March 2023 | Design & Interiors | Vol 9 SIMON LEGALD THE PURSUIT OF HONEST DESIGN words | Onur Baştürk B it made of recycled plastic, Allez which refers to the French bistro culture, Porta the cool table lamp, Eddy whose lighting I also admire, Era consisting of lounge chairs, Circus the colorful pouf series and, of course, Form, the series that introduces them the most. Oh, and then there are the Phantom lamps and Jalousi the rolling cabinet series. Of course, I cannot list them all. Because there are many products that Danish designer Simon Legald has designed for Normann Copenhagen. Simon has something to say about his designs: “For me, simplicity defines the true identity of objects and makes them credible. I try not to add unnecessary details to my designs”. That’s why I avoid formulating long sentences and let Simon do the talking. THIS IS MORE LACK OF IMAGINATION I would like to start with the Form series you designed in 2014. We have seen later copies of the chair, the first product in the series, or those inspired by it. Could it be that what makes a design memorable and successful can also be copied? Copying a product does not mean it’s something that will be remembered. I do not think so. Only time will tell. But it is definitely an indication that the design is successful. The main reason to copy a product has to do with money. They see that the product is selling well. The easiest way to replicate that sale is to cheat. I think this is more a sign of a lack of imagination. When you designed Form, you studied hundreds of chair designs from different years. Which elements have evolved and which have remained constant in the design of the chairs? The shell of the chairs has improved greatly in the process to provide more comfort. But the binding of the legs and the feeling of being “one piece” remained the sole focus throughout the process. Your “Bit” series is my favorite recycled plastic design. What was the origin of “Bit”? For this series, I had to speak to a factory that has been working on this material for nearly 20 years, but was never very interested in it. I thought there might be a way to use this material for simple functionality. So I came up with a product where the material is the main focus. I recently released a similar collection, Pix Lamp. A series of spherical pendant lamps made from a combination of recycled plastic waste. ALLEZ TOOK A LOT OF TIME Danish design is often characterized by minimalism and functionality. In the design of the Allez chair, you reference French city life and bistro culture... I love the French bistro atmosphere! Time seems to stand still when you walk into an old classic café in Paris. Allez is, of course, a modern interpretation of the old. It is also a tribute to France. Allez can be used both indoors and outdoors. Was it difficult to do this? How did you find a middle ground in the material to make it bifunctional? Yes, it was difficult in terms of engineering. It took a lot of time. Indoor and outdoor materials have been put together countless times. Meanwhile, all the chair materials can be disassembled and transported in packages to keep the carbon footprint low. What is your relationship with coffeehouse culture? I do not go to cafes much anymore. When I have time, I like to brew my own coffee. Is the design of the chair you sit on in a restaurant important to you, or is it comfortable? Both! The design is the first thing you see that draws you to the product. But it does not really serve its purpose if it’s not comfortable. THE 1950s IS INSPIRING I read it in your interview. You say, “Honesty makes a product understandable and defines its functionality”. Does honesty mean avoiding unnecessary details? Yes, more in the sense that I avoid unnecessary things. For me, details are part of the product. For example, fx stitches in furniture are needed and can be done in many ways. So I try to work with the details given. I focus on the product and the material rather than adding something just for the sake of aesthetics. What design are you working on right now? When will we see this work? There are a lot of interesting things. I spend a lot of time working on sustainable materials especially. I will have interesting news during the “3daysofdesign” that will take place in Copenhagen from June 7 to 9, 2023! What about your favorite design hotel? I love the citizenM. The colors are fresh and not garish. Is there a time that inspired you? 1950s! An era of furniture design that has a lot to offer. Designer pieces from that era are still relevant today. That’s also inspiring. Creating a design that will last generations is the most sustainable way. for more Print VOL IX - 2023 Out of Stock Add to Cart No product

May 2025 | DESIGN & INTERIORS a LIGHT-FILLED CLASSIC words Karine Monie photos Damir Otegen interior design Mazurina Design interior stylist Aigerim Mamyraliyeva Designed by Oxana Mazurina of Mazurina Design, this sunlit, Scandi-inspired residence in Almaty redefines classic elegance with a modern, livable spirit. Tucked away in a quiet neighborhood not far from Al-Farabi Avenue—the main artery of Almaty, Kazakhstan—this three-story home radiates understated sophistication. Designed for a vibrant family, it blends neoclassical architecture with the cozy minimalism of Scandinavian style, offering a fresh take on timeless design. When the homeowners first approached Oxana Mazurina, their vision was clear: a neoclassical home bathed in natural light, layered in soft, clear tones, and filled with cozy, tactile materials. DESIGN HIGHLIGHTS 1- A Welcoming Living Room: The heart of the home features a sculptural fireplace nestled between stately oak bookshelves, setting a cozy, grounded tone. Soft, curved furnishings and playful details amplify the relaxed yet polished atmosphere. 2- The Kitchen as a Family Hub Anchored by a Swedish-made dining table and a breakfast island, the kitchen flows naturally into a sunlit terrace—a seamless connection between indoors and out. 3- A Breath of Fresh Air Thanks to double-height ceilings and expansive windows, natural light fills every corner, reinforcing the home's sense of openness and calm. A FOUR-YEAR PAUSE — AND A FRESH START Midway through construction, life took an unexpected turn: a career opportunity moved the family to Astana, halting the project for four years. When they returned to Almaty, with a new baby in the family, the house's design needed refreshing. "The biggest challenge was revisiting everything—plans, shopping lists, even a warehouse full of materials—after so much time had passed," Mazurina recalls. Tastes had evolved, too. "We decided to simplify the interiors, introducing more modern elements while staying true to the original vision." MATERIAL CHOICES Designed to accommodate a large family—including five children—the home is built on a foundation of durability and functionality: - Floors: Natural parquet, soft and easy underfoot - Kitchens: Quartz agglomerate countertops - Bathrooms: Porcelain stoneware and Victorian mosaics from FAP Ceramiche, marble benches and shower trays - Walls & Ceilings: Moisture-resistant paint for longevity COLOR STORY: SCANDINAVIAN SERENITY Mindful of both personal preferences and future flexibility, the homeowners opted for a calming palette: soft grays, warm beiges, pure whites, and muted greens dominate the interiors, echoing the serene tones of Scandinavian design. FINAL IMPRESSION With its marriage of classic structure and fresh Scandinavian spirit, this Almaty residence is a masterclass in how thoughtful design can bridge elegance and everyday life.

January 2023 | Design & Interiors english below Snøhetta’nın son projesi Bolder D ört kabinden oluşan The Bolder, Norveç'in batı kıyısındaki Lysefjorden'in kenarında yer alıyor. Norveçli mimarlık ofisi Snøhetta’nın projesi olan Bolder, çevredeki doğa ile mümkün olan en iyi şekilde uyum sağlamak ve iç mekanla dış mekan arasındaki çizgiyi bulanıklaştırmak için tasarlanmış. Doğa üzerinde minimum ayak izi bırakan Bolder, manzaraya uyum sağlayacak şekilde inşa edilmiş. Snøhetta's latest project: Bolder C onsisting of four cabins, The Bolder is located on the edge of Lysefjorden on Norway's west coast. Bolder, the project of Norwegian architecture firm Snøhetta, was designed to blend in with the surrounding nature in the best possible way and to blur the line between indoor and outdoor. Bolder, which leaves a minimal footprint on nature, was built to blend in with the landscape.

August 4, 2025 | VOL 15 SAND: the SILENT STORYTELLER words Alp Tekin photos Courtesy of Karim+Elias Have you ever found yourself drifting into the endless expanse of the desert landscape? If so, you might sense a similar feeling in the sand-focused design explorations of Karim+Elias, the Dubai-based studio founded by Karim Tamerji and Elias El Hage. Why is your design focus on desert sand? Is it solely related to the geography you live in, or are there other reasons as well? Our studio’s work is essentially built on two interconnected narratives: adopting a local material with cultural significance—desert sand—and preserving an ancient artisanal technique—rammed earth. Founded in the UAE in 2022, our studio’s vision has been deeply influenced by the geography of the Arab region, particularly its vast desert landscapes. Sand is an ever-present element in this environment, carrying a profound historical, cultural, and symbolic significance. We saw this as an opportunity worth exploring and asked ourselves: "How can we honour the region’s most abundant natural material in a way that bridges cultural and geographical boundaries?" We began by working with Dubai’s landscape, crafting earthen works and spatial experiences inspired by the country’s terrain. Today, our practice is expanding into neighbouring Arab nations such as Saudi Arabia, Qatar, and Jordan, continuing to explore the material’s potential across the region. Did everything start with the success of your installation at Downtown Design 2022? If that hadn’t happened, would sand still be your primary material? Sand has become the defining 'material of meaning' for the studio. Beyond Downtown Design, we have always been committed to celebrating this art form in diverse ways. Can we define the essence of your designs as sculpting with sand? Or how would you describe it? Through creative exploration, we have developed a distinct approach to working with rammed earth, with the goal of preserving and evolving the ancient art of "sculpting with sand." Much like the traditions of marble sculpting or wood carving, we see ourselves as revivalists—honouring a time-honoured craft while reimagining it through a contemporary lens. OUR UPCOMING INSTALLATIONS FOLLOWING ‘THE DESERT RELICS’ (2024) WILL EXPLORE NEW NARRATIVES, INSPIRING FRESH DESIGN INTERPRETATIONS ROOTED IN THE DESERT LANDSACEPE Do you mostly work with spherical forms? Will you explore other shapes in the future? Each project dictates the evolution of our craft. The challenges that arise push our R&D forward, allowing us to explore new ways of expressing form, colour, and function through our material. With both 'IOTA' (2022) and 'From This Earth' (2024), our large-scale public art installations, we explored modular spheres, experimenting with geometry, texture, and structural composition. These projects helped us transform what is traditionally perceived as a heavy material into something that appears light, soft, and contemporary. Looking ahead, our plans include further art installations and architectural interventions across the Arab region, as well as new product designs currently in development. In the art domain, our upcoming installations following ‘The Desert Relics’ (2024) will explore new narratives, inspiring fresh design interpretations rooted in the desert landscape. In architecture, we are pushing the material further with Sand Skins, introducing rammed earth as a refined interior and exterior surface finish, as thin as 7 cm where required. We have experimented with smooth, fluted, and organic textures across various projects, each offering its own distinct artistic expression. Over the next year, we look forward to unveiling installations for both private and commercial spaces. Are your creations purely collectible designs, or do you also create functional pieces like furniture? This year, we launched our first-ever product design line, The Desert Drop series. The collection begins with a grand coffee table, crafted from sand droplets and melted glass—a design inspired by the fluidity of oasis water. The series will expand to include wall sconces and vases, offering more accessible, sculptural pieces for stylists, designers, and homeowners. WE TAKE GREAT PRIDE IN DESERT LANDSCAPES AND THE MEANING THEY BRING TO OUR WORK I’m curious about your technique—how do you work with sand? And what are the challenges of working with it? The process is simple yet precise. We create each piece using a proportioned mix of local earth, clay, and water, compacted into sedimentary layers within custom-made moulds. Whether for an object, a sculpture, or an architectural wall, all materials are locally sourced and naturally pigmented in a diverse range of earthen tones. One of the main challenges is manipulating a heavy material to achieve softer, more organic geometries—creating the illusion of weightlessness and fluidity while maintaining structural integrity. How does the desert make you feel? We take great pride in desert landscapes and the meaning they bring to our work. Their simplicity is a humbling reminder of the region’s heritage and our primal connection to the earth. Spending time in the desert or by the seaside—which would you choose? Both! Especially in a rare and special place like Khor Al Adaid in Qatar, where the desert meets the sea in a breathtaking natural harmony. for more Print VOL XV - 2025 Out of Stock Add to Cart

December 2024 | Art & Culture FOR TURKISH RALPH PUCCI’s MIAMI MOMENT: a SHOWCASE of BOLD DESIGN words Matteo Pazzagli A Quick Reminder for Those Who Might Have Missed It During the Art Basel Miami Rush: RALPH PUCCI, during Art Basel Miami Beach, unveiled Primal Mysteries—its first in-house collection in nearly a decade. If you missed the buzz, the exhibition continues at the brand’s striking new 10,000-square-foot gallery in Wynwood, which opened in December 2023. The gallery features fresh creations by the studio’s Manhattan-based sculptors, alongside vibrant contributions from collaborators Marjorie Salvaterra and Patrick Naggar. A JOURNEY TO THE ROOTS OF CREATIVITY Primal Mysteries is more than a furniture collection—it’s a homage to the timeless essence of art. Drawing inspiration from modernist masters like Giacometti and Brancusi while paying tribute to ancient cultural expressions, the pieces exude a raw, handcrafted energy. The focus? Sculptural lighting and tables that are grounded yet refined. Each piece is crafted by hand at RALPH PUCCI’s Manhattan studio. Standouts like the Giant Mask and Primal Chandelier offer a refreshing antidote to today’s overly digital world with their tactile, earthy vibe. MARJORIE SALVATERRA California-based photographer Marjorie Salvaterra, known for her ability to explore the multifaceted roles demanded of women through black-and-white imagery, surprises with Sheila in Technicolor. This surreal series drenched in bold, commanding hues delves into the complexities and contradictions of modern womanhood. PATRICK NAGGAR A longtime RALPH PUCCI collaborator, Patrick Naggar once again demonstrates why he’s a design icon. Known for blending historical and cultural references with modern aesthetics, Naggar’s contributions include fresh tones for his Amalfi and Positano chairs, alongside elegant new designs like the Floral Chandelier and Twisted Stem Wall Sconces.

September 2024 | Art & Culture TURKISH BELOW FOR the 2nd time ALCOVA in MIAMI words Onur Baştürk H eld every year during Milan Design Week, Alcova is one of the leading platforms for forward-looking contemporary design. When I went to the last edition of Alcova, the long lines I saw in front of the two buildings where the event takes place are the best proof that the platform is growing. And so Alcova, founded by Valentina Ciuffi (Studio Vedèt) and Joseph Grima (Space Caviar), returns to Miami for its second international edition, which will take place during Miami Art Week, December 3-8. Building on the success of its inaugural Miami edition, this year's Alcova Miami will take place at the city's oldest hotel, the River Inn on South River Drive Historic District in East Little Havana. Originally built in 1908 as a Victorian boarding house, the River Inn consists of pastel-colored wooden mansions with a carefully preserved historic side. Now located in the heart of one of Miami's most vibrant neighborhoods, the property combines its historic charm with a location that is easily accessible from both Miami Beach and downtown Miami. “We are thrilled to bring Alcova back to Miami,” said Alcova founders Valentina Ciuffi and Joseph Grima. “River Inn, with its unique history and vibrant community atmosphere, encapsulates the spirit of Alcova's mission to create dynamic platforms which celebrate the architectural legacy of the cities we work in. Miami’s unique urban fabric and architectural heritage continue to inspire us – and the designers who make up the Alcova community”. ALCOVA ikinci kez MIAMI’de H er yıl Milano Tasarım Haftası sırasında yapılan Alcova, ileriye dönük çağdaş tasarımın önde gelen platformlarından. Alcova’nın en son edisyonuna gittiğimde etkinliğin gerçekleştiği iki bina önünde gördüğüm sonu görünmeyen uzun kuyruklar, platformun giderek büyüdüğünün en önemli kanıtıydı. Ve işte, Valentina Ciuffi (Studio Vedèt) ve Joseph Grima (Space Caviar) tarafından kurulan Alcova, 3-8 Aralık tarihleri arasında Miami Art Week sırasında gerçekleşecek ikinci uluslararası edisyonu için Miami'ye yeniden dönüyor. İlk Miami edisyonunun başarısı üzerine inşa edilen Alcova Miami, bu yıl şehrin en eski oteli olan East Little Havana'daki South River Drive bölgesindeki River Inn’de yapılacak. 1908 yılında Viktorya dönemine ait bir pansiyon olarak inşa edilen River Inn, tarihi yanı özenle korunmuş pastel renkli ahşap konaklardan oluşuyor. Şu anda Miami'nin en canlı mahallelerinden birinin kalbinde yer alan tesis, tarihi cazibesini hem Miami Beach'ten hem de şehir merkezinden rahatlıkla ulaşılabilecek bir konumla harmanlıyor. Alcova'nın kurucuları Valentina Ciuffi ve Joseph Grima, ‘Alcova'yı Miami'ye geri getirdiğimiz için çok heyecanlıyız’ diyor. ‘River Inn, eşsiz tarihi ve canlı atmosferiyle, Alcova'nın yapıldığı şehirlerin mimari mirasını kutlayan dinamik platformlar yaratma misyonunu yansıtıyor’.

August 2024 | Art & Culture TURKISH BELOW LUKE EDWARD HALL ‘I ALWAYS want MY WORK to have that POETIC FEELING’ words Onur Baştürk T he Breeder, one of Athens' leading art galleries, has opened an exhibition of new drawings by British artist and designer Luke Edward Hall at the Old School of Chora in Patmos, described as 'a celebration of life'. In 'I Walk Over the Mountains and the Waves', Hall captures a seductive, mystical energy inspired by island life. We spoke to Luke Edward Hall about the exhibition and, of course, about the romanticism that is indispensable to him. How would you like to define yourself? I try to keep it simple: I say that I am an artist, designer and columnist, and I work on a variety of projects, from painting, drawing and murals to interior and clothing design. I try not to worry too much about labels. I take on projects that excite me. I would like to ask you how your island life inspired your new series of drawings that will be exhibited in Patmos. Patmos is also an island with a strong spiritual identity. How is this reflected in your drawings? It felt only natural to respond to Patmos being considered the most spiritual of Greek islands, and its connections to the New Testament. I spent time looking at photographs of items held in the collection of the Monastery of St. John the Theologian. I looked at how certain saints, such as George, have been portrayed throughout history. I wanted to explore how I might represent some of these figures; I liked the idea of giving them a softer, perhaps more human appearance. Your drawings in the exhibition feature saints and angels as well as ordinary people (swimmers, fishermen, etc.). Did you specifically want to juxtapose the spiritual and mythical with ordinary and normal people? Absolutely – I have painted saints and archangels alongside fishermen, swimmers and mythological figures. Twilight island street scenes sit next to drawings of sun-bleached coves, the legendary poet Orpheus plays his flute in the shade of an ancient olive tree. I always work in this way: mixing the everyday and the commonplace with the mythical – the juxtaposition I enjoy, and this juxtaposition is exactly what appeals to me about places such as Patmos – this combination of natural earthiness with something higher, holier, perhaps even magical. The title of the exhibition is an homage to the famous Romantic poet Percy Bysshe Shelley's "Hymn to Apollo". Could you tell us a little about this connection? Why this poem? Apollo is linked with Patmos – legend says that the island sunk into the sea and that Artemis, with the help of Apollo, managed to persuade Zeus to bring the island back to the surface. I am a big fan of the English Romantic poets and their focus on nature and the imagination. (Plus, of course, the Romantic poets loved classical Greece.) Shelley’s Hymn of Apollo is remarkably intense; it shimmers with light. This particular line from the poem sort of jumped out at me – I loved its simplicity, its boldness, and its linking of the landscape with the ever-present island-surrounding sea. I spent time playing around with different titles for the show but I kept coming back to this line. It feels like an affirmation. BEING ROMANTIC IS OF COURSE POSSIBLE There is also a Jean Cocteau atmosphere in your drawings. Would you agree? I’m a big Cocteau fan and I particularly enjoy his murals. Cocteau of course took much inspiration from mythology, and he made work that still to this day feels incredibly imaginative and poetic. I like the romantic feeling in your drawings. Do you think it is possible to be romantic nowadays? Or has romance died out? Of course it’s possible! Yes, I am a Romantic. I always want my work to have that poetic feeling. I think it has to do with the way I look at the world. I look at the universe around me and the work I do - paintings, drawings, clothes, interiors - through the same lens. I have a sensitive approach, but I'm also in love with colour, pattern, ornamentation and decoration. I am driven by the need to tell stories, to weave stories together... I make a patchwork with all the different things I do. That's how I see my work as a whole. When I say I'm a Romantic, I really mean that it's about mythologising the world around me, reveling in my imagination and my emotions, and also having a deep love and appreciation of (and connection with) nature. I LOVED LAMPI BEACH AND THE RESTAURANT THERE. What do Patmos mean to you? When did you discover Patmos for the first time? I’ve really enjoyed creating work inspired by a place that, until early August when I visited Patmos for the first time, has existed only in my imagination. There has been a pureness about the research and the process – whilst drawing, many tales I have heard from friends who have visited the island were dancing around my head and mixing with myths and legends, religious stories and imagined pictures – a curious melting pot which left me feeling wonderfully free. What are your favorite places on Patmos? Every morning during our recent trip my husband Duncan and I would go down to Petra beach for a quick swim followed by a breakfast on the rocks of yoghurt with honey and watermelon with feta. It became a really nice ritual and the perfect way to begin the day. Lampi beach I loved too – we went for lunch at the brilliant taverna there a couple of times. éla!, a farm and kitchen, is a lovely spot, hidden away in a pastoral valley. The owners are doing something super exciting I believe, celebrating the harvest from their farm and cooking on hand-crafted stone grills. It’s a very joyful place. LUKE EDWARD HALL’ın PATMOS DÜŞLERİ A tina’nın önde gelen sanat galerilerinden The Breeder, Patmos'taki Old School of Chora'da İngiliz sanatçı, tasarımcı ve aynı zamanda Financial Times köşe yazarı Luke Edward Hall’ın yeni çizimlerinden oluşan ve “bir yaşam kutlaması” olarak nitelenen bir sergi açtı. “I Walk Over the Mountains and the Waves” adlı sergide Hall, ada yaşamından esinlenerek baştan çıkarıcı mistik bir enerji yakalıyor. Luke Edward Hall ile bu sergiyi ve tabii onun vazgeçilmez özelliği olan romantizmi konuştuk. Luke, kendini nasıl nasıl tanımlamak istersin? Sanatçı, tasarımcı, yaratıcı yönetmen? Basit tutmaya çalışıyorum. Sanatçı, tasarımcı ve köşe yazarı olduğumu söylüyorum. Resim, çizim ve duvar resimlerinden iç mekan ve giysi tasarımına kadar çeşitli projeler üzerinde çalışıyorum. Etiketler hakkında kaygım yok. Beni heyecanlandıran projeleri üstleniyorum. Patmos’taki serginde ada yaşamından nasıl ilham aldın? Patmos, ruhani kimliği ön planda olan bir ada. Çizimlerine bu nasıl yansıdı? Yunan Adaları’nın en ruhani olanı olarak kabul edilen Patmos ve onun Yeni Ahit'le olan bağlantılarını keşfetmek doğal bir süreçti. St John Manastırı koleksiyonundaki eşyaların fotoğraflarına bakarak epey zaman geçirdim. George gibi azizlerin tarih boyunca nasıl tasvir edildiklerine baktım. Bu figürlerden bazılarını nasıl temsil edebileceğimi keşfetmek istedim. Onlara daha yumuşak, daha insani bir görünüm verme fikri hoşuma gitti. Sergideki çizimlerinde aziz ve meleklerin yanı sıra sıradan insanlar (yüzücüler, balıkçılar gibi) yer alıyor. Ruhani olanla sıradan insanları yan yana getirmeyi özellikle mi istedin? Kesinlikle! Balıkçı, yüzücü ve mitolojik figürlerin yanı sıra azizleri ve baş melekleri de resmettim. Ayrıca alacakaranlık ada sokakları güneşten ağarmış koyların yanında yer alıyor. Efsanevi şair Orpheus eski bir zeytin ağacının gölgesinde flütünü çalıyor. Her zaman bu şekilde çalışırım. Gündelik ve sıradan olanı efsanevi olanla karıştırırım. Bu yan yana getirme fikri Patmos gibi yerlerde daha cazip hale geliyor. Doğal dünyeviliğin daha kutsal, hatta belki de büyülü bir şeyle birleşimi gibi… Serginin başlığı ünlü romantik şair Percy Bysshe Shelley'nin "Apollon İlahisi”ne bir saygı duruşu niteliğinde. Bu bağlantıyı biraz anlatabilir misin? Neden bu şiir? Apollo, Patmos’la bağlantılı. Efsaneye göre ada denize batmış ve Artemis, Apollo'nun yardımıyla Zeus'u ikna ederek adayı tekrar yüzeye çıkarmayı başarmış. İngiliz romantik şairlerinin ve onların doğaya, hayal gücüne odaklanmalarının büyük bir hayranıyım (ayrıca elbette romantik şairler klasik Yunan'ı severlerdi!). Shelley'nin Apollon İlahisi son derece yoğun bir şiirdir, ışıkla parlar. Şiirdeki bu özel dize bir anda dikkatimi çekti. Sadeliğini, cesaretini ve tüm çerçeveyi adanın etrafını saran denizle ilişkilendirmesini sevdim. Sergi için farklı başlıklar düşünürken sürekli bu dizeye geri döndüm. ROMANTİK OLMAK ELBETTE MÜMKÜN Çizimlerinde Jean Cocteau ambiyansı da var. Katılır mısın? Büyük bir Cocteau hayranıyım. Özellikle duvar resimlerini çok beğeniyorum. Cocteau elbette mitolojiden çok ilham aldı. İnanılmaz derecede yaratıcı ve şiirsel hissettiren işleri bugün bile inanılmaz. Çizimlerindeki romantik hisse bayıldım. Günümüzde romantik olmak mümkün mü? Yoksa romantizm öldü mü? Elbette mümkün! Evet, ben bir romantiğim. Çalışmalarımda her zaman şiirsel bir his olmasını istiyorum. Sanırım bu benim dünyaya bakış açımla ilgili. Etrafımdaki evrene ve yaptığım işlere -resim, çizim, kıyafet, iç mekan- aynı mercekten bakıyorum. Hassas bir yaklaşımım var, ama aynı zamanda renk, desen ve dekorasyona da aşığım. Hikâye anlatma ve hikâyeleri bir araya getirme ihtiyacıyla hareket ediyorum. Yaptığım tüm farklı şeylerle bir patchwork yapıyorum. Üretimimi bir bütün olarak bu şekilde görüyorum. Romantik olduğumu söylediğimde, bunun etrafımdaki dünyayı mitleştirmekle, hayal gücümün ve duygularımın tadını çıkarmakla ve aynı zamanda doğaya karşı derin bir sevgi duymakla ilgili olduğunu düşünüyorum. LAMPİ PLAJI VE ORADAKİ RESTORANI ÇOK SEVDİM Patmos senin için ne ifade ediyor? Patmos'u ilk kez ziyaret ettiğim Ağustos başına kadar, sadece hayalimde var olan bir yerden esinlenerek eser yaratmak gerçekten keyifliydi. Araştırma ve süreçle ilgili bir saflık vardı. Çizim yaparken adayı ziyaret eden arkadaşlarımdan duyduğum birçok hikâye kafamın içinde dans ediyor; efsaneler, dini hikâyeler ve hayali resimlerle karışıyordu. Patmos’ta en sevdiğin noktalar neresi? Son seyahatimiz sırasında her sabah kocam Duncan’la Petra sahiline inip hızlıca yüzdükten sonra kayalıklarda ballı yoğurt ve beyaz peynirli karpuzdan oluşan bir kahvaltı yaptık. Bu gerçekten güne başlamak için nefis bir ritüeldi. Lampi plajını da çok sevdim. Oradaki muhteşem tavernada birkaç kez öğle yemeği yedik. Bir çiftlik ve mutfak, pastoral bir vadide gizlenmiş hoş bir lokanta… Sahipleri, çiftliklerinden elde ettikleri hasadı kutlamak ve el yapımı taş ızgaralarda yemek pişirmek gibi süper heyecan verici bir şey yapıyor.

August 20, 2025 | DESIGN & INTERIORS MODERN BOHEMIA on the AEGEAN words Alp Tekin photos Burak Teoman interior design Selina Kazazoğlu In the coveted Pasalimanı enclave of Izmir’s Cesme, interior designer Selina Kazazoğlu has crafted a villa that stands out not only for its architecture and interiors, but for the lifestyle it embodies. A refined interpretation of modern bohemian style emerges from her aesthetic sensibility, functional solutions, and the strong rapport she built with the homeowner. The greatest source of inspiration? The client. Kazazoğlu set out to create a home that was modern yet bohemian, airy yet practical. The fact that it was once a 1970s-era house added a distinctive layer of character to the project. “I wanted to blend the spirit of that era with today’s modernity,” she says. STARTING POINT: CAMELLIA At the heart of the concept is Camellia, a painting by artist Mert Özgen, acquired by the homeowner. This piece became a guiding thread, adding an artistic dimension to every space. “I love mixing styles and placing small but bold surprises in every corner,” Kazazoğlu explains. The homeowner’s request for bespoke solutions for every function and piece of furniture made the project even more personal. Most of the furnishings were custom-designed; fabrics, upholstery, and drapery were all hand-picked. Colors and textures shift from room to room, giving each space its own mood. In the main living areas and on the exterior, select pieces from trusted design brands elevate the home’s quality benchmark. NATURAL HARMONY White and soft beige microcement and ceramics set the tone throughout, chosen for durability, easy maintenance, and practicality. The result is a timeless aesthetic where bohemian spirit meets clean, modern lines. FUNCTIONAL LUXURY Outdoor terraces and gardens are designed for hosting in style. Each seating area is fitted with its own integrated drink and service setup, enhancing comfort and convenience. “It’s like every corner has its own mini-kitchen,” Kazazoğlu notes. A SCULPTURAL GARDEN With the homeowner’s expertise in landscaping and an enviable plant collection, the garden reads like an open-air sculpture gallery. Towering 300–400-year-old cacti, rare species sourced from around the world, and lush, tropical greenery form a sustainable and artful landscape design—entirely green and striking from every angle. TR BELOW ÇEŞME’DEKİ MODERN BOHEM Çeşme’nin Paşalimanı bölgesinde iç mimar Selina Kazazoğlu imzasını taşıyan bu özel villa, sadece mimari ve iç mekan tasarımıyla değil, yansıttığı yaşam felsefesiyle de öne çıkıyor. Estetik bakış açısı, fonksiyonel çözümler ve ev sahibiyle kurulan güçlü bağ, modern bohem stilin rafine bir yorumunu ortaya koymuş. Projeyi şekillendiren en büyük ilham kaynağı ev sahibinin kendisi. Kazazoğlu’nun hedefi modern ama bohem, ferah ama işlevsel bir atmosfer yaratmak olmuş. Evin 70’li yıllar mimarisini taşıyan eski bir bina olması projeye ayrı bir karakter kazandırmış. “O dönemin ruhunu, günümüz modernliğiyle harmanlamak istedim” diyor Kazazoğlu. ÇIKIŞ NOKTASI CAMELLIA ADLI TABLO Projenin çıkış noktasında, ev sahibinin sanatçı Mert Özgen’den edindiği Camellia adlı tablo var. Kazazoğlu, bu eserle birlikte her mekana sanatsal bir katman eklemiş: “Tarzları harmanladım ve her alanda küçük ama cesur sürprizler yaratmak istedim”. Ev sahibinin her mobilya ve fonksiyon için özel tasarım talep etmesiyle proje daha da kişisel bir hal almış. Mobilyaların büyük bölümü projeye özel tasarlanmış; kumaşlar, döşemeler ve perdeler tek tek seçilmiş. Her mekanda renk ve dokular farklılaşarak kendine has bir atmosfer yaratılmış. Ana alanlarda ve dış cephede seçkin markaların tasarım ürünleri tercih edilerek kalite standardı yükseltilmiş. DOĞAL HARMONİ Beyaz ve açık bej tonlarında mikro çimento ve seramik, evin genel estetiğinde başrol oynuyor. Dayanıklılık, bakım kolaylığı ve pratiklik ön planda tutulmuş. Bohem ruh, modern çizgilerle harmanlanarak zamansız bir görünüm elde edilmiş. FONKSİYONEL LÜKS Bahçe ve teras alanları ise kalabalık misafirleri ağırlamaya uygun şekilde planlanmış. Her oturma grubuna entegre içki ve servis çözümleri konforu artırıyor. “Her köşe, kendi mini mutfağı varmış gibi oldu” diyor Kazazoğlu. PEYZAJDA SANATSAL DOKUNUŞ Ev sahibinin peyzaj konusundaki uzmanlığı ve geniş bitki koleksiyonu, bahçeyi adeta bir açık hava heykel galerisine dönüştürmüş. 300–400 yaşındaki kaktüsler, dünyanın dört bir yanından getirilen özel türler ve tamamen yeşilden oluşan tropik bitkilerle, sürdürülebilir ve estetik bir peyzaj kurgulanmış.

Ağustos 2020 | Seyahat | Yunanistan Bir yaz hayali: Parilio Yazı | Onur Baştürk S ınırlar açılsa hemen ertesi gün soluğu Yunan Adaları’nda alacak birçok insan tanıyorum. Bu ayıplanası bir şey değil. Kendi topraklarını sevmemek anlamına da gelmiyor. Çoğu insan için Yunan Adaları’nın temsil ettiği şey aslında şu: Eski ya da özgün olanın aynen korunmuş olması. Hiç değişmemesi. Gittiğiniz koyun ertesi yaz herhangi bir yapılaşmayla bozulmaması… O tahta sandalye. O romantik ve rahatsız etmeyen dozunda salaşlık… Ne bileyim; tüm bunların hepsi denilebilir işte. Bir yandan yeni şeyler de olmuyor değil Yunan Adaları taraflarında. Orijinal ruha sadık kalarak yaratılan yeni ve özgün şeyler. YUZU olarak onların peşindeyiz zaten. Radarımıza giren otellerden biri de Paros’taki Parilio. Sevgili Serdar Kutucu sayesinde (hatırlayınız; Yaz Sayısı’nda CEO’su olduğu yeni topluluk Slow’u konuşmuştuk kendisiyle) keşfettim Parilio’yu. Bu yaz bizzat gidip göremesem ve sadece fotoğraflarına bakıp iç geçirsem de, önümüzdeki yaz kalmayı en çok istediğim oteller listesinin ilk sıralarında yer alıyor Parilio. 33 SÜİTİ VAR Sizi otelin nefis fotoğraflarıyla baş başa bırakmadan önce biraz bilgi vermek isterim… Design Hotels üyesi Parilio, Naoussa Körfezi'ndeki Kolympithres plajıyla Naoussa balıkçı köyü arasında yer alıyor. Otel, adanın her yerinde bulunan blok beyaz mimari stilini kendi organik, sade lüks markasıyla harmanlamış. Aurora, Halo, Uranus süitleri ve özel havuzuyla Sun Suite; Parilio’yu oluşturan ana parçalar. Unutmadan toplam 33 süit var. Parilio restoranıyla da iddialı. Şef Alexandros Tsiotinis, adanın gastronomik mirasını simgeleyen yemekler sunuyor misafirlere. Otelin en dikkat çekici yeri ise iki etkileyici kayanın yer aldığı havuz ve güneşlenme terası. Özellikle gün batımında manzaranın bu noktadan şahane olduğunu söylüyor Parilio’cular… SEYAHAT | Kategorinin diğer yazıları İzlanda’nın Sırları Rota Karadeniz, hedef ‘doğal izolasyon’ Zamanın durduğu şehir: Harar Kyoto’da bir ‘ryokan’da kaldım Karavan tatiline dair merak ettiğiniz her şey Issızlığın ortasındaki 10 inziva oteli Açıl susam açıl: Marakeş Test sonucunu göstererek uçağa bineceğiz Asya’nın mistik kapalı kutusu: Myanmar Tsipouro içmeden o adadan dönmeyin! Issız kanyonun ortasında: Amangiri Mars'a gitmiş kadar oldum! Buenos Aires’te yapmanız gereken 20 seksi şey

January 2025 | Art & Culture MODERN-DAY MYTHOLOGICAL HEROES words Onur Baştürk In his drawings, he aims to show that love between two men is just as beautiful as any other kind of love. His fantasy universe of muscular, mustachioed heroes is sometimes erotic, sometimes passionate, and often deeply romantic. It feels like a poetic reflection of love, or the erotic fantasies born from it. This sentiment struck me as I spoke to Clément Legrand, an artist who has carved out a unique niche with his work. He is, without a doubt, a meticulous magician, skillfully capturing emotions on paper. A BLEND OF FEELING AND DISAPPOINTMENTS Your work centers on the male body and love between men. You often depict muscular, idealized male figures. Is there a specific reason for that? I think we often desire what we don’t have. That’s why my work reflects this idealized vision of men. I’ve always wanted an athletic body, but that’s not my reality. So, I’ve taken it further in my drawings, creating men with perfect physiques. In a way, it’s a blend of my feelings and disappointments. The men you draw resemble modern-day mythological heroes—heroes who might use an app! Would you want to live in ancient times, like ancient Greece? That depends on the role I’d play! If I could envision myself in an idealized version of ancient Greece, then yes, I’d go. But honestly, I already feel exhausted and overwhelmed by the adventures awaiting me today! Your work reminds me of the erotic world of Tom of Finland Thank you! I’m flattered. Tom of Finland is a hugely influential and talented artist in gay culture. He’s definitely one of my inspirations, alongside others. I must admit, Tom and I do share a particular affection for mustaches! DRAWING FANTASY EROTICISM Do you draw the man of your dreams? A few years ago, I would’ve said, ‘Absolutely, yes, I’m drawing the man of my dreams.’ But life has taught me to separate fantasy from reality. Now, I’d say I draw fantasy eroticism. Is it difficult for two men to love each other? Or is it romantic? Love between two men isn’t inherently complicated. What’s complicated is the societal perception we’ve yet to reshape. For years, media has portrayed us as caricatures—funny but rarely taken seriously. Through my work, I aim to show that our love and emotions are just as beautiful as anyone else’s. Our love is the same; only the details differ. However, expressing that love freely—like holding hands or showing affection in public—can still be risky, depending on where we are. EXPLORING BEYOND PAPER Your work reminds me of Jean Cocteau. Like his drawings on the walls of Villa Santo Sospir, your art sometimes appears on furniture or vases. Do you enjoy this versatility? I’ve never drawn on walls, but I imagine it must be liberating to tell a story that way. Working on materials beyond paper lets me deepen the messages I want to share. For these projects, I often collaborate with friends or family. I’ve worked on metal sculptures with my father, on armchairs with upholsterer Jérôme Thoumyre, and recently on a rug with the talented designer Jean-Edouard Cistacq. It’s a joy to share my universe with them! How would you describe your work? I’m a detached observer, capturing fleeting moments of human emotion—pleasure, joy, sadness, love, anger, passion. My work freezes these intangible moments in time. It’s like a poem, distilled into its purest form. BEGINNINGS AND DREAMS How did you start drawing? What motivated you? This journey began when I was asked to illustrate two songs by Françoise Fabian: Ce Diable d’Homme by Charles Aznavour and La Conversation by Vincent Delerm. Those projects marked the start of my illustration career. Over time, I realized this medium allowed me to express my feelings and my sexuality. You’re both a graphic designer and a director. Which role comes first? I’m both! But those passions have been on pause lately. Maybe one day I’ll return to video. I love capturing moments before anyone notices my presence. As an introvert, though, I find solace in quietly working on my drawings.

November 2024 | DESIGN & INTERIORS TURKISH BELOW DREAM BIG, STAY HUMBLE UNIQKA words Onur Baştürk The design brand Uniqka, which positions leather as its signature material, has been making waves this year with its Silos Collection, introduced at Milan Design Week. The collection also earned the brand a spot on the shortlist for the Dezeen Awards 2024. Riding this wave of excitement, Uniqka continues to dream big while remaining "organic and humble”. Founders Kerem Ariş and Merve Parnas share the story behind the brand. LEATHER IS AT THE HEART OF UNIQKA’S DESIGN PHILOSOPHY Uniqka is known for its focus on leather, treated with environmentally friendly vegetable tanning rather than harmful chromium tanning. What made you choose leather as your primary material? Uniqka draws its inspiration from sculptor Koray Ariş, who has been using leather in his works for nearly fifty years and has developed unique processing techniques. Our material inspiration comes from him. Leather is Uniqka's signature material, featured in all our products. However, we don't exclusively use leather because Uniqka isn’t a leather goods brand; it’s a design brand. We incorporate other materials into our creations as well. Positioned in the furniture and home decor category, we are a contemporary design brand that uses leather as a defining material. The leather we use is vegetable-tanned, which is both eco-friendly and more natural in character. This process highlights the material's authentic beauty and texture. Leather is actually a by-product of the meat industry, which makes it a form of waste. Transforming this waste into a valuable, durable material is one of humanity’s earliest examples of upcycling. In addition to leather, new-generation materials are emerging as alternatives, and we’re closely following these developments. We run tests and integrate some of these materials into our designs. CRAFTMANSHIP IS UNIQKA’S FOUNDATION Another key aspect of Uniqka is its use of traditional craftsmanship. Recently, many unique brands have been emphasizing artisanship. What guided you toward this approach? Uniqka is a contemporary design brand that creates modern living products through craftsmanship. Craftsmanship is Uniqka’s core value, and just like our material inspiration, this comes from Koray Ariş. He is a craftsman-artist who creates each of his sculptures by hand. His attention to detail and production quality serve as our greatest source of inspiration. Uniqka incorporates leather craftsmanship, and all production is done in-house. This gives us a significant advantage and flexibility. In addition to our collections, we have the infrastructure and expertise to take on special projects and collaborations. SHORLISTED FOR DEZEEN AWARDS This year, you’re a nominee for the Dezeen Awards 2024 in the Furniture Design category. How did the idea for the Silos Collection come about? Studiopepe, whose design language and work we greatly admire, is a design studio that collaborates with significant brands. Once we decided to work together, we asked them to create a coffee table collection for Uniqka, which led to the birth of Silos. The collection features minimalist, geometric forms inspired by silo structures, and its material and color diversity make it especially rich. With Silos, we’ve been shortlisted for the prestigious Dezeen Awards. Unlike many award platforms that have multiple winners per category, Dezeen Awards selects only one winner per category. We’re among six finalists chosen from thousands of submissions, and just making it to this list is as significant as winning. You often collaborate with different designers. Do they approach you, or do you choose them? How does the process work? It works both ways. Designers may reach out to us, or we may contact them directly. Sometimes, serendipitous meetings at fairs, events, or through mutual connections lead to collaborations, whether immediately or years later. Do you have any dream collection concepts that haven’t come to life yet? Of course—several, in fact! As a brand, we aim to work on a global scale, dreaming big while staying organic and humble. We’ve steadily turned our dreams into reality and continue to work hard to bring new ones to life. CHAOS AND INSPIRATION IN ISTANBUL Producing such minimalist collections in the chaotic city of Istanbul is an intriguing contrast. How does Istanbul influence your work in design? The chaos of Istanbul stems from its density—its people, cultures, structures, and emotions. We try to draw inspiration and benefits from this environment. This chaos and crowd also bring diversity and opportunities, which we believe we utilize well in terms of inspiration and production. Our workshop is centrally located in Maçka, on a quiet street. We’re fortunate to be so close to everything yet distanced from the surrounding noise. However, Uniqka doesn’t identify itself as a Turkish or Istanbul-based brand. We are a global brand headquartered in Istanbul. Our vision allows our products to seamlessly fit projects in cities like New York, Tokyo, or Istanbul. MOST POPULAR COLLECTIONS Which of your collections has been the most popular? Plato and Silos. Designed by Defne Koz, the Plato collection features a variety of organizer trays available in different sizes and colors. They’re versatile, functional for use at home, in offices, or hotel rooms. Its variety, along with the awards it has won, contributed to its commercial success. We introduced Silos at Milan Design Week 2024, where it garnered significant global media attention. BÜYÜK HAYAL KUR, AMA MÜTEVAZI OL UNIQKA Deriyi imza malzeme olarak konumlayan tasarım markası Uniqka, bu yıl Milano Tasarım Haftası’nda tanıttıkları Silos Koleksiyonu’yla gündemdeydi. Silos ile Dezeen Awards 2024’te short list’e de kalan Uniqka bugünlerde hem bu heyecanı yaşıyor hem de büyük hayaller kurarken organik ve mütevazı olmaya devam ediyor. Markanın hikâyesini kurucuları Kerem Ariş ve Merve Parnas anlatıyor… Uniqka olarak en önemli iki özelliğiniz tasarımın odak noktasında derinin bulunması ve bu derinin çevreye zarar veren krom tabaklama yerine bitkisel tabaklama ile işlenmesi. Deriyi seçmenizin nedeni neydi? Uniqka’nın ilham kaynağı yaklaşık elli senedir heykellerinde deriyi kullanan ve kendine özgü işleme teknikleri geliştirmiş heykeltıraş Koray Ariş. Malzeme ilhamımız Koray Ariş’ten geliyor. Deri, Uniqka’nın imza malzemesi. Bütün Uniqka ürünlerinde bu malzemeyi görmek mümkün. Sadece deri kullanmıyoruz, çünkü Uniqka bir deri aksesuar (leather goods) markası değil, tasarım markası. Dolayısıyla diğer malzemeler de Uniqka üretimlerinin parçası. Mobilya ve dekorasyon kategorisinde ürünler sunan ve deriyi imza malzeme olarak kullanan çağdaş bir tasarım markasıyız. Ürünlerimizde bitkisel tabaklanmış deri kullanıyoruz. Bu deriler hem çevre dostu hem de daha doğal ve organik bir yapıya sahip. Malzemenin gerçek karakteri ve güzelliği bu derilerde daha net hissediliyor. Deri, gıda endüstrisi altındaki et endüstrisinin bir yan ürünü. Aslında bir atık. Bu atık çok değerli ve dayanıklı bir malzemeye dönüşüyor. İnsanlık tarihinin ilk ileri dönüşüm (upcycling) örneklerinden biri. Günümüzde deriye alternatifi olarak yeni nesil malzemeler üretilmeye de başlandı. Hepsini yakından takip ediyor, testler yapıyoruz ve bazılarını tasarımlarımızda kullanıyoruz. Bir diğer özelliğiniz geleneksel el işçiliğini kullanmanız. Son dönemde tüm özgün markalarda zanaatkârlar ön plana çıkmaya başladı. Bu yolu tercih ederken felsefeniz neydi? Uniqka el işçiliği ile modern yaşam ürünleri üreten bir çağdaş tasarım markası. Zanaat Uniqka’nın en önemli değeri. Zanaat ilhamı da, tıpkı malzemede olduğu gibi Koray Ariş’ten geliyor. Koray Ariş her heykelini kendi elleriyle yapan, zanaatkâr bir sanatçı. Onun üretim kalitesi ve özeni bizim en büyük ilham kaynağımız. Uniqka deri zanaatini kullanıyor ve üretim kendi bünyemizde. Bu da bize avantaj ve esneklik sunuyor. Kendi koleksiyon ürünlerimiz dışında özel proje ve işbirlikleri gerçekleştirmek için altyapı ve birikime sahibiz. DEZEEN AWARDS’TA SHORT LIST’E KALDIK Bu yıl Furniture Design kategorisinde Dezeen Awards 2024’e adaysınız. Aday olan Silos Collection koleksiyon fikri nasıl ortaya çıktı? Studiopepe, tasarım dilini ve işlerini çok beğendiğimiz bir tasarım ofisi. Çok önemli markalarla iş birlikleri yapıyorlar. Birlikte çalışmaya karar verdikten sonra Uniqka için bir sehpa koleksiyonu tasarlamalarını istedik ve böylece Silos ortaya çıktı. Sade, geometrik formlardan oluşan ve ilhamını silo yapılarından alan bu sehpa koleksiyonu malzeme ve renk çeşitliliğiyle çok zengin. Silos ile prestijli tasarım ödülü Dezeen Awards’ta kısa listeye kaldık. Birçok ödül sisteminde tek bir kategoride birçok kazanan olur. Dezeen Awards’un en önemli özelliği her kategoride bir kazananın olması. Toplam altı tasarımın yer aldığı bir finalist listesindeyiz. Binlerce başvuru arasından bu listeye girmek kazanmak kadar önemli. HAYALLERİ BÜYÜK OLAN ORGANİK VE MÜTEVAZI BİR MARKAYIZ Farklı tasarımcılarla iş birliğini sıkça yapıyorsunuz. Onlar mı sizi buluyor siz mi onları seçiyorsunuz? Süreç nasıl ve neye göre işliyor? Her iki şekilde de olabiliyor. Tasarımcılar bizimle ya da biz tasarımcılarla direkt iletişime geçiyoruz. Bazen de tesadüfen bir fuarda, bir etkinlikte veya bir ortak tanıdık vasıtasıyla tanışıyoruz. Hemen o anda ya da yıllar sonra bir iş birliği fikri ortaya çıkabiliyor. Hayalinizde, henüz yaratmadığınız bir koleksiyon fikri var mı? Tabii ki var! Hem de birden fazla. Biz daima global çapta işler yapmaya çalışan, hedef ve hayallerini büyük tutan, bir o kadar da organik ve mütevazı olmaya çalışan bir markayız. Bugüne kadar hayallerimizi yavaş yavaş gerçekleştirdik ve yenilerini gerçekleştirmek için daha sıkı çalışıyoruz. İSTANBUL’DAKİ KAOS FIRSATLAR DA SUNUYOR Kaosun başrolde olduğu İstanbul’da bu sade koleksiyonları üretmek ve dünyaya yaymak ilginç bir tezat. İstanbul’la tasarım bağlamında ilişkiniz nasıl? İstanbul’a hakim olan kaos, yoğunluktan kaynaklanıyor. İnsan, kültür, yapı ve duygu yoğunluğunun yarattığı bu ortamdan beslenip faydalanmaya çalışıyoruz. Bu kaos ve kalabalık, çeşitlilik ve fırsatlar da sunuyor. İlham ve üretim anlamında İstanbul’dan iyi faydalandığımızı düşünüyoruz. Atölyemiz İstanbul’un merkezinde, Maçka’da sakin bir sokakta. Her şeye bu kadar yakın, ama etraftaki gürültüden uzak olabildiğimiz için şanslıyız. Diğer taraftan Uniqka kendini hiçbir zaman Türk ya da İstanbullu olarak tanımlamıyor. İstanbul merkezli global bir markayız. Dünya çapında işler yapmayı hedefliyoruz. Bu vizyon ile ürünlerimiz İstanbul’da, New York’ta ve Tokyo’da bizim çizgimiz ile örtüşen bir projede rahatlıkla konumlanabiliyor. En popüler koleksiyonunuz hangisi oldu? Plato ve Silos. Defne Koz tasarımı Plato koleksiyonu çeşitli ebat ve renklerde sunulan bir düzenleyici tepsi koleksiyonu. Ev içinde, ofiste ya da otel odasında, farklı şekilde kullanılabiliyor. Çok beğenilmesi ve kazandığı ödüllerin yanı sıra ticari başarısının nedeni sunduğu çeşitlilik. Silos’u ise ilk kez Milano Tasarım Haftası 2024’te tanıttık ve tüm dünya basınında önemli bir yer buldu.

March 2025 | DESIGN & INTERIORS a SEASIDE HOME in BRITISH COLUMBIA words Karine Monie photos Mary McNeill Knowles Creative interior design Studio HA/WA stylist Monika Tischer On the Eastern coast of British Columbia’s Vancouver Island, a newly completed bungalow is redefining West Coast living with a burst of natural light, smart design, and local craftsmanship. Nestled along the tranquil shores of the Strait of Georgia in Qualicum Beach—renowned for its endless white sands and serene waters—this home delivers unbeatable views and a vibrant connection to its surroundings. DESIGN THAT CELEBRATES NATURE AND CRAFTMANSHIP Infused with West Coast Contemporary style and a modern twist, this two-bedroom, two-bath bungalow is all about bringing the outdoors in. Expansive windows showcase breathtaking treetops, soft ocean hues, and a calming sky, while a palette of neutral tones, warm wood finishes, and cool blue accents echoes the nearby ocean. Every detail is meticulously curated—locally sourced stone slabs from Vancouver Island Marble make a striking impact in the main bath, kitchen, and fireplace, and these textures resonate through the furniture, rugs, and even the principal bedroom walls. Local talent shines with original artwork by Victoria-based Joy Kinna, and bespoke lighting from B.C.-based AND Light adds a contemporary flourish. A STUDIO WITH VISION The creative force behind this project is STUDIO HA/WA, led by founder and creative director Erin Hannon-Watkinson, whose experience at Yabu Pushelberg informs a design approach that’s as eco-conscious as it is stylish. “Our projects are designed with their surroundings in mind to ensure longevity and lessen our impact on the environment,” Erin explains. A SEAMLESS BLEND OF FORM AND FUNCTION Inspired by West Coast Contemporary cues like vaulted roof lines and clean overhangs, the design is a masterclass in marrying form and function. Each space flows naturally into the next, unified by a consistent design language that celebrates nature. Here, large windows and doors aren’t just features—they’re dynamic frames showcasing nature’s ever-changing artwork, from lush treetops to sweeping ocean vistas. LOCALLY ROOTED, GLOBALLY INSPIRED Drawing from the calming essence of its natural surroundings, the interior blends neutral tones with subtle blue/grey undertones and warm wood accents. A strong local focus is evident, with community-sourced materials like stone, wood, and lighting fixtures enriching every corner. The natural grain of the stone—highlighted in the travertine-clad ensuite, linear fireplace stone, and pebbled-look floor tiles—brings a unique, tactile quality that grounds the entire home in its coastal character.

june 2023 | Design & Interiors english below BMW POP-UP STORE AT MANDARIN ORIENTAL BODRUM B MW Türkiye’nin “Retail Next” konsepti çerçevesinde geliştirdiği yeni nesil satış noktası BMW Pop-up Store, Bodrum’un prestijli otellerinden Mandarin Oriental Bodrum’da ziyaretçilerine ayrıcalıklı bir deneyim sunmak üzere kapılarını açtı. Perakendenin geleceğine ışık tutan bütüncül anlayışla tasarlanan BMW Pop-up Store, yeni müşteri beklenti ve ihtiyaçlarına uygun bir deneyim alanı. Sürdürülebilir lüksün merkeze alındığı BMW Pop-up Store, başta yeni BMW 7 Serisi olmak üzere BMW’nin farklı modellerine ev sahipliği yapacak. Borusan Otomotiv İcra Kurulu Başkanı Hakan Tiftik, BMW Pop-up Store’la ilgili şunları söylüyor: “Sürdürülebilirlik hedefleri çerçevesinde elektrifikasyonla başlayan dönüşüm sürecinde, BMW şimdi de perakende çözümlerinde geleceğin temellerini atan Retail Next konseptiyle pürüzsüz bir deneyim sunuyor”. Daha fazla bilgi için tıklayın B MW Pop-up Store, the new generation sales point developed by BMW Turkey in accordance with the "Retail Next" concept, opened its doors to visitors to offer a privileged experience in Mandarin Oriental Bodrum. Designed with a holistic approach to the future of retail, the BMW Pop-up Store offers an experience area that fits the needs of the new customer. Focusing on sustainable luxury, the BMW Pop-up Store will host different models of BMW, especially the new BMW 7 Series. Borusan Otomotiv Chief Executive Officer Hakan Tiftik says the following about the BMW Pop-up Store: “In the transformation process that started with electrification within the framework of sustainability goals, BMW now offers a smooth experience with the Retail Next concept, which lays the foundations of the future in retail solutions”. Click for more information

January 2024 | Design & Interiors english below Canadian house inspired by Aman Tokyo words Alp Tekin photos Tina Kulic (Associate photographer at Ema Peter Photography) V ancouver şehir merkezinden 25 dakika uzaklıktaki bu ev projesi Aman Tokyo otelinden ilham alarak tasarlanmış. Tasarımı gerçekleştiren Space 9’dan Sha Wang projeyi şöyle anlatıyor: "En sevdiğim otel olan Aman Tokyo, bu proje için büyük bir ilham kaynağı oldu. Birinci sınıf misafirperverlik hissini bir konut projesine getirmek gerçekten keyifli bir deneyimdi. Müşterinin zevki, kendi tasarım tarzım ve yaşam stilimle tam olarak eşleşiyordu. Dolayısıyla tasarım sürecini derinlemesine incelerken, yarattığımız iç mekanın kendi imzamı temsil edeceğini bilerek gerçekten heyecanlandım”. Wang ile ev sahiplerini buluşturan platform ise Instagram olmuş: "Ev sahipleri beni Instagram aracılığıyla keşfetti ve 30 dakikalık kısa bir sohbetin ardından hızla tasarım teklifini hazırladım. Ev sahiplerinin yaşam tarzı, sevdikleri seyahat yerleri ve hatta tercih ettikleri oteller benim tercihlerime kusursuz bir şekilde uyuyordu”. Zanaatkârlık ve minimalist bir yaklaşımla saflığı, gücü ve sadeliği ön planda tutan evin tasarımında gereksiz süslemeler ve dikkat dağıtıcı unsurlardan kaçınılmış. Malzeme olarak yoğun bir şekilde beyaz meşe, siyah arduvaz ve beton panel kullanılmış. “Birbirini tamamlayan dokulu beton panellerle birleştirilen hafif ve sıcak renk paleti, beyaz meşe tarafından iletilen sıcaklık hissi evin her yerinde çok ilginç bir görsel geometri yaratıyor” diyor Sha Wang. Bu projedeki en önemli zorluklardan biri, birinci sınıf Japon misafirperverliği hissini konut ortamına aşılarken mükemmel dengeyi yakalamak olmuş. Sha Wang, "Aman otelindeki huzur ve dinginliğin özünü yakalamak istesek de, tüm işlevsel gereksinimleri ve bütçe kısıtlamalarını karşılamak da aynı derecede önemliydi” diyor. T his house project, 25 minutes away from Vancouver city center, was designed with inspiration from the Aman Tokyo hotel. Sha Wang from Space 9, who carried out the design, describes the project as follows: “The Aman Tokyo, which happens to be my favorite hotel, served as a major inspiration for this project. It was a truly enjoyable experience to bring a world-class hospitality feel into a single residential project. The client's taste and design brief were an exact match for my own design style and lifestyle and as I delved into the design process, I felt a genuine excitement knowing that the interior space we were creating would embody my own signature style”. The platform that brought Wang and the homeowners together was Instagram: “The homeowners discovered me through Instagram, and after a brief 30-minute conversation, we swiftly proceeded to sign the design proposal, solidifying our collaboration. Life is frequently marked by serendipitous occurrences, as if everything has been intricately orchestrated beforehand”. Unnecessary decorations and distracting elements were avoided in the design of the house, which prioritizes purity, strength and simplicity with a craftsmanship and minimalist approach. White oak, black slate and concrete panel were used extensively as materials. “The light and warm palette, combined with textured concrete panels that complement each other, create a sense of warmth (conveyed by the white oak) and a very interesting visual geometry throughout the home”, says Sha Wang. One of the most significant challenges in this project was striking the perfect balance while infusing a world-class Japanese hospitality feel into a residential environment. “Although we wanted to capture the essence of tranquility and serenity from the Aman hotel, it was equally important to meet all functional requirements and budget constraints because this space would serve as the owners’ full-time home,” says Sha Wang. “Additionally, we aimed to develop the design further to give the space its own unique character. Blending these elements required a careful and thoughtful approach, which truly reflected the homeowners' vision and lifestyle”.

Haziran 2020 | Art | Türkiye Geçici ama hafızalarda kalıcı olan müdahaleler Yazı | Alp Tekin D ev boyutlardaki yerleştirmeleriyle tanınan Christo ve Jeanne- Cluade Javacheff çiftini yeniden hatırlama zamanı. Çünkü Jeanne-Claude’un 2009 yılındaki ölümünün ardından Christo da geçtiğimiz günlerde 84 yaşındayken New York’taki evinde öldü. Bu muhteşem sanatçı çiftten geriye yaratıcılıkla beslenen müthiş bir aşk hikâyesi ve sınırları her daim zorlamış eserler kaldı. Neler mi yaptı bu çılgın çift? Neler yapmadı ki desek daha doğru olur! Aynı gün doğan (13 haziran 1935) ve 1958’te tanışan Christo ve Jeanne-Claude, çevre için yeni bir bakış açısı yaratmayı amaçlıyorlardı. Bu nedenle geçici müdahaleler serisini başlattılar. Bu müdahaleler kapsamında bir Volkswagen arabayı (1963), binaları (1967-68, 1971-95), bir Ortaçağ kulesini (1968), bir çeşmeyi (1968), kıyıyı ve kayaları (1969), adaların etrafını (1980-83) ve ağaçları (1997-98) sentetik kumaşla kapladılar. Bu eserlerin hepsi bir ila üç hafta gibi sınırlı bir sürenin ardından yeniden eski haline çevrildi. Kullanılan malzemenin tümü geri dönüştürüldü. 100 BİN METREKARELİK YÜZEN İSKELELER Çiftin en çok ses getiren işlerini şöyle bir sıralayalım: Üç yıllık bir izin sürecinin ardından 1983 yılında Miami'nin Biscayne Körfezi'ndeki 11 adanın etrafını 600 bin metrekareden fazla kırmızı polipropilen kumaşla kapladılar. Bu projenin adı “Surrounded Islands”dı. Kaliforniya’da ürettikleri “Running Fence” projesinde ise 59 farklı özel mülkün üstünden geçen, beş buçuk metre yükseklikte, 39 kilometre uzunluğunda beyaz naylon kumaştan bir çit yaptılar. Amaç, ekonomik ve sosyal düzeyleri farklı arsa sahipleri arasında bir kesişim noktası yaratabilmekti. 1971’de projesini çizdikleri, yapımı ancak 1995 yılında gerçekleştirilen “Wrapped Reichstag” projesi de büyük ilgi gören işlerdendi. Berlin’deki Alman Parlamentosu’nu 100 bin metrekare gümüş kumaş ve 90 profesyonel dağcının yardımıyla paketlediler. Parlemento iki hafta boyunca bu paketli haliyle kalmıştı. 1962’de yaptıkları “Wall of Oil Barrels-The Iron Curtain” adlı çalışma ise tamamen varillerden oluşuyordu ve çiftin diğer işlerine göre daha politik bir tavra sahipti. Varilleri, Paris’in Visconti sokağından geçişi engelleyecek şekilde, bu kez izin almadan yığmışlardı. Fikrini 70’li yıllarda geliştirdikleri bir diğer proje “Floating Piers”’ın hayata geçirilmesi ancak Jeanne-Claude’un ölümünden sonra mümkün olabildi. 2016 yılında İtalya’nın Iseo Gölü’nde yapıldı Floating Piers. 100 bin metrekarelik alanı kaplayan, sarı kadife çiçeği rengindeki yüzen iskelelerden oluşan bu yürüyüş yolu çiftin daha önceki yerleştirmeleri gibi halka açıktı. Üç hafta boyunca açık kalan göl üzerindeki bu devasa sarı yoldan binlerce insan yürüdü, ortaya çarpıcı fotoğraflar çıktı. LONDRA MASTABA Çiftin yine 1977’de tasarladığı bir başka proje olan “Mastaba”yı, Christo eşinin anısına ithaf ederek 2018’de tamamladı ve Mastaba’yı Londra’da açtı. İsmini Antik Mısır’daki tavanı düz, yanları eğimli banktan ve mezardan alan Mastaba heykeli aslında 410 bin adet renkli varilden oluşacak ve Abu Dabi’ye yakın bir çölde inşa edilerek dünyanın en büyük heykeli olacaktı. Ama Serpentine Galeri’nin davetiyle Londra’da yapıldı ve Londra Mastaba 7 bin 506 varille yapıldı. Yani tasarlanan ilk heykelin küçültülmüş bir versiyonuydu. ART | Kategorinin diğer yazıları ‘Resimlerin kendi içinde tedirgin olmasını önemsiyorum’ Mahremiyeti sorgulamak daha erotik Yuzu & nom-studios sunar ‘LOOP’ sergisi Kemal Özen "Gam'zede" Online Sergi Hangi yetişkin bir ‘Gam’zede’ değil ki artık? Ali Elmacı’nın atölye günleri notları May Parlar "Collective Solitude" Online Sergi Lara Kamhi’yle paradokslar ve izolasyon üzerine... BASE’in yeni dijital projesi yakında Sessiz Odanın Çığlığı İtalya’daki müzeden salgına bakınca… Yıldızı daha da parlayacak: Salman Toor Online açılış yapan İstanbullu sergi