Otelin doğal taş zemini ve el yapımı özel seramiklerle kaplı yüzeyleri ise doğadan ilham alan tasarım felsefesinin devamı. Otelin açık alanlarında Kaş'ın bitki örtüsünü yansıtan lokal ağaç ve bitkiler yer alıyor. Güneşli ve gölgeli alanları etkili şekilde ayıran seperatörler, iç ve dış alan ilişkisinin her noktada yaşanmasına imkan sağlıyor. Y eşim Kozanlı Architecture, led by interior designer Yeşim Kozanlı, received an award in the Hospitality Interiors category at the 2024 edition of the German-based iF Design Awards for the Radisson BLU Hotel Kaş project. Located in the Kas district of western Antalya, the Radisson BLU Hotel Kas project draws its design inspiration from the topographical structure and cultural context of the region. The stone facades of the hotel are a reflection of the craftsmanship found in the historic houses of Kaş. The walls are covered with the traditional "village plaster" technique that has been passed down through generations. This plaster not only aesthetically reflects the essence of Kaş, but also provides natural insulation. The project, which has fewer floors and larger areas, makes extensive use of earth colours. In addition, the whole story, from the architecture of the building to the interior details, is based on the idea of "I am new, but I am from here". The hotel's natural stone flooring and surfaces covered in handmade specialty ceramics continue the nature-inspired design philosophy. The hotel's open spaces feature local trees and plants that reflect the flora of Kaş. Partitions that effectively separate sunny and shaded areas allow the indoor-outdoor relationship to be experienced at every point.

December 2021 | Community NEW SWAHA - NEW YEAR DINNER Partner: Raffles Istanbul - Isokyo Our New Year’s dinner, featuring personalized mantras for each guest placed on the tables, was held at Isokyo within Raffles Istanbul Hotel. Bringing together an exclusive group, our New Swaha dinner became one of the city’s most talked-about events. Her davetliye özel hazırlanmış mantraların masalarda yer aldığı yeni yıl yemeğimiz, Raffles İstanbul Oteli içindeki Isokyo’da yapıldı. Seçkin bir topluluğu bir araya getiren New Swaha yemeğimiz şehrin en çok konuşulan organizasyonlarından biri oldu.

April 2025 | DESIGN & INTERIORS UNFORM STUDIO’s SCULPTURAL FUTURE words Alp Tekin photos Felix Speller Unform Studio will debut two bold new collections—Orbit and Axis—at SaloneSatellite 2025, marking its first foray into lighting alongside a continued exploration of sculptural furniture. Founded by design entrepreneur Ryan Twardzik in 2022, the Pennsylvania-based studio transforms everyday objects into sources of joy and inspiration. Rooted in Schuylkill County at the heart of the Anthracite Coal Region, Unform Studio champions a vibrant blend of local manufacturing, heritage, and innovative design. In its latest exhibition, A Different Kind of Future, the studio reimagines a tomorrow once envisioned by the unfulfilled optimism of the Space Age. Set in a striking baby blue exhibition space at SaloneSatellite 2025, the show brings together two new collections where high-gloss stainless steel meets the warmth of wood, upholstery, and masterful craftsmanship, delivering a design philosophy that is both bold and inviting. THE ORBIT COLLECTION Featuring the un14 Orbit Chair and un15 Orbit Table, the Orbit Collection celebrates dynamic contrasts and inviting comfort. The un14 Orbit Chair, wrapped in soft blue wool and supported by a sleek stainless steel frame, makes a powerful statement—merging a sharp, modern structure with a welcoming lounge experience. THE AXIS COLLECTION Marking Unform Studio’s exciting debut into lighting, the Axis Collection offers a complete range of fixtures—from pendant to floor to wall. In collaboration with London-based lighting designer George Goodwill, this collection reinterprets the crisp qualities of stainless steel into playful, sculptural forms, infusing modern lighting with energy and character.

Mayıs 2020 | Tasarım | Çin Uzay gemisi değil, bir kütüphane Yazı | Alp Tekin G ünümüzde bir kütüphane bile artık sadece kütüphane değil! O havalı deyişle, en başta bir “çekim merkezi” olmalı. Mutlaka ama mutlaka şaşırtıcı bir tasarımla ön plana çıkmalı. Ayrıca büyük olmalı. Ve son olarak tabii ki instagramda herkes tarafından paylaşılmalı. Hollandalı tasarım şirketi MVRDV’ye bağlı çalışan mimar Winy Maas’ın Çin’in Tianjin kentinde inşa ettiği, 1.2 milyon adet kitaba ev sahipliği yapan Tianjin Binhai Kütüphanesi, nam-ı diğer “The Eye” tam da böyle bir yer! MVRDV’nin bugüne kadar gerçekleştirdiği en hızlı proje olan kütüphanenin yapımı sadece üç yılda tamamlanmış. Aydınlık bir küresel oditoryuma, tavandan tabana basamaklı kitaplıklara sahip 33 bin 700 metrekarelik bu devasa kültür merkezi, bir süredir “Mutlaka görülmesi gerekenler” listelerinin en baş sıralarında. İyi de, en üst raflardaki kitaplara nasıl ulaşıyorlar diyebilirsiniz. Onun için de çözüm bulmuşlar: Atriyumun arkasına yerleştirilen odalardan üst raflara erişiliyor. Bu fütüristik, uzay gemisini andıran kütüphane katedrale benzeyen tonozlu kemerlerle kaplı. Beş katlı binanın zemin katı ziyaretçiler, çocuklar ve yaşlılar için okuma alanlarına ayrılmış. Birinci ve ikinci katlar okuma odaları, kitaplar ve salonlardan oluşuyor. Üst katlarda ise toplantı odaları, ofisler, bilgisayar ve ses odaları bulunuyor. Kütüphanenin tasarımcısı Maas şöyle diyor: “Her köşeden kitapların görüneceği ve aynı zamanda insanların ortama karışabileceği bir alan yaratmamı istediler. Bunun üzerine oditoryumu 7/24 çalışan bir motor gibi mekanın tam merkezine yerleştirdim. Onun etrafını da kolektif alanla çevreledim. Ziyaretçilerin yukarıdan aşağıya doğru kolayca yürüyebilmeleri de önemliydi. Peki tüm bunlar işlevsel mi? Bence evet. Çünkü her katmandaki belirli kitapları bulabilmeniz için ardışık bir sistem var. Ayrıca her katmana bir isim verildi. Kitaplar ona göre sıraya yerleştiriliyor”. Unutmadan: Tianjin Binhai’nin dışardan çekilmiş fotoğrafı size nereyi anımsatıyor? Yeniden yapımına başlanan ve yakında açılacak AKM’yi değil mi? Yeni AKM’nin tam ortasında da bir küre var. Herhalde tesadüf tabii… STİL | Kategorinin diğer yazıları Bir Edition üçlüsü: Sanat, parti ve iyi yemek Bodrum’a sürpriz: Dioriviera pop-up Emre Buga’nın stil atlası İçinden Aman stili geçen bir rüya Janus mu alırdınız Glassafe mi? Köprü + Heykel + Galeri: The Twist İstanbullu Tilda Swinton’ın ‘athleisure’ tarzı Fütüristik otel ‘Svart’ın açılmasına az kala Murat Süter’in ‘lacivert’ sırrı ‘Parazit’in evi aslında gerçek değildi Evi değiştir: Blush mı Green Benjamin mi? Edwina Sponza’nın stil kodları Korona Sonrası Şehir Tabelaları ‘Beslenme farkındalığınız’ ne durumda? Bodrumlu Uzakdoğulu: Leleg Living Bu yazın başrolünde: Soho Roc House Korona günlerinde yaratıcı bir ‘karton’ masa!

January 2023 | Travel | Vol VII english below MASSERIA MOROSETA yazı Onur Baştürk fotoğraflar Salva Lopez O penhouse dergisinin kurucularından Andrew Trotter’nin tasarladığı ilk mimari yapı olan Masseria Moroseta, Puglia kırsalının tam kalbinde, İtalyanlar’ın “Citta Bianca (Beyaz Şehir)” diye tanımladıkları büyüleyici Ostuni’ye sadece üç kilometre uzaklıkta. Masseria Moroseta, bölgede sıkça bulunan ve “masserie” olarak bilinen eski çiftlik evlerinden ilhamla yapılmış modern bir butik otel. Çoğunun yaşı 500’e kadar dayanmış zeytin ağaçlarının olduğu beş hektarlık bir arazinin içinde yer alan otelin yapımında geleneksel teknikler ve yerel malzeme kullanılmış. Sadelik ve basitlik ise tasarımın iki anahtar kelimesi olmuş. AVLUDAKİ UZUN MASALARDA AKŞAM YEMEĞİ Geleneksel çiftlik evlerinde olduğu gibi Masseria Moroseta’da her şey ortadaki avlunun etrafında şekilleniyor. Avluyu bölen ortadaki merdiven ortak alan ve odalara geçişi sağlıyor. Geniş avlu içinde gerçekleşen ve tüm misafirlerin toplu halde uzun masalara oturduğu akşam yemekleri ise Masseria Moroseta’nın olmaz olmazı. Şef Giorgia Eugenia Goggi bu akşam yemekleri için çiftlikte yetişen mevsimsel ürünleri her sabah dikkatli bir şekilde seçiyor ve ortaya her gün değişen geçici bir menü çıkıyor. Yemeklere eşilik eden zeytinyağı da otelin kendi zeytinliğinin üretimi. Şef Goggi, “Soğuk sıkım zeytinyağımız tartışmasız mutfağımızın kahramanı” diyor. EKOLOJİK TASARIM Masseria Moroseta’nın tasarım detayları da özenle düşünülmüş. Sadece görünüm olarak değil, ekolojik olarak da. Mesela tonozlu tavan, taş zemin ve geri dönüştürülmüş yalıtıma sahip 80 cm’lik duvarlar sayesinde otel kışın çok az ısıtmaya ihtiyaç duyuyor. Yazın da klima kullanımı neredeyse minimumda. Çünkü en sıcak günlerde bile içerisi serin oluyor. Ayrıca çapraz havalandırma pencereleri ile tüm alanların ekstra havalandırılmasına gerek kalmıyor. Güneş panelleri tüm otele yeterli elektrik ve ısıyı sağlıyor. Otelin organik çiftliğinde ise hem kendi su kaynakları var hem de yemeklerde kullanılan tüm malzemeler orada yetiştiriliyor. YAKIN MESAFEDEKİ NEFİS KASABALAR Otelden dışarı çıkınca keşfedilecek çok fazla şey var. Mesela arabayla 12 km uzaklıktaki Torre Guaceto. Yapılaşmadan uzak, korunmuş doğal plajlarıyla nefis bir denize sahip olan Torre Guaceto’yu bisiklet kiralayarak gezmek de mümkün. Otele kısa sürüş mesafesinde olan diğer kasabalar da birbirinden nefis: Cisternino, Alberobello, Martina Franca, Lecce ve tıpkı Ostuni gibi göz alıcı bir beyazlığa ve yerleşime sahip Polignano al Mare. MASSERIA MOROSETA writer Onur Baştürk photo Salva Lopez D esigned by Andrew Trotter, co-founder of Openhouse magazine, Masseria Moroseta is right in the heart of the Puglia countryside, just three kilometers from the charming Ostuni, which Italians call "Citta Bianca (White City)". Masseria Moroseta is a modern boutique hotel inspired by the old farmhouses commonly found in the area, known as the “masserie”. Traditional techniques and local materials were used in the construction of the hotel, which is located on a five-hectare land with olive trees, most of which are up to 500 years old. Simplicity and simplicity were the two keywords of the design. DINNER AT LONG TABLES IN THE COURT As in traditional farmhouses, everything in Masseria Moroseta is shaped around the central courtyard. The middle staircase dividing the courtyard provides access to the common areas and rooms. Dinners, which take place in the large courtyard and where all the guests sit at long tables, are a must at Masseria Moroseta. Chef Giorgia Eugenia Goggi carefully selects seasonal farm-grown produce for these dinners each morning, resulting in a temporary menu that changes daily. The olive oil that accompanies the meals is also the production of the hotel's own olive grove. “Our cold-pressed olive oil is the undisputed hero of our cuisine,” says Chef Goggi. ECOLOGICAL DESIGN The design details of Masseria Moroseta have also been carefully considered. Not only visually, but also ecologically. For example, the hotel needs very little heating in winter, thanks to the vaulted ceiling, stone floor and 80cm walls with recycled insulation. In summer, the use of air conditioners is almost at a minimum. It stays cool even on the hottest days. In addition, there is no need for extra ventilation of all areas with cross ventilation windows. EXCELLENT TOWNS NEARBY There is so much to discover once you step out of the hotel. For example, Torre Guaceto, which is 12 km away by car. It is also possible to visit Torre Guaceto, which has a beautiful sea with its protected natural beaches, away from construction, by renting a bicycle. Other towns within a short drive from the hotel are also delightful: Cisternino, Alberobello, Martina Franca, Lecce and Polignano al Mare, which has a striking whiteness and settlement just like Ostuni.

Mart 2022 | Tasarım | Türkiye Konsept mağazanın tuğlalı stili Yazı | Alp Tekin Fotoğraflar | Furkan Uyan G alata’daki Serdar-ı Ekrem Caddesi’nde konumlanan konsept mağaza Designers Vault’un ana konsepti, bulunduğu tarihi dokuya atıfta bulunan zeki bir tasarım çözümü içeriyor. Tuğlanın ham dokusunun modern bir bakış açısıyla yorumlandığı konsept mağazanın tasarımı Renda Helin Design & Interiors’a ait. Gelelim detaylara… Mekanda kullanılan pres tuğlanın delikli olması özellikle tercih edilmiş. Havalandırma, ışık geçirgenliği ve görselliği mümkün olduğunca kesmemek için… Mekana üç ton hakim. Siyah, beyaz ve tuğla rengi olan terracota. Bu arada Işıklar Tuğla’nın pres tuğlası toz haline getirilip Jotun tarafından özel bir renk formülü hazırlanarak uygulanmış. Girişteki ilk bölümde binaya ait ham tuğla ve beton perdeler beyazla boyanarak bodrum katındaki mekan büyütülmüş. Toplantı bölümü ve sonrasında ise düz perde betonlar kullanılmış. Projenin Işıklar Tuğla Ödülleri 2021 kapsamında eşdeğer ödüle layık görüldüğünü de anımsatalım.

March 10, 2026 | DESIGN & INTERIORS the BEST of STOCKHOLM DESIGN DAYS words Maria Chiara Antonini New collections, new openings, new names: all the highlights that captured our attention in a Stockholm made even more enchanting by the snow. A WEEK OF INDEPENDENT DESIGN To understand the direction in which Nordic design is evolving and to discover the latest developments in interiors, Stockholm has long been the quintessential destination for design enthusiasts each February. This year, despite the cancellation of the official Stockholm Furniture Fair, numerous companies and studios independently organised a full week of presentations and events. The city buzzed with a shared commitment to celebrating Nordic creativity, fostering collaboration and innovation while strengthening synergies across the sector. Here are some of the discoveries that emerged from this remarkable week. RÖRSTRAND Rörstrand, Sweden’s oldest porcelain manufacturer and the second oldest in Europe, marks its 300th anniversary with two notable launches. The first is the archival relaunch of the iconic Blå Eld collection, designed by Hertha Bengtson, while the Swedish Grace glassware line is introduced in an elegant new blue shade. CLARION HOTEL SIGN Clarion Hotel Sign, designed by Gert Wingårdh and Stockholm’s largest hotel, has introduced three new signature suites in collaboration with the Bernadotte & Kylberg studio. Located on the hotel’s top floor, the Stratum Suites were created “to feel functional, harmonious and respectful of the outstanding view,” according to Oscar Kylberg, CEO of Bernadotte & Kylberg. The accompanying Stratum Collection furniture series—including a sofa, armchair, coffee table, desk and chair—is produced in Sweden, emphasising material quality, precision craftsmanship and long-term sustainability. WHERE FINNISH AND SWEDISH DESIGN MEET An atmospheric setting framed the exclusive Nordic design showcase Where Finnish and Swedish Design Meet. Held in a historic palace housing the Finnish Residence in Stockholm, the exhibition featured a curated selection of Nordic design by Ilkka Suppanen, emphasising cross-border collaboration between Finland and Sweden. Highlighted brands included Nola, known for inclusive public-space furniture, and Ihreborn, recognised for its sustainable production practices. NK INTERIOR — STAY CURIOUS Another remarkable exhibition was organised by NK Interior, featuring works by some of today’s most innovative designers. Titled Stay Curious, the showcase emphasised experimentation and artisanal skill. Highlights included the glassworks of Lisa Hilland, blown-glass lamps by SEKT, and the installation Forest by Mimmi Blomqvist. LAMMHULTS DESIGN GROUP The newly opened Lammhults Design Group showroom brings together the brands Lammhults, Abstracta, Fora Form and Ragnars under the concept Scandinavian Design. Multiplied. Led by CEO Susanna Hilleskog, the group presents its portfolio in inspiring environments, highlighting each brand’s identity while positioning design as a holistic solution. FERM LIVING Ferm Living unveiled its new collection, Imperfectly, Perfect, at the Nordic Nest Stockholm exhibition. The collection responds to evolving homes and daily routines, featuring the sculptural Orbo lounge chair, Kiru glassware crafted using the Japanese Kurinuki technique and the Aukko coffee table. It reflects Ferm Living’s focus on tactile materials, refined craftsmanship and functional versatility. LOUIS POULSEN At the Nordic Nest exhibition, Louis Poulsen celebrated the centenary of Verner Panton by reissuing the iconic Panthella lamp in its five original 1970s colours. “A deliberate choice,” explains Bank Bergström, CEO of the Nordic Nest Group, “intended to reconcile two complementary tendencies among our customers: the desire to acquire timeless design classics imbued with strong emotional value, and the wish to experiment with new colours. For us, it is an ongoing challenge to strike the right balance between heritage and innovation.” MIZETTO Two further events particularly captured our attention. The inauguration of the new showroom of Mizetto reflects a clear and forward-looking vision. As founders Malin Muskala and Richard Muskala explained, the intention is “to explore how furniture can function as systems, how flexibility can be architectural, and how design can create structure without limiting possibility.” STOCKHOLM CREATIVE EDITION Last but not least, Stockholm Creative Edition brought together designers and brands through an experimental exhibition format. The new edition offered a dynamic platform enriched by several promising names to watch, including Jenny Kästel of DRY STUDIOS, Myrsini Alexandridi, Mattsson Marnell and Studio Navet. We are confident that we will be hearing much more from them in the near future.

November 2024 | Art & Culture TURKISH BELOW TIME to GET to KNOW LISBON ART WEEKEND words Onur Baştürk Lisbon is one of those cities you’ll want to visit again and again. Each trip reveals a different side, a new neighborhood to explore. This is the essence of Lisbon Art Weekend (LAW), held from November 7-10: an invitation for everyone to discover a new, contemporary art-focused Lisbon. Now in its 6th edition, LAW brings together over 200 artists across more than 40 venues for a four-day experience of contemporary art. One of LAW’s key missions is to energize Lisbon’s artistic ecosystem. With major museums and cultural institutions joining the event for the first time, this year’s edition promises to be the largest and most inclusive LAW to date. Let’s hear all the details from LAW’s founders, Merve Pakyürek and Marc Kean Paker, with Yuzu Magazine proudly supporting as a media partner. INCLUSIVITY AND ACCESSIBILITY How did the idea of creating an organization like LAW come about? The concept for Lisbon Art Weekend (LAW) was born out of a desire to make contemporary art in Lisbon more accessible and engaging on a broader scale. We saw that while the city had a vibrant and diverse art scene, it lacked an open event format to connect everything. Inspired by the "Gallery/Art Weekend" model from various European cities, our vision was to create a decentralized event that invites people to explore Lisbon’s art spaces, neighborhoods, and venues, allowing them to experience contemporary art in the context of the city itself. What are LAW’s characteristics and criteria? Inclusivity and accessibility are at the heart of LAW. We’re open to a wide range of art spaces, from commercial galleries to nonprofit institutions, artist-run initiatives, and museums. Our goal is to reflect the diversity and richness of contemporary art, and our selection committee, composed of art professionals, assesses each applicant to ensure a vibrant mix of perspectives and experiences. This openness is what gives LAW its unique and dynamic character, enriching the dialogue around contemporary art in Lisbon. LAW IS INTENTIONALLY DIFFERENT FROM LARGE COMMERCIAL FAIRS What sets LAW apart from major commercial art fairs like Frieze or Art Basel? LAW is intentionally different from large commercial fairs. Unlike Frieze or Art Basel, which are often commercially driven and held in centralized venues, LAW is designed to be decentralized, nonprofit, and free to attend. It encourages people to explore Lisbon’s neighborhoods and experience art in an authentic environment, rather than in a confined fair setting. We want LAW to be an open invitation for everyone to experience contemporary art without the high costs or pressures that sometimes come with major fairs. This creates a more welcoming, intimate atmosphere that fosters genuine engagement with both the art and the city itself. Did you specifically want LAW to be held in galleries or art-oriented spaces around the city, rather than in a single area like other fairs? Could this change in the coming years? Yes, this format was a deliberate choice. Lisbon’s unique neighborhoods and diverse spaces add to the experience. By scattering venues throughout the city, we encourage people to explore different parts of Lisbon and discover places they might not have visited otherwise. While there’s always room for change, we believe that the decentralized structure is fundamental to LAW’s identity. Can you highlight some standout features of this year’s LAW? The 2024 edition of LAW is our largest yet, featuring over 70 events across more than 40 venues, including participation from some of Lisbon’s major cultural institutions. For the first time, places like CAM - Centro de Arte Moderna Gulbenkian and MAAT are joining us, offering exclusive programming. Importantly, every event remains free of charge, underscoring our commitment to making contemporary art accessible to all. How long have you been living in Lisbon? How does the contemporary art scene here compare to that of other European cities? We’ve been part of Lisbon’s art scene since 2016, so we’ve had the opportunity to watch it grow and evolve. Lisbon’s contemporary art scene has a distinct character compared to other European cities; it’s approachable, unpretentious, and filled with creative energy, fostering a more intimate and genuine exchange between artists, galleries, and collectors. This atmosphere has greatly supported LAW’s growth, as Lisbon’s art community is open and collaborative. We believe this unique environment is what makes Lisbon such an inspiring place for LAW and for contemporary art in general. LISBON ART WEEKEND’i YAKINDAN TANIYIN Bir kez gittikten sonra defalarca gitmek isteyeceğiniz şehirlerden biri Lizbon. Çünkü her seferinde farklı bir yanını, mahallesini keşfetmek mümkün. 7-10 kasım tarihleri arasında düzenlenecek Lisbon Art Weekend’in (LAW)çıkış noktası da bu: Herkesi çağdaş sanat odaklı bir başka Lizbon’u keşfetmeye davet ediyor… Bu yıl 6’ıncı edisyonu yapılacak LAW, 40'tan fazla mekanda 200'den fazla sanatçıyı dört günlük bir çağdaş sanat deneyimi için bir araya getiriyor. Misyonlarından biri de Lizbon’un sanatsal ekosistemini canlandırmak… Bu yıl önemli müze ve kültür kurumlarının da ilk kez etkinliğe katılmasıyla Lizbon bugüne dek yapılan en kapsayıcı ve büyük LAW edisyonuna sahne olacak. Yuzu Magazine’in de medya partneri olarak destek verdiği LAW’la ilgili tüm detayları etkinliğin kurucuları Merve Pakyürek ve Marc Kean Paker’den dinleyelim… KAPSAYICILIK VE ERİŞİLEBİLİRLİK LAW gibi bir organizasyon oluşturma fikri nasıl ortaya çıktı? Lisbon Art Weekend (LAW) konsepti Lizbon'daki çağdaş sanatı daha geniş bir ölçekte erişilebilir ve ilgi çekici hale getirme arzumuzdan doğdu. Kentin canlı ve çeşitlilik içeren bir sanat ortamına sahip olduğunu, ancak tüm bunları birbirine bağlayabilecek açık bir etkinlik formatından yoksun olduğunu gördük. Avrupa'daki şehirlerin Gallery/Art Weekend konseptinden esinlenerek, insanları Lizbon'un sanat alanlarını, mahallelerini ve mekanlarını keşfetmeye ve çağdaş sanatı şehrin kendi bağlamında deneyimlemeye davet eden, merkezi olmayan bir etkinlik yaratmak istedik. LAW'ın özellikleri ve kriterleri neler? LAW'ın merkezinde kapsayıcılık ve erişilebilirlik yer alıyor. Ticari galerilerden kâr amacı gütmeyen sanat kurumlarına, sanatçı inisiyatiflerinden müzelere kadar geniş bir yelpazedeki sanat alanlarına açığız. Çağdaş sanatın çeşitliliğini ve zenginliğini yansıtmak istiyoruz. Sanat profesyonellerinden oluşan seçici kurulumuz her başvuruyu değerlendiriyor. Bu yaklaşım zengin bir perspektif ve deneyim çeşitliliği sağlayarak Lizbon'daki çağdaş sanat söylemi içindeki diyaloğu geliştiriyor. Bu açıklık LAW’a perspektif kazandıran en önemli unsur. LAW, BÜYÜK TİCARİ FUARLARDAN BİLİNÇLİ OLARAK FARKLI LAW'ı Frieze ya da Art Basel gibi büyük ticari sanat fuarlarından ayıran nedir? LAW, büyük ticari fuarlardan kasıtlı olarak farklı. Daha ticari odaklı olan ve genellikle merkezi mekanlarda düzenlenen Frieze ve Art Basel’ın aksine LAW, merkezi olmayan, kâr amacı gütmeyen ve katılımı ücretsiz olacak şekilde tasarlandı. İnsanları Lizbon'un mahallelerini keşfetmeye ve sanatı kapalı bir fuar ortamından ziyade organik ortamında deneyimlemeye teşvik ediyor. LAW'ın, büyük sanat fuarlarının getirdiği yüksek maliyetler veya baskılar olmadan herkesin çağdaş sanatı deneyimlemesi için bir davet olmasını istiyoruz. Bu yaklaşım, sanatla ve şehrin kendisiyle gerçek bir etkileşimi vurgulayan daha sıcak ve samimi bir ortam yaratıyor. LAW'ın tek bir alanda değil de, şehrin dört bir yanındaki galeriler ve sanat odaklı alanlarda yapılmasını özellikle mi istediniz? Önümüzdeki yıllarda bu durum değişebilir mi? Bu formatı bilinçli seçtik. Lizbon'un şehir manzarası, kendine özgü mahalleleri ve mekanları bu deneyime katkıda bulunuyor. Mekanların şehrin dört bir yanına dağılmış olması, insanları Lizbon'un farklı bölgelerine gitmeye ve başka türlü ziyaret edemeyecekleri alanları keşfetmeye teşvik ediyor. Bu merkezi olmayan yapının LAW'ın kimliğinin odağında yer aldığını düşünüyoruz. Bu yılki LAW'ın öne çıkan özellikleri neler? LAW'ın 2024 edisyonu Lizbon'daki önemli kültür kurumlarının katılımıyla 40'tan fazla mekanda 70'in üzerinde etkinliğin yer aldığı şimdiye kadarki en büyük edisyonumuz. İlk kez CAM - Centro de Arte Moderna Gulbenkian ve MAAT gibi mekanlar özel programlar sunarak katılıyor. Ayrıca, çağdaş sanatı herkes için erişilebilir kılma sözümüzü bir kez daha teyit ederek her etkinlik ücretsiz olarak gerçekleştirilecek. Ne kadar zamandır Lizbon'da yaşıyorsunuz? Lizbon'daki çağdaş sanat ortamı diğer Avrupa şehirlerine kıyasla nasıl? 2016'dan bu yana Lizbon'un sanat ortamına dahiliz. Dolayısıyla bu ortamın büyüdüğünü ve geliştiğini görme şansımız oldu. Lizbon'un çağdaş sanat ortamı diğer Avrupa şehirlerine kıyasla farklı bir havaya sahip; ulaşılabilir, gösterişsiz ve yaratıcı enerjiyle dolu. Bu da sanatçılar, galeriler ve koleksiyonerler arasında daha samimi ve otantik bir alışverişe olanak sağlıyor. Lizbon'un sanat topluluğu açık ve iş birlikçi olduğu için bu ortam LAW'ın gelişimini gerçekten destekledi. Lizbon'u LAW ve genel olarak çağdaş sanat için böylesine ilham verici bir yer haline getiren şeyin bu kendine özgü atmosfer olduğuna inanıyoruz.

January 25, 2026 | PEOPLE NADER GAMMAS in PURSUIT of LIGHT words Onur Basturk photos Courtesy of Nader Gammas (Portrait / Ben Cope) Trained as an architect, Nader Gammas treats light as an architectural material—one that defines structure, space, and atmosphere.Born in the United States and shaped by his Syrian roots, his practice is informed by an architectural education and a deep sensitivity to how light conditions experience. Since his debut at Art Dubai in 2017, Gammas has developed a restrained yet expressive language in which light operates not as an addition, but as a primary architectural act—shaping space through presence rather than ornament. FROM ARCHITECTURE TO ILLUMINATION Your work often sits between sculpture and function, with light taking on an architectural role. When did lighting become your primary medium? While working on a private residence, I realized that a single lighting element could both solve the functional need for illumination and act as a sculptural presence within the space. That moment clarified how light could carry both purpose and expression at once. You’ve described your process as reducing architecture to structure and light. How does this idea continue to shape the way you design today? Architecture demands discipline, and lighting follows a similar logic. Recently, I’ve been pushing further into organic inspirations, but always within an architectural framework. Structure remains essential—it’s what allows experimentation to stay grounded. MATERIAL, CRAFT, AND TOTEM Totem (2025), commissioned by Bottega Veneta for NOMAD Abu Dhabi, translates the Intrecciato language into light. How did you approach reinterpreting a fashion house’s craft heritage through material and form? Totem distills the essence of Bottega Veneta’s Intrecciato weave into a sculptural, architectural form. By deconstructing the weave and rebuilding it vertically, the piece reinterprets the house’s language while remaining rooted in its identity. Each hand-cut ceramic block amplifies the Foulard and Bombé variations of the weave. Matte and glossy finishes echo the shifting textures of leather, subtly disorienting the viewer. Structured around a steel spine, the work sits between sculpture and function, revealing layers of craft, material, and light. Ceramics play a central role in Totem. What draws you to this material, and how do you work with its tactile, imperfect nature at an architectural scale? I’m deeply fascinated by ceramics at the moment. It’s a material that invites experimentation and allows me to push toward what comes next. I began this exploration with Vessels. With Totem, the aim was to offer immediate visual clarity, while leaving deeper layers of meaning to unfold over time—an encounter shaped equally by instinct and intention. TIMELESSNESS IS A BELIEF THAT UNDERPINS MY WORK Your pieces often feel both ancient and contemporary at once. Is this sense of timelessness something you consciously pursue, or does it emerge naturally through making? Timelessness is a belief that underpins my work. I try to place myself in the mindset of those who came before us, whose design thinking wasn’t driven by micro-trends but by a broader understanding of life and continuity. Atmosphere is a defining quality of your work. When beginning a new piece, do you start with a specific mood in mind, or does it develop through experimentation? There is always a mood in mind from the start. It’s a conscious decision, because it ultimately defines the piece. My work has often leaned toward darker, heavier atmospheres, but recently I’ve been moving toward something brighter and lighter. DUBAI’S REGIONAL HISTORY IS RELATIVELY SPARSE You’re currently collaborating with designers such as Kelly Wearstler and Stephen Sills. What makes a collaboration meaningful for you, and how do these exchanges influence your practice? I value collaborations, particularly with experienced designers. They often introduce ideas I hadn’t previously considered, opening new ways of thinking. I now see my work as a series of seeds—starting points that others can take further. Having lived and worked across different geographies, you’re now based in Dubai. How does place—past and present—continue to inform your design language? Dubai’s regional history is relatively sparse, and that absence is liberating. The lack of a dominant architectural precedent allows for a more open dialogue and a greater freedom to explore new possibilities.