April 2025 | TRAVEL Coming Soon: COOLROOMS ARRIVE in PORTUGAL words Onur Baştürk photos CoolRooms Palacio de Villapanés (Seville) CoolRooms Hotels, renowned for transforming historic gems into luxury escapes, is expanding its international portfolio with two sensational new openings in Portugal. This exciting expansion marks a new chapter for the brand, already celebrated for its award-winning properties in Spain (for instance, the Palacio de Villapanes in Seville, as seen in photos). With meticulous restoration and a refined hospitality concept that merges history, design, and exclusivity, CoolRooms Hotels elevates every travel experience to an art form. COOLROOMS PALACIO DUARTE - Porto Imagine stepping into an 18th-century Baroque marvel nestled in the heart of Porto. Once known as Palacio do Belmonte, the soon-to-be CoolRooms Palacio Duarte is undergoing a meticulous restoration to reclaim its former glory. Set between Porto’s storied parishes—Cedofeita, Miragaia, S. Nicolau, Sé, Santo Ildefonso, and Victória—this grand manor house boasts an iconic two-story façade, a striking mansard roof, and finely sculpted granite that whispers tales of a bygone era. Scheduled to open in Q3 2025, Palacio Duarte isn’t just a hotel—it’s a living, breathing testament to the elegance of the past, seamlessly infused with modern design and comfort. COOLROOMS PALACIO DO PATRIARCADO - Lisbon Across the Tagus River in Lisbon, luxury takes on a new meaning at the CoolRooms Palacio do Patriarcado. This 18th-century architectural gem, once the heart of Lisbon’s Patriarchate and a venue graced by Pope John Paul II in 1982, has been reimagined into a 56-room haven of opulence. Located in one of Lisbon’s most exclusive districts—neighboring the Goethe Institute and the German Embassy—this palace is set to welcome guests in Q4 2025. More than just a place to stay, Palacio do Patriarcado offers an immersive cultural experience, complete with a terrace restaurant, bar, dedicated event spaces, a swimming pool, and a state-of-the-art fitness center.

April 2025 | Art & Culture TR BELOW SPRING MEETS ART in ISTANBUL: CI Bloom Known as the younger and more local version of Istanbul’s only modern art fair, Contemporary Istanbul, CI Bloom is returning for its fourth edition between April 16–20, at the Rumeli Hall of Lutfi Kırdar Convention and Exhibition Center. Highlighting emerging and rising artists each year, this year’s CI Bloom will host 26 galleries and four art initiatives. We asked Rabia Güreli our questions about CI Bloom. FOCUSING ON YOUNG AND DISTINCTIVE ARTISTS What defines the spirit and character of CI Bloom, and how does it differ from Contemporary Istanbul? CI Bloom has a young and dynamic spirit! It’s a fresh fair that energizes the contemporary art scene in Turkey and brings a new perspective internationally. While Contemporary Istanbul is a much larger platform, CI Bloom is more compact and focuses specifically on young and distinctive artists. Our goal with CI Bloom is to continue developing the fair at this level and connect with more emerging artists and initiatives each year. And with every edition, we continue to build on this. How has CI Bloom changed and evolved since its first edition? What is your vision for the near future? From day one, we’ve prioritized dynamism in CI Bloom. Every year, we make a point to welcome young and emerging artists, as well as global media and art professionals. Our aim is to create a more active and increasingly interactive fair year after year. We’re open to collaborations, which also allows us to make quick decisions. From its very first edition, CI Bloom has been structured to energize the art market and support non-profit organizations — and we continue with that same mission this year. A NEW MODEL THROUGH COLLABORATION WITH ARTWIDE One of the highlights of this year’s CI Bloom is the collaboration with online auction platform Artwide. What is the goal of this partnership? Our collaboration with Artwide is a significant one. Just like the other partnerships we’ve developed with various brands — they all contribute to the growth of the arts. Through these collaborations, art reaches wider audiences. And reaching more viewers means more interaction. This marks our first collaboration with the global online auction platform Artwide. In a special online auction, selected works by artists participating in CI Bloom — other than those exhibited at the fair — will be put up for sale. For us, this represents an innovative model. It’s aimed at increasing visibility, expanding sales opportunities, and connecting collectors from around the world with new artists. İSTANBUL’DA BAHAR CI BLOOM’LA KUTLANIYOR İstanbul’un tek modern sanat fuarı Contemporary Istanbul’un genç ve lokal versiyonu olarak bilinen CI Bloom, dördüncü edisyonuyla 16-20 Nisan 2025 tarihleri arasında Lütfi Kırdar Kongre ve Sergi Sarayı Rumeli Salonu’na geri dönüyor. Her yıl genç ve yükselen sanatçıları öne çıkaran CI BLOOM’a bu yıl 26 galeri ile dört sanat inisiyatifi katılıyor. CI Bloom’la ilgili sorularımızı Rabia Güreli yanıtladı. GENÇ VE FARKLI SANATÇILARA ODAKLANIYORUZ CI Bloom’un ruhu, karakteri ve Contemporary Istanbul’dan ayrılan yanları neler? CI Bloom’un genç ve dinamik bir ruhu var! Türkiye’deki çağdaş sanat sahnesine hareket kazandıran ve uluslararası alanda yeni bir soluk getiren genç bir fuar. Contemporary İstanbul çok daha büyük bir yapı, CI Bloom ise daha küçük. Ayrıca genç ve farklı sanatçılara odaklanıyor. CI Bloom için hedefimiz, fuarı aynı seviyede tutarak geliştirmek ve daha fazla sayıda genç sanatçı ve inisiyatifle bir araya gelmek. Her edisyonda bunu geliştiriyoruz. İlk günden bugüne CI Bloom nasıl değişti? Yakın gelecek vizyonunuz nedir? CI Bloom’da ilk günden itibaren dinamizme önem verdik. Her yıl genç ve yükselen sanatçıları, global medya ve sanat profesyonellerini ağırlamaya dikkat ettik. Amacımız her yıl daha aktif ve etkileşimi artan bir fuar olmak. İş birliklerine açık ve bunun sayesinde hızlı kararlar alabildiğimiz bir fuar. İlk edisyonundan itibaren sanat piyasasına enerji vermek ve kâr amacı gütmeyen kuruluşları desteklemek için yapılanan fuar, bu yıl da aynı amaçla ilerledi. ARTWIDE İLE İŞBİRLİĞİ YENİLİKÇİ BİR MODEL Bu yılki CI Bloom’un öne çıkan yanı online müzayede platformu Artwide ile yapılan iş birliği. Bu iş birliğiyle amaçlanan nedir? Artwide ile yaptığımız iş birliği bizim için çok önemli. Aynı şekilde markalarla yaptığımız farklı iş birlikleri de öyle… Çünkü iş birlikleri sayesinde sanat daha çok kişiye ulaşıyor. Daha çok izleyiciye ulaşmak daha fazla etkileşim demek… Global online müzayede platformu Artwide ile ilk kez gerçekleştirdiğimiz bu iş birliğinde CI Bloom’da yer alan sanatçıların fuarda sergiledikleri işler dışındaki seçili eserleri özel bir çevrimiçi müzayedede satışa sunulacak. Bu bizim için yenilikçi bir model. Görünürlüğü artırmayı, satış olanaklarını çoğaltmayı ve dünya genelinden koleksiyonerleri yeni sanatçılarla buluşturmayı hedefliyor.

June 2024 | Design & Interiors TURKISH BELOW Lyndon Cormack’s design haven in Deep Cove words Leon Williams photos Ema Peter L yndon Cormack, founder of the design-driven accessories brand, Herschel Supply, is one of the privileged few who wake up daily to the wonderful world of Deep Cove, North Vancouver. This area of outstanding natural beauty is known as an idyllic spot for rowing or canoeing. And when Cormack managed to snap up a 70-year-old, Deep Cove beach house, he immediately started work on a major renovation project, designing the whole of the interior himself. ‘I have a deep passion for design, architecture and indoor spaces,’ says the luxury bag entrepreneur. ‘When I was creating my home, the essence of the design was to create spaces that encourage shared moments with loved ones… ‘And although we encountered some minor disruptions in the renovation process, these challenges offered us opportunities for innovative solutions. As a result, the original house has now been embraced by new layers – which carried it into the future. ‘My personal design choices were generally influenced by my travels, my creative network and my sense of gratitude for different design paradigms. I was also hugely inspired by the beautiful natural surroundings at Deep Cove.’ Gloriously located on the edge of a dense forest, Cormack’s home is now an important part of the local community. Set at the foot of Mount Seymour, Vancouver’s popular ski destination, it is also perfectly placed between the mountains and the ocean. With secluded, relaxing corners and spacious common areas, the finished house has five bedrooms, five bathrooms, outdoor showers, saunas, a ceramics studio, outdoor living spaces and a gym. Its large doors open outwards into the garden, overlooking the Pacific Ocean and a vast mooring area of 1,600 square meters. And Cormack is delighted with the result: ‘I used local materials, such as cedar, Douglas fir and stone, wherever possible. These choices ensure that house can integrate harmoniously with the surrounding ocean and forest - one of our most important imperatives. ‘It’s a harmonious combination of eclectic designs. And it also has a deliberate contradiction: modern interventions blend seamlessly with traditional elements.’ DETAILS -Garden: B&B Italia Crinoline chair by Patricia Urquiola. -At the entrance of the ceramic studio: Bocci 21’s lighting fixture. -Family room: Bocci 28’s lighting fixture, Clay fan by Maarten Baas, Cameron Kerr sculpture, Fritz Hansen Swan chair, Wegner Ox chair by Hans J. Wegner for Erik Jorgensen, Knoll chair, B&B Italia Husk sofa, Vince Skelly chair, Tom Dixon stool. -Living room: Sculpture by Rocky LaRock, Charles and Ray Eames lounge chair, Janaki Larsen vase, Andy Warhol artwork, Bocci 28.61 lighting fixture, Cini Boeri sofa for Arflex, McIntosh stereo, Cameron Kerr artwork, Joel Hanser fiber art. -Dining area: Arne Jacobsen Series 7 chairs for Fritz Hansen, Blu Dot table, vintage Herman Miller Shell red chair. Lyndon Cormack’ın Deep Cove’daki tasarım sığınağı E ğer yaz aylarında Kuzey Vancouver’daki Deep Cove’daysanız kanoya binmek ya da kürek çekmek için en ideal lokasyonda olduğunuzu bilin. Sadece manzaranın keyfini çıkartmak da isteyebilirsiniz. Çünkü Deep Cove nefis pastoral manzaralara sahip. Bu manzaranın tadını sürekli yaşayanlardan biri de Herschel Supply Co. kurucusu Lyndon Cormack. Deep Cove’da, iç tasarımı tamamen kendisine ait bir evi olan Cormack, 70 yıllık geçmişe sahip bu sahil evini satın aldıktan hemen sonra yenilenme sürecini başlatmış: “Tasarım, mimari ve iç mekanlara yönelik derin bir tutkum var. Evimi tasarlarken tasarımın özü şu oldu: Sevdiklerimizle paylaşılan anları teşvik etmeye yönelik alanlar yaratmak… Yenilenme sürecinde küçük aksaklıklarla karşılaşsak da, bu zorluklar yenilikçi çözümler için bize fırsatlar sundu. Sonuçta ev, geçmişini yeni katmanlarla beraber kucaklayıp geleceğe taşındı. Tasarım seçimlerim ise genel olarak yaptığım seyahatlerden, yaratıcı ağımdan ve farklı tasarım paradigmalarına olan şükran duygumdan etkilendi”. Yoğun bir ormanın sınırında yer alan Cormack’ın evi pitoresk Deep Cove topluluğunun bir parçası. Bu sakin bölge aynı zamanda Vancouver'ın popüler kayak destinasyonu Seymour Dağı'nın eteğinde elverişli bir konuma sahip. Bu nedenle Cormack’ın evi görkemli dağlar ve okyanus arasında bir sığınak olarak da tanımlanabilir. Beş yatak odası, beş banyo, açık hava duşları, saunalar, seramik stüdyosu, açık yaşam alanları ve spor salonuna sahip olan evin tasarımı için Cormack şöyle diyor: “Eklektik tasarımların uyumlu bir birleşimi. Bu ev aynı zamanda kasıtlı bir çelişkiye sahip. Modern müdahalelerle geleneksel unsurlar birbirine karışıyor”. Gözlerden uzak dinlenme köşeleri ve geniş ortak alanların bulunduğu evin büyük kapıları dışarıya açılıyor ve Pasifik Okyanusu'na bakan bahçeyle birleşiyor. Evin aynı zamanda 1.600 metrekarelik geniş bir tekne demirleme alanı bulunuyor. Cormack, “Bulunduğum çevreden ilham alarak sedir, douglas göknarı ve taş gibi lokal malzemeleri tercih ettim. Bu seçimler, evin etrafını saran okyanus ve ormanla uyumlu bir şekilde bütünleşmesini sağladı” diyor. DETAYLAR - Garden: B&B Italia Crinoline chair by Patricia Urquiola. - At the entrance of the ceramic studio: Bocci 21’s lighting fixture. - Family room: Bocci 28’s lighting fixture, Clay fan by Maarten Baas, Cameron Kerr sculpture, Fritz Hansen Swan chair, Wegner Ox chair by Hans J. Wegner for Erik Jorgensen, Knoll chair, B&B Italia Husk sofa, Vince Skelly chair, Tom Dixon stool. - Living room: Sculpture by Rocky LaRock, Charles and Ray Eames lounge chair, Janaki Larsen vase, Andy Warhol artwork, Bocci 28.61 lighting fixture, Cini Boeri sofa for Arflex, McIntosh stereo, Cameron Kerr artwork, Joel Hanser fiber art. - Dining area: Arne Jacobsen Series 7 chairs for Fritz Hansen, Blu Dot table, vintage Herman Miller Shell red chair.

Mayıs 2020 | Art | Türkiye Mahremiyeti sorgulamak daha erotik Yazı | Alp Tekin İ nsan, beden, et, kimlik, deri, kıl, yara, kusur, uzuv, cinsiyet, mahrem, estetik, toplum, politika, saklanmak, utanmak, kaçmak, dokunmak, tanışmak, düşünmek ve barışmak üzerine görsel hikâyeler... Hakan Sorar, 30 mayısta Pg Art Gallery’de online olarak açılacak “Through the Skin” adlı sergisini böyle tanımlıyor. Ağırlıklı olarak siyah beyaz fotoğrafların yer aldığı sergi VR gözlüklerle de gezilebilecek. Sorar, bizi nasıl bir dijital sergi beklediğini şöyle özetliyor: “Tam anlamıyla sanal bir sergi oluşturmak önceliğimiz oldu. Sanatçı/ tasarımcı Ahmet Rüstem, Through the Skin serisine özel sanal bir mekân tasarladı ve bunu 3D olarak modelledi. Eserler dijital ortamda bu sanal galeriye yerleştirilerek bir seçki yapıldı. Böylece tüm eserler ve mekân 360 derece deneyimlenecek hale geldi”. “PUSUDAKİ TEN” AKLA GELİYOR Sorar’ın sergisinin ana teması ‘beden’. “İdeali yansıtmayan, eril gücün normatif değerlerine karşı olan bedenlere dair bir derdim hep vardı” diyor Sorar. Bu nedenle sanatsal pratiğini beden, kimlik, iktidar, cinsiyet kavramları, beden/nesne ve beden/mekân ilişkisi etrafındaki sorgulamalar üzerine şekillendirmiş. Bu noktada Mehmet Ergüven’in deneme kitabı “Pusudaki Ten” geliyor akla. 1998’de ilk baskısı yapıldığında yasaklanan bu kitaba meftun olanlar bilirler; bedenin mahrem bahçelerine özgürce dalarak çimenlerin üzerine basmakta sakınca görmemiştir Ergüven. Sorar’ın işleri de bu sakıncasız hali vurgular gibi: “Bedenle olan derdimden hareketle yeşeren Through the Skin serisinin sunduğu anonim bedenler, toplumsal alandaki çeşitli baskı mekanizmalarınca üretilen normalleştirme, idealize etme, ıslah etme, şekillendirme, ve örtme pratiklerine gözünü dikiyor”. Peki beden mahrem kaldıkça mı erotik yoksa mahremi çözüldükçe mi? Sorar’ın buna yanıtı şöyle oluyor: “Mahremiyeti sorgulama, sınırlarını araştırıp aşma halinin daha erotik olduğunu düşünüyorum” “BEDEN BUNLARDAN BAĞIMSIZ DEĞİL” Kıl, yara, fazla kilonun katlanmış hali... Söylediği gibi ideal bedenin peşinde değil Hakan Sorar. Bu konuda çok net: “Her bedenin biricik ve tekil olduğunu, bedenin kıl, yara, delik, kıvrım ve kırışıklık gibi çirkin/iğrenç olarak adlandırılan her şeyden bağımsız olamayacağını düşünüyorum”. “Neden erkek bedeni?” sorusuna Sorar’ın yanıtı incelikli ve düşündürücü: “Bu seride eril aklın ‘erkeklik’ atfettiği bedenleri görüyoruz. Maksadım, herhangi bir beden formunu, cinsiyeti, kimliği yüceltmek değil. Tam aksine bedenin kendi olma hali üzerinde durmak… Fotoğrafladığım bedenler, cinsiyet ve kimlikten azade, benim için herhangi bir bedeni temsil ediyor. Bir bedenin potansiyelinin, kadın/erkek gibi her türlü ikiliğin ötesinde olduğunu düşünüyorum. Sanatsal pratiğimde norm dışı tüm bedenlere dokunmak ve yer vermek istiyorum”. “ÇİRKİN, ŞİŞMAN, YAŞLI” DİYEN O BASKIN DİL Fotoğrafları içerisinde kendi beden parçalarına da yer veren Sorar, toplumun bedene bakış açısını ise şöyle değerlendiriyor: “Kişiye bedeninin, ‘çirkin’, ‘şişman’, ‘yaşlı’ ve birçok noktada ‘iğrenç’ olduğunu söyleyen baskın bir toplumsal dil var. Bu da haliyle bedenlerle barışmamızı olanaksız hale getiriyor”. ART | Kategorinin diğer yazıları ‘Resimlerin kendi içinde tedirgin olmasını önemsiyorum’ Mahremiyeti sorgulamak daha erotik Yuzu & nom-studios sunar ‘LOOP’ sergisi Kemal Özen "Gam'zede" Online Sergi Hangi yetişkin bir ‘Gam’zede’ değil ki artık? Ali Elmacı’nın atölye günleri notları May Parlar "Collective Solitude" Online Sergi Lara Kamhi’yle paradokslar ve izolasyon üzerine... BASE’in yeni dijital projesi yakında Sessiz Odanın Çığlığı İtalya’daki müzeden salgına bakınca… Yıldızı daha da parlayacak: Salman Toor Online açılış yapan İstanbullu sergi

January 2025 | DESIGN & INTERIORS TR BELOW the ARTFUL VISION of PANGHIA words Pınar Yılmaz photos Courtesy of Panghia Gizem and Ali Geylan share the journey of Panghia, their next-generation jewelry brand that merges art and craftsmanship. What is Panghia’s source of inspiration? GİZEM: The idea was born from the spirit of Istanbul, a city bridging two continents, but the journey has taken us around the world. The legacy we inherited from the Gilan brand was not just a lesson in craftsmanship but also a deep understanding of the soul of materials. In the gemstone markets of India, we met some of the world’s most exquisite stone artisans. There, we didn’t just select stones; we also learned the stories they carried and the rich traditions of craftsmanship behind them. The countless journeys I took with Ali became the foundation of Panghia. Whether it was listening to the silence in Kyoto’s Zen gardens or getting lost in the vibrant streets of Mexico City… One morning in Florence, we discussed how a sketch could be born; another day, we spent hours admiring a painting in a museum in New York. These travels are not just personal memories; they are details that permeate Panghia’s soul. ALİ: Using the metaphor of a journey to describe Panghia’s creative process is quite fitting because the process truly began like a journey. One of our earliest designs, the Timeless Loop Bracelet, with its simplicity and timelessness, feels like the essence of this journey. How would you describe your collaborative dynamic? GİZEM: It’s an enjoyable challenge! Sometimes we champion the same idea; other times, we head in completely different directions. In the end, what emerges is the result of our shared perspective. ALİ: The design process for us feels like a dialogue. I focus on pushing the boundaries of materials, while Gizem is more story-driven, thinking about the emotions a design will convey. This balance can be seen in the Halo earrings, where the lightness of titanium meets the elegance of gold. Could you tell us about the innovative materials and craftsmanship techniques you use in your designs? GİZEM: Our aim is to transform the stories of nature into art. The Amaranth wood used in the Curva bracelet allowed us to translate the warmth and natural texture of South American forests into an elegant work of art. This material comes to life at the intersection of traditional craftsmanship and contemporary art. Panghia respects the essence of every material, offering an aesthetic vision that shapes the future. ALİ: The gold used in the Éternel ring is reshaped at the molecular level using special bending techniques. This method enhances not only the material’s aesthetic appeal but also its durability. Moreover, we strive to preserve nature’s inherent elegance in every design. Sustainability is not just a responsibility but a fundamental part of our design philosophy. What is Panghia’s vision for the future? GİZEM: Panghia’s future vision is to become an ambassador of art and craftsmanship on the global stage, inspired by Istanbul’s timeless aesthetic legacy. We aim to collaborate with innovative contemporary art hubs such as Southbank Centre and Serpentine Gallery in London. Additionally, participating in global events like Frieze Art Fair will bring Panghia’s aesthetic values to art enthusiasts. Events like FIAC and Paris Design Week will offer us the opportunity to share Panghia’s timeless vision with Parisians. In New York, our goal is to be part of renowned art institutions such as the Metropolitan Museum of Art and the Whitney Museum. Gizem - Ali Geylan, sanat ve zanaati buluşturdukları yeni nesil mücevher markaları Panghia'nın yolculuğunu bizimle paylaşıyor. Panghia’nın ilham kaynağı nedir? GİZEM: Fikir, İstanbul’un iki kıta arasında köprü kuran ruhuyla doğdu ama yolculuk bizi dünyanın dört bir yanına taşıdı. Gilan markasından aldığımız miras, sadece zanaatkârlığa dair bir bilgi değil, aynı zamanda malzemenin ruhunu anlamak üzerine bir ders gibiydi. Hindistan’ın taş pazarlarında dünyanın en seçkin taş üreticileriyle tanıştık. Orada yalnızca taş seçmedik; o taşların taşıdığı hikâyeleri ve köklü zanaatkârlık geleneklerini de öğrendik. Ali’yle çıktığımız sayısız yolculuk da Panghia’nın temel taşlarını oluşturdu. Kyoto’nun Zen bahçelerinde oturup sessizliği dinlediğimiz günlerde ya da Mexico City’nin renkli sokaklarında kaybolduğumuzda... Bir sabah Floransa’da bir eskizin nasıl doğabileceğini konuştuk, başka bir gün New York’ta bir müzede saatlerce bir tabloya baktık. Bu yolculuklar sadece kişisel hatıralar değil, Panghia’nın ruhuna işleyen detaylar oldu. ALİ: Panghia’nın yaratıcı sürecini anlatmak için yolculuk metaforunu kullanmak çok uygun olur. Çünkü bu süreç gerçekten de yolculuk gibi başladı. İlk tasarımlarımızdan biri olan Timeless Loop Bilezik, yalınlığı ve zamansızlığıyla bu yolculuğun özeti gibi. GİZEM: Tasarım süreci bizim için bir diyalog gibi. Ben daha hikâye odaklıyım. Bir tasarımın hangi duyguyu yansıtacağını düşünüyorum. Ali ise malzemenin sınırlarını zorlamayı seviyor. Titanyumun hafifliğini altının zarafetiyle buluşturduğu Halo küpede olduğu gibi… Peki birlikte çalışmak nasıl? GİZEM: Keyifli bir meydan okuma! Bazen aynı fikri savunuyoruz bazen tamamen farklı yönlere gidiyoruz. Sonunda ortaya çıkan şey ikimizin ortak bakış açısının ürünü oluyor. Tasarımlarınızda kullandığınız yenilikçi materyaller ve zanaat tekniklerinden bahseder misiniz? GİZEM: Tasarımlarımızda doğanın hikâyelerini sanata dönüştürmeyi hedefliyoruz. Curva bilezikte kullanılan Amaranth ağacı, Güney Amerika ormanlarının sıcaklığını ve doğal dokusunu zarif bir sanat eserine dönüştürmemizi sağladı. Bu malzeme, geleneksel zanaatkârlıkla çağdaş sanatın birleştiği bir noktada hayat buluyor. Panghia, her malzemenin özüne saygı duyarak, geleceği şekillendiren bir estetik anlayışı sunuyor. ALİ: Éternel yüzükte kullanılan altın, özel bükme teknikleriyle moleküler seviyede yeniden şekillendirildi. Bu yöntem sadece malzemenin estetik gücünü değil, dayanıklılığını da artırıyor. Ayrıca her tasarımda, doğanın kendine özgü zarafetini korumaya yönelik bir çaba gösteriyoruz. Sürdürülebilirlik sadece bir sorumluluk değil, tasarım felsefemizin parçası. Panghia’nın gelecek vizyonu nedir? GİZEM: Panghia’nın gelecek vizyonu, İstanbul’un zamansız estetik mirasından ilham alarak global arenada bir sanat ve zanaat elçisi olmak. Londra’da çağdaş sanatın yenilikçi merkezlerinden biri olan Southbank Centre ve Serpentine Gallery gibi mekanlarla iş birliği yapmayı hedefliyoruz. Ayrıca, Frieze Art Fair gibi global etkinliklerde yer alarak Panghia’nın estetik değerlerini sanatseverlerle buluşturmayı amaçlıyoruz. FIAC ve Paris Design Week gibi etkinlikler ise Panghia’nın zamansız vizyonunu Parisliler’e sunmamıza olanak tanıyacak. New York’ta ise Metropolitan Museum of Art ve Whitney Museum gibi sanat merkezlerinde yer almayı hedefliyoruz.

Kasım 2021 | Tasarım | Türkiye LEVENT EVİ Yazı | Alp Tekin İ stanbul Levent’te konumlanan ve 2022’de tamamlanması planlanan Levent Evi; Mahmut Kefeli, İrem Başer ve Kerem Erçin’in mimari ofisi escapefromsofa tarafından bu yıl içinde tasarlanmış. Kompakt bir cepheyle sokaktan giriş alan Levent House, geniş açıklıklara sahip bir arka cepheye sahip. 900 metrekare açık ve 250 metrekare kapalı alanı olan projede, ev sahiplerinin birlikte vakit geçirmelerine imkan veren ortak yaşam alanları zemin katta yer alıyor. Salon ve mutfağı açık plan şemasında tasarlanan Levent Evi, geniş açıklıkları sayesinde terasa ve kot farkını nitelikli biçimde yorumlayan bahçeye açılarak mekansal sürekliliği de vurguluyor. Bodrum katta kurgulanan çalışma odası ise bir yandan bahçeye göz kırpıyor bir yandan da kendi sakin atmosferiyle ayrı bir mekan niteliğinde… YALIN GEOMETRİK FORMLAR Proje genelinde yalın geometrik formlar kimi zaman keskin kimi zaman dairesel yüzeylerle birbirine eklemlenmiş. Söz konusu formlar bej renk paletiyle tamamlanıp ortaya çıkarılmış. Beraber kullanılan ahşap ve doğal taşlarla ise estetik kompozisyonlar yaratılmış. Tüm bu detaylar minimal bir yaklaşımın benimsendiği mobilya kullanımıyla desteklenmiş.

Mayıs 2021 | Art | İngiltere Uçtu uçtu, KAWS uçtu G erçek ismi Brian Donnelly olan Amerikalı sanatçı KAWS’nin gözleri X işaretiyle kapanmış, beyaz eldivenli, Mickey Mouse’u andıran, palyaço benzeri meşhur figürü Companion bu kez bir sıcak hava balonu olarak karşımıza çıktı! KAWS ve uzun süredir birlikte çalıştığı AllRightsReserved, KAWS: HOLIDAY adı verilen balonu ilk kez önceki gün İngiltere'nin Bristol kentinde uçurdu. 42 metre uzunluğuyla dünyanın en büyük sıcak hava balonu olan bu heykel, sizce Kapadokya’ya da gelse şahane olmaz mıydı? Unutmadan: Bundan iki yıl önce, Hong Kong’taki Art Basel’de 35 metrelik dev şişme Companion heykelini liman sularına bırakılmış ve o yılın selfie rekorunu muhtemelen bir gün içinde kırmıştı KAWS. Son olarak da Brooklyn Müzesi’nde 5 Eylül’e kadar sürecek “What Party” adı verilen bir sergisi açılmıştı KAWS’nin. Bu sergide sanatçının toplam 167 işi yer alıyor. İlk çıkış dönemindeki sokak işleri ve resimlerinden tutun da, Companion’un bol versiyonlu çeşit çeşit heykeline kadar her şey yer alıyor sergide...

November 5, 2025 | DESIGN & INTERIORS MARSHA LIPTON words Pınar Yılmaz A visionary mind at the intersection of art, finance, and technology, Dr. Marsha Lipton has dedicated her career to protecting the identity of physical objects in the digital realm. With experience at J.P. Morgan, an academic foundation in chemistry, and a collector’s eye, she’s redefining one of the art world’s most essential concepts: trust. Your journey spans finance, technology, and art. What led you to found Numeraire Future Trends? Numeraire Future Trends grew out of a lifelong fascination with science, technology, finance, and art — a convergence that felt almost inevitable. I began my career as a trader, first in London’s financial district and later on Wall Street, after earning a PhD in Physical Chemistry and an MBA from the University of Chicago. Those years taught me how to live with risk, make decisions with imperfect information, and filter meaningful signals from noise — a data-driven discipline that still anchors my work today. Over time, I became intrigued by the transparency and traceability offered by blockchain technology. It promised a kind of digital integrity long missing from the world of physical assets. Yet I soon realized that NFTs, in their current form, fell short of that promise. They were often misunderstood and misrepresented — pointing to images stored elsewhere rather than securing or verifying the artworks themselves. The token might persist, but the image it referenced remained vulnerable. That realization sparked a deeper ambition: to integrate technology into the art world responsibly, with the object itself at the centre. Alongside Dr. Thomas Hardjono from MIT, we developed a system where trust resides not in paper documentation but within the object itself. When I began collecting, I noticed how fragile the foundations of authenticity and provenance could be. Documents, galleries, even artists disappear — and records fade. That’s where Numeraire was born: from the idea that trust should be embedded not in certificates, but in the very essence of the object. Why are your Digital Product Passports and AI-based “Object Fingerprint” technology so vital for collectors? Forgery today is far more sophisticated than ever before. AI-powered printing techniques can produce copies capable of deceiving even the most experienced experts. This threatens the very foundation of trust upon which the art world is built. At Numeraire, we address this through Digital Product Passports reinforced by AI-driven Object Fingerprinting. Instead of paper certificates, we record the object’s unique physical characteristics — surface texture, pigment distribution, or the microscopic pattern of a metal or gemstone. These details generate a permanent digital identity stored securely on the blockchain. Artists, galleries, and documentation may come and go, but the object’s own trace remains. In that sense, the values we safeguard today can endure confidently in tomorrow’s world. Can this technology also be applied beyond art — for example, to jewellery and watches? Absolutely. The idea behind Numeraire is simple yet powerful: every object is unique. The texture of a painting, the surface of a metal, the veins of a stone — none can ever be replicated exactly. That makes a tremendous difference in the world of limited-edition jewellery and watches. A Rolex or Cartier bracelet no longer needs a paper certificate to prove authenticity; the material itself becomes the evidence. Each piece carries its own digital identity, enabling verification and transparency across the entire value chain — for brands, collectors, and consumers alike. Where do you see digital identity systems heading over the next decade? What begins today within the worlds of culture and art will soon expand to fields as diverse as medicine, defence, sustainable manufacturing, and luxury goods. In the near term, our aim is clear: to establish a new standard of trust across art, design, and the luxury industries. Our vision is both simple and ambitious — to create a verification technology that stays one step ahead of imitation, protecting authenticity in an increasingly digital world.

Kasım 2022 | Art & Culture | Miami türkçe için tıklayın Bodrum Maça Kızı’s Art Basel party Writer Onur Baştürk A rt Basel was founded in 1970 by the gallerists Ernst Beyeler, Trudl Bruckner and Balz Hilt of Basel in Switzerland to rival its neighbor 'Art Cologne'. The goal of the three gallerists when they set out was this: To attract rich new collectors interested in art to their fairs in the nascent consumer society. In a short time, Art Basel attracted great attention. Moreover, it has become an art fair, which not only attracts attention, but also has the highest sales of all time. Not only in terms of sales, it was also a fair where great discussions took place. Remember: Maurizio Cattelan's "Comedian", a piece of banana glued to the wall with black tape, "What kind of art is this?" created a controversy at the fair in 2019. Art Basel currently has fairs spanning three continents. The fair, which was held in Basel as well as in Miami and Hong Kong, was held in Paris for the first time this weekend. But with a small difference. The new fair, which was established under the name Paris + par Art Basel, attracted attention with its coverage not only of art but also of design and fashion. At the end of this month, there is Art Basel Miami. One of the surprise aspects of Art Basel Miami, which will start with a VIP preview on November 29 and continue until December 3, is the Maça Kızı pop-up tent that will remain open throughout the fair. A big party will be held on the night of 30 November in the tent designed by architect Ahmet Alataş, who also signed the new winter section of the Maça Kızı. Maça Kızı’nın Miami sürprizi Yazı Onur Baştürk A rt Basel, 1970 yılında komşusu ‘Art Cologne'a rakip olmak için İsviçre’deki Basel’ın galericileri Ernst Beyeler, Trudl Bruckner ve Balz Hilt tarafından kurulmuştu. Yola çıkarken üç galericinin hedefi şuydu: Yeni gelişmeye başlayan tüketim toplumunda sanata meraklı zengin yeni koleksiyoncuları fuarlarına çekmek. Kısa sürede Art Basel büyük ilgi gördü. Dahası, ilgi görmekle kalmayıp aynı zamanda her daim en yüksek satışların yapıldığı sanat fuarı haline geldi. Sadece satış anlamında değil, büyük tartışmaların çıktığı bir fuar da oldu. Hatırlayın: Maurizio Cattelan’ın duvara siyah bantla yapıştırılmış muzdan ibaret “Komedyen” isimli eseri “Bu nasıl sanat?” tartışması yaratmıştı 2019 yılındaki fuarda. Art Basel’ın şu anda üç kıtaya yayılan fuarları var. Basel’ın yanı sıra Miami ve Hong Kong’ta yapılan fuar bu hafta sonu ilk kez Paris’te yapıldı. Ama küçük bir farkla. Paris + par Art Basel ismiyle kurulan yeni fuar sadece sanatı değil, tasarımı ve modayı kapsamasıyla da dikkatleri üstüne çekti. Bu ayın sonunda ise Art Basel Miami var. 29 kasımda VIP ön izlemeyle başlayacak ve 3 aralık’a kadar devam edecek Art Basel Miami’nin bizim için sürpriz yanlarından biri ise Maça Kızı’nın fuar boyunca açık kalacak pop-up çadırı. Maça Kızı’nın kışlık yeni bölümüne de imza atan mimar Ahmet Alataş tarafından tasarlanan çadırda 30 kasım gecesi büyük bir parti de yapılacak. Çapa 1

August 2023 | MEDITERRANEAN | Vol 10 english below TURKISH RIVIERA words & photos Kristina Avdeeva @seasouldiary Yazz Collective photos Fevzi Öndü Y ıldızlara dikkatlice bakınca Orion’u kolayca bulabilirim. Ardından Perseus ve Pleiades’i. Çünkü gökyüzünde tek bir bulut yok. Rüzgâr da yok. Deniz sanki siyah bir ayna gibi gökyüzünü yansıtıyor. Sık sık demir attığımız Wall Bay’e, sadece komşu sahildeki Adaia Göcek restoranın loş ışıkları geliyor. Dalaman Havalimanı uzakta değil gibi. Fethiye’nin şehir ışıkları da dağların arkasından görünüyor. Ama biz battaniyeye sarınmış; şehrin gürültüsünü ve telaşını unutmuş, hiçbir şeyden korkmuyoruz. Bu sihir her gece Göcek koylarında yaşanıyor. TÜRK RIVIERA’SININ EN ÖNEMLİ ÖZELLİĞİ Fethiye Körfezi’ni gezerken teknede yemek pişirebilir ya da sadece denizle ulaşılan restoranlarda tembel tembel vakit geçirebilirsiniz. Bu durum Türk Rivierası’nı dünyadaki çoğu yerden ayıran bir özellik. Şöyle anlatayım: Bazen önceden yer ayırtarak karaya demirliyor ve akşam yemeğine gidiyoruz. Park yeri ödemesi yemeğe dahil oluyor. Bu her yerde bu şekilde. Bir yandan da özel bir saygı göstergesi. İskelelerine gelip kıyıdaki hizmetlerini kullanıyor ve yemek yiyorsunuz. Bir diğer eşsiz özellik ise iskelenin kristal berraklıktaki suyunda yüzmek ve demirleyen yatların yanında yelken açma olanağı. Yani diğer insanları ve tekneleri görüyorsunuz, ama etrafınızdaki özgürlük ve güzellik duygusu nedeniyle hâlâ vahşi koyu hissediyorsunuz. Bu büyülü bölgeyi özel kılan da bu. O nedenle birçok ülke ve kıtayı gördükten sonra bile Göcek’e geri dönmek istiyorsunuz. İYİ BİR RÜZGÂR OLDUĞUNDA... Kapı Deresi, Adaia Göcek, Zeytin Restoran, Onno Bar ve diğer mekanlar çam ağaçlarının arasında gizlenmiş ve birbirine yakın mesafede konumlanmış. Bazen yatçılar Göcek Körfezi sınırını geçmez ve tüm haftayı burada geçirmeyi tercih eder. Ama yılın herhangi bir zamanı, birinci sınıf bir yelken için iyi bir rüzgâr olduğunda büyük fırsatlar doğar. Çünkü A noktasından B noktasına gitmek için uzun saatler harcamanıza, acele etmenize gerek kalmaz. En sevdiğiniz şeyi yapabilir ve ardından iskelede durup dağların huzurlu manzarası eşliğinde soğuk biranın tadını çıkarabilirsiniz! KARACAÖREN ADASI’NIN SIRRI Eski zamanlarda, burada sadece Tanrıların yaşamasına izin verilirmiş ve onlar bu pitoresk kıyılar boyunca yer alan antik anıtlarda kendilerini hatırlatan izler bırakmış. O izleri görmek için en iyi rota Likya Yolu. Muğla ve Antalya kıyıları arasında, yaklaşık 300 mil uzunluğundaki Likya Yolu; İz, Cold Water Bay gibi muhteşem yüzme noktalarına, bozulmamış plajlara erişim sağlıyor. Bu kadar uzun bir rota için zamanınız yoksa, ama yine de eski tarihle tanışmak istiyorsanız Gemiler Adası’na (St. Nicholas Adası) gidebilirsiniz. Antik kent kalıntılarını ve turkuaz deniz suyu manzarasını görmek için adanın kuzey tarafında demirleyin. Adanın tepesinde bir deniz feneri var, günbatımı izlemek için mükemmel bir yer! Doğuda Babadağ’ı ve Ölüdeniz manzarasını, batıda ise kaplumbağa şeklindeki Karacaören adasını görebilirsiniz. Bu gizli yeri pek kimse bilmez. Birkaç on yıl önce bir balıkçı ailesi, dünyanın her yerinden gelen yatçıları Türk misafirperverliği ile burada karşılayıp yemek vermeye başladı. Tüm bunlar bugün de devam ediyor. KARADA SOSYALLEŞMEK İÇİN... - Teknede kalan bir münzevinin hayatı dışarı çıkmakla değişebilir! Bunun kanıtı, gastronomi sahnesinde önemli bir oyuncu olarak kendini kanıtlamış, doğayla çevrili bir koyda yer alan Yazz Collective. - Göcek’te lokal markaların yer aldığı butikler arasında yürüyüş D-Marin Resort’ta son buluyor. Burası, bölgedeki tek beyaz kumlu plajıyla en göz alıcı nokta. D Breeze isimli restoranında öğle yemeği yedikten sonra ayaklarınızı denize sokmaya kesinlikle değer. - Eski kasabası, mis kokulu çarşısı ve kayalıklara oyulmuş Likya mezarlarıyla Fethiye de görülmesi gereken bir yer. Fethiye’de otantik Türk lokumu satan “Servet”e mutlaka göz atın. - Fethiye’deki beş yıldızlı Yacht Classic Hotel’in zarif restoranında ise James Bond filmlerinden ilham alın. Nitekim bir keresinde Daniel Craig, birinci sınıf hizmetin ve lezzetli yemeklerin tadını çıkarıp yatçılık hayatına daha fazla aşık olmak için birkaç günlüğüne buraya gelmişti. I can easily find Orion when I look at stars carefully. Then Perseus and Pleiades. Because there is not a single cloud in the sky. No wind either. The sea reflects the sky like a black mirror. Only the dim lights of the Adaia Gocek restaurant on the neighboring beach reach Wall Bay, where we often anchor. Dalaman Airport seems not far. City lights of Fethiye also come into view behind the mountains. But we are covered in blankets; forgotten about the noise and bustle of the city, unafraid of anything. This magic happens every night in Göcek bays. THE MOST IMPORTANT FEATURE OF THE TURKISH RIVIERA While cruising in Fethiye Bay, you can cook on the boat or spend some lazy time at restaurants only accessible by the sea. This is a feature that distinguishes the Turkish Riviera from most places in the world. Let me put it this way: Sometimes we make reservations in advance and anchor ashore to go to dinner. Parking fee is included in the meal. It’s the same everywhere. It’s also a sign of respect. You come to their pier, use their services on the shore and dine. Another unique feature is the opportunity to swim in the pier’s crystal clear water and sail alongside the anchored yachts. So you see other people and boats, but you still feel the wild bay thanks to the sense of freedom and beauty around you. That is what makes this magical place special. That is why you want to come back to Göcek even after seeing many countries and continents. WHEN THERE IS A GOOD WIND... Kapı Deresi, Adaia Göcek, Zeytin Restaurant, Onno Bar, and other venues are hidden among pine trees and located close to each other. Sometimes yachtsmen do not cross the Göcek Bay border and prefer to spend the whole week here. But at a time of the year, when there is a good wind for a first-class sail, great opportunities occur. Because you do not need to rush and spend long hours to get from point A to point B. You can do your favorite thing and then enjoy a cold beer standing on the pier with the peaceful view of the mountains! THE SECRET OF KARACAOREN ISLAND In the old days, only Gods are allowed to live here and they left traces of themselves in these ancient monuments located along these picturesque shores. Lycian Way is the best route to see those traces. The Lycian Way, approximately 300 miles long between the coasts of Muğla and Antalya provides access to magnificent swimming spots and unspoiled beaches such as İz and Cold Water Bay. If you do not have time for such a long route yet still want to meet the ancient history, you can go to Gemiler Island (St. Nicholas Island). Anchor on the north side of the island to see the ruins of the ancient city and the view of tempting turquoise sea water. There is a lighthouse at the top of the island, the perfect place to watch the sunset! You can see Babadag and Oludeniz in the east, and the turtle-shaped Karacaoren island in the west. Not many people know this secret spot. A few decades ago, a fishermen’s family started to serve dinner here welcoming yachtsmen from all over the world with Turkish hospitality. All this continues today. TO SOCIALIZE ON THE LAND... - The life of an anchorite staying on a boat can change by going outside! Evidence of this is the Yazz Collective which has proven itself as a major player in the gastronomy scene and is located in a bay surrounded by nature. - The walk along the local brand boutiques in Göcek ends at D-Marin Resort. This is the most glamorous spot with the only white sand beach in the area. Definitely worth getting your feet in the sea after having lunch at its restaurant named D Breeze. - Fethiye with its old town, fragrant bazaar, and Lycian tombs carved into the rocks is another must-see. Be sure to check out “Servet” which sells authentic Turkish delight in Fethiye. - Get inspired by James Bond movies in the elegant restaurant of the five-star Yacht Classic Hotel in Fethiye. Indeed, Daniel Craig once came here for a few days to enjoy world-class service and delicious food and fall even more in love with the yachting life. for more Print VOL X - AEGEAN & MEDITERRANEAN EDITION - 2023 Out of Stock Add to Cart

January 2023 | Place & People | Vol VIII TR below ESRA KAZMİRCİ Words Alp Tekin Photos OB Your architectural office is in Arnavutköy, your house is in Rumelihisarı. What does living in Istanbul between these two favorite districts bring you and your profession? Especially about your house, you say, “When I come here, I get away from Istanbul and get into a holiday mood”. Why? After a long and busy day at the office, I want to go home right away! At this point, being close to home in a big city like Istanbul is a real luxury. From the moment I step into the neighborhood of our house, I feel a sense of peace. The fact that the location of my home and office is close to the environment where I spend my time also enables me to handle all my tasks in the hustle and bustle of daily life. At the same time, Arnavutköy is a good location in terms of proximity to the places I will socialize. Which places do you go to most? Bebek Otel, Bebek Balıkçısı, Salt, Melina Kantina, Adem Baba and Any. You are an interior designer who mainly does home-oriented projects. Which is your most memorable project? Generally, we aim to do the right things together with my team based on the question “How would I be happy in this house?”. Being on the hosts’ wavelength is also very important in the decoration of the house. As a matter of fact, in the house project we made in Rumelihisarı, the customer left himself completely to us in terms of design. This allowed us to be free in design. Thus, in line with the wishes of our customers, we prepared a space without compromising the visual character and decoration qualities, and without interfering too much with the existing setup, keeping the functionality in the foreground. What are the first three things you want to fix right away when you enter a house or space? Table, accessory arrangement on the table and pillows on the sofa! Mimarlık ofisin Arnavutköy’de, evin Rumelihisarı’nda. İstanbul’u bu iki gözde semt arasında yaşamak sana ve mesleğine neler kazandırıyor? Özellikle evin konusunda, “Buraya girince İstanbul’dan uzaklaşıp tatil havasına giriyorum” diyorsun. Neden? Ofiste geçirilen yoğun ve uzun bir günden sonra kendimi hemen eve atmak istiyorum! Bu noktada İstanbul gibi büyük bir şehirde ofisin eve yakın oluşu gerçek bir lüks. Evimizin mahallesine adım attığım andan itibaren içimi bir huzur kaplıyor. Ev ve ofis konumunun zaman geçirdiğim çevreye yakın olması da günlük hayat koşuşturması içinde her işimi halledebilmemi sağlıyor. Aynı zamanda Arnavutköy, sosyalleşeceğim mekanlara yakınlık bakımından iyi bir lokasyon. Daha çok hangi mekanlara gidiyorsun? Bebek Otel, Bebek Balıkçısı, Salt, Melina Kantina, Adem Baba ve Any. Ağırlıklı olarak ev odaklı projeler yapan bir iç mimarsın. En çok iz bırakan projen hangisi? Genelde “Ben bu evde nasıl mutlu olurdum?” sorusundan yola çıkarak ekibimle beraber doğru işler çıkarmayı hedefliyoruz. Ev sahipleriyle karşılıklı frekanslar da evin dekorasyonunda çok önemli. Nitekim Rumelihisarı’nda yaptığımız ev projesinde müşteri tasarım konusunda kendini tamamen bize bıraktı. Bu da tasarımda özgür olmamızı sağladı. Böylece müşterimizin istekleri doğrultusunda, mevcut kurguya çok müdahale etmeden, fonksiyonelliği ön planda tutarak, görsel karakter ve dekorasyon niteliklerinden ödün vermeden bir mekan yarattık. Bir ev ya da mekana girdiğinde hemen düzeltmek istediğin ilk üç şey ne? Tablo, masa üzeri aksesuar düzenlemesi ve kanepe üzeri yastıklar! Tamamı için... | For more... Print VOL VIII - 2022 / 23 Out of Stock View Details

July 7, 2025 | VOL 16 P U R E: SCULPTING SILENCE in WHITE words Onur Basturk photos of Products & Exhibition Antoine Bootz This summer, the renowned New York-based design house RALPH PUCCI brings its distinctive vision to the serene landscapes of Provence. The exhibition, titled PURE, is set within the architectural masterpiece of Oscar Niemeyer's Pavilion at Château La Coste. Celebrating the 70th anniversary of the brand and 50 years under Ralph Pucci's leadership, this marks only the fourth contemporary design showcase at the esteemed art destination. At the heart of PURE lies a curated collection of sculptural works crafted from RALPH PUCCI's proprietary Plasterglass material. This unique medium, resembling plaster yet known for its durability, captures the artists' original touch. The exhibition features an all-white palette—tables, lighting, and seating—each piece handcrafted with clean lines and textured nuances, inviting contemplation on form and material. Complementing the visual experience, the exhibition is accompanied by a jazz soundtrack, echoing the innovative spirit of the 1950s—the era when the Pucci legacy began. Visitors will also have the rare opportunity to witness live sculpting sessions by RALPH PUCCI's Master Sculptor, offering an intimate glimpse into the creative process that defines the brand's ethos. DURING A VISIT TO CHÂTEAU LA COSTE WİTH MY SON MICHAEL, WE HAPPENED YO SHARE A RIDE FROM THE AIRPORT WITH PADDY MCKILLEN. THAT UNEXPECTED MEETING SPARKED A SEVEN-YEAR JOURNEY OF SHARED IDEAS, CULMINATING IN THE PURE EXHIBITION The genesis of the PURE exhibition at Château La Coste began with a serendipitous meeting between you and Paddy McKillen, the visionary behind Château La Coste. Could you share how this encounter evolved into the current collaboration? My son Michael and I travelled to Château La Coste to see the Paul Mathieu show, and we happened to share a ride from the airport with Paddy McKillen. We didn’t know each other then personally but we discovered we had a lot in common and shared a passion for art in all its forms. There was a mutual respect for each other’s work and a desire to collaborate. This show is the culmination of seven years of sharing ideas. PURE also commemorates significant milestones for your brand. How has RALPH PUCCI evolved over the decades, and what is your vision moving forward? My parents founded the business in the middle of the last century as a mannequin repair business. I joined in my early 20s and brought with me the buzzing creative scene of New York in the 70s. We repositioned the mannequin as a medium for art that could be reinterpreted creatively and exhibited as a sculptural form in its own right. We collaborated with leading fashion designers as well as artists – it was experimental and empowering. The next pivotal moment happened when I met Andrée Putman in the early 80s. She was excited by our world and asked me to represent her work in the US. While I wasn’t immersed in furniture design then, I understood her brilliance and knew the pieces should be sold as collectible. We had a gallery space below the studio where we started selling her pieces and our furniture business grew from there. We created the first collectible design gallery, and while this concept has been more widely adopted we are still the only one to have a sculpture studio and factory on site too. During covid, demand for mannequins fell away so since then we have focussed on furniture, lighting and art, and the craftsmen who created the mannequins previously now create the furniture. As we enter our eighth decade, my children are continuing to push RALPH PUCCI forward. Michael and Nicole are very involved in the business and have helped discover new artists as well as drive the business into new realms. This is our first show on mainland Europe and we’re looking forward to more milestones. I WANTED ALL THE WORKS TO BE PURE AND COMPLEMENT THE ARCHITECTURAL SETTING RATHER THAN DISTRACTING FROM IT All the works in PURE are rendered in white. What was the intention behind this choice, and what can visitors expect from the exhibition? Yes they are all white and they have all been sculpted by each artist at our New York sculpture studio. They’re made in our proprietary Plasterglass material which is unique – it can be manipulated by the artist but is incredibly strong and can even be used outdoors. I wanted all the works to be PURE and complement the architectural setting rather than distracting from it. Each one shows the hand of its maker and celebrates the imperfection of the handmade. Did the unique setting of Château La Coste influence the creation of the pieces? Were any works designed specifically for this location? When I first saw the Oscar Niemeyer building I immediately knew it was the right space for the show, and exactly how the show would be. They are all white to allow the visitor to explore the variations between the works and how the forms interact with the architecture and nature at Château La Coste. Jazz has been a consistent element in your galleries. Will it feature in this exhibition as well? Jazz is always the soundtrack for us and there is a curated playlist for the show that will enhance it, reflecting the innovative spirit of the 50s when my parents founded the business as well as enhancing the dreamlike atmosphere of the show. Lastly, do you have any favorite spots on the French Riviera you'd recommend? La Colombe D’Or is a classic spot filled with legendary art in St Paul De Vence. And another great hotel is Chateau Saint-Martin & Spa, in Vence. EDITOR’S NOTE: The exhibition, which opened on June 23, will be on view until September 25. for more Print VOL XVI - AEGEAN & MEDITERRANEAN 2025 Out of Stock Add to Cart

Haziran 2020 | Art | Türkiye Geçici ama hafızalarda kalıcı olan müdahaleler Yazı | Alp Tekin D ev boyutlardaki yerleştirmeleriyle tanınan Christo ve Jeanne- Cluade Javacheff çiftini yeniden hatırlama zamanı. Çünkü Jeanne-Claude’un 2009 yılındaki ölümünün ardından Christo da geçtiğimiz günlerde 84 yaşındayken New York’taki evinde öldü. Bu muhteşem sanatçı çiftten geriye yaratıcılıkla beslenen müthiş bir aşk hikâyesi ve sınırları her daim zorlamış eserler kaldı. Neler mi yaptı bu çılgın çift? Neler yapmadı ki desek daha doğru olur! Aynı gün doğan (13 haziran 1935) ve 1958’te tanışan Christo ve Jeanne-Claude, çevre için yeni bir bakış açısı yaratmayı amaçlıyorlardı. Bu nedenle geçici müdahaleler serisini başlattılar. Bu müdahaleler kapsamında bir Volkswagen arabayı (1963), binaları (1967-68, 1971-95), bir Ortaçağ kulesini (1968), bir çeşmeyi (1968), kıyıyı ve kayaları (1969), adaların etrafını (1980-83) ve ağaçları (1997-98) sentetik kumaşla kapladılar. Bu eserlerin hepsi bir ila üç hafta gibi sınırlı bir sürenin ardından yeniden eski haline çevrildi. Kullanılan malzemenin tümü geri dönüştürüldü. 100 BİN METREKARELİK YÜZEN İSKELELER Çiftin en çok ses getiren işlerini şöyle bir sıralayalım: Üç yıllık bir izin sürecinin ardından 1983 yılında Miami'nin Biscayne Körfezi'ndeki 11 adanın etrafını 600 bin metrekareden fazla kırmızı polipropilen kumaşla kapladılar. Bu projenin adı “Surrounded Islands”dı. Kaliforniya’da ürettikleri “Running Fence” projesinde ise 59 farklı özel mülkün üstünden geçen, beş buçuk metre yükseklikte, 39 kilometre uzunluğunda beyaz naylon kumaştan bir çit yaptılar. Amaç, ekonomik ve sosyal düzeyleri farklı arsa sahipleri arasında bir kesişim noktası yaratabilmekti. 1971’de projesini çizdikleri, yapımı ancak 1995 yılında gerçekleştirilen “Wrapped Reichstag” projesi de büyük ilgi gören işlerdendi. Berlin’deki Alman Parlamentosu’nu 100 bin metrekare gümüş kumaş ve 90 profesyonel dağcının yardımıyla paketlediler. Parlemento iki hafta boyunca bu paketli haliyle kalmıştı. 1962’de yaptıkları “Wall of Oil Barrels-The Iron Curtain” adlı çalışma ise tamamen varillerden oluşuyordu ve çiftin diğer işlerine göre daha politik bir tavra sahipti. Varilleri, Paris’in Visconti sokağından geçişi engelleyecek şekilde, bu kez izin almadan yığmışlardı. Fikrini 70’li yıllarda geliştirdikleri bir diğer proje “Floating Piers”’ın hayata geçirilmesi ancak Jeanne-Claude’un ölümünden sonra mümkün olabildi. 2016 yılında İtalya’nın Iseo Gölü’nde yapıldı Floating Piers. 100 bin metrekarelik alanı kaplayan, sarı kadife çiçeği rengindeki yüzen iskelelerden oluşan bu yürüyüş yolu çiftin daha önceki yerleştirmeleri gibi halka açıktı. Üç hafta boyunca açık kalan göl üzerindeki bu devasa sarı yoldan binlerce insan yürüdü, ortaya çarpıcı fotoğraflar çıktı. LONDRA MASTABA Çiftin yine 1977’de tasarladığı bir başka proje olan “Mastaba”yı, Christo eşinin anısına ithaf ederek 2018’de tamamladı ve Mastaba’yı Londra’da açtı. İsmini Antik Mısır’daki tavanı düz, yanları eğimli banktan ve mezardan alan Mastaba heykeli aslında 410 bin adet renkli varilden oluşacak ve Abu Dabi’ye yakın bir çölde inşa edilerek dünyanın en büyük heykeli olacaktı. Ama Serpentine Galeri’nin davetiyle Londra’da yapıldı ve Londra Mastaba 7 bin 506 varille yapıldı. Yani tasarlanan ilk heykelin küçültülmüş bir versiyonuydu. ART | Kategorinin diğer yazıları ‘Resimlerin kendi içinde tedirgin olmasını önemsiyorum’ Mahremiyeti sorgulamak daha erotik Yuzu & nom-studios sunar ‘LOOP’ sergisi Kemal Özen "Gam'zede" Online Sergi Hangi yetişkin bir ‘Gam’zede’ değil ki artık? Ali Elmacı’nın atölye günleri notları May Parlar "Collective Solitude" Online Sergi Lara Kamhi’yle paradokslar ve izolasyon üzerine... BASE’in yeni dijital projesi yakında Sessiz Odanın Çığlığı İtalya’daki müzeden salgına bakınca… Yıldızı daha da parlayacak: Salman Toor Online açılış yapan İstanbullu sergi

Nisan 2020 | Art | Türkiye Kemal Özen "Gam’zede" Online Sergi M ay Parlar’la başlattığımız online sergi serisine Kemal Özen’le devam ediyoruz. Özen’in “Gam’zede” adlı sergisi farklı dönemlerde ürettiği işlerden oluşuyor. Sergideki işlere baktıktan sonra Onur Baştürk’ün Kemal Özen’le yaptığı söyleşiyi de okumanızı tavsiye ederiz. Özellikle de sergiye neden “Gam’zede” ismini verildiğini merak ettiyseniz… Röportajı okumak için tıklayınız! KEMAL ÖZEN instagram @kemalozen Çoraptan Çıkan Sevgili - l, 2019 Kâğıt üzerine karakalem, 70 x 70 cm Çoraptan Çıkan Sevgili - ll, 2019 Kâğıt üzerine karakalem, 100 x 70 cm Çoraptan Çıkan Sevgili - lll, 2019 Kâğıt üzerine karakalem, 100 x 55 cm Deri, 2019 Kâğıt üzerine karakalem, 100 x 70 cm Gelecek Nesiller için Yeni Mitler (Adem Oğulları), 2018 Tuval üzerine yağlıboya, 250 x 125 cm Gelecek Nesiller için Yeni Mitler (Hedef), 2018 Tuval üzerine yağlıboya, 60 x 200 cm & Ø 80 cm Dinle Sevgili, 2017 Tuval üzerine yağlıboya, 100 x 85 cm Huzursuz Yatak, 2017 Tuval üzerine yağlıboya, 150 x 135 cm Sevgili Yalnızlığım, 2017 Tuval üzerine yağlıboya, 130 x 90 cm Tuzağa Yakalanmak - l, 2016 Tuval üzerine yağlıboya, 75 x 55 cm Tuzağa Yakalanmak - ll, 2016 Tuval üzerine yağlıboya, 75 x 55 cm Tuzağa Yakalanmak - lll, 2016 Tuval üzerine yağlıboya, 75 x 65 cm Vaaz, 2015 Tuval üzerine yağlıboya, 100 x 100 cm Günah Keçisi, 2015 Tuval üzerine yağlıboya, 160 x 100 cm Düğüm, 2015 Tuval üzerine yağlıboya, 60 x 50 cm Gel Beraber Olsun - l, 2013 Tuval üzerine yağlıboya, 60 x 50 cm Hey!, 2013 Tuval üzerine yağlıboya, Ø 100 cm Başka Başka Dertler, 2012 Çoraptan Çıkan Sevgili - l, 2019 Kâğıt üzerine karakalem, 70 x 70 cm Çoraptan Çıkan Sevgili - ll, 2019 Kâğıt üzerine karakalem, 100 x 70 cm Çoraptan Çıkan Sevgili - lll, 2019 Kâğıt üzerine karakalem, 100 x 55 cm Deri, 2019 Kâğıt üzerine karakalem, 100 x 70 cm Gelecek Nesiller için Yeni Mitler (Adem Oğulları), 2018 Tuval üzerine yağlıboya, 250 x 125 cm Gelecek Nesiller için Yeni Mitler (Hedef), 2018 Tuval üzerine yağlıboya, 60 x 200 cm & Ø 80 cm Dinle Sevgili, 2017 Tuval üzerine yağlıboya, 100 x 85 cm Huzursuz Yatak, 2017 Tuval üzerine yağlıboya, 150 x 135 cm Sevgili Yalnızlığım, 2017 Tuval üzerine yağlıboya, 130 x 90 cm Tuzağa Yakalanmak - l, 2016 Tuval üzerine yağlıboya, 75 x 55 cm Tuzağa Yakalanmak - ll, 2016 Tuval üzerine yağlıboya, 75 x 55 cm Tuzağa Yakalanmak - lll, 2016 Tuval üzerine yağlıboya, 75 x 65 cm Vaaz, 2015 Tuval üzerine yağlıboya, 100 x 100 cm Günah Keçisi, 2015 Tuval üzerine yağlıboya, 160 x 100 cm Düğüm, 2015 Tuval üzerine yağlıboya, 60 x 50 cm Gel Beraber Olsun - l, 2013 Tuval üzerine yağlıboya, 60 x 50 cm Hey!, 2013 Tuval üzerine yağlıboya, Ø 100 cm Başka Başka Dertler, 2012 1/18 ART | Kategorinin diğer yazıları ‘Resimlerin kendi içinde tedirgin olmasını önemsiyorum’ Mahremiyeti sorgulamak daha erotik Yuzu & nom-studios sunar ‘LOOP’ sergisi Kemal Özen "Gam'zede" Online Sergi Hangi yetişkin bir ‘Gam’zede’ değil ki artık? Ali Elmacı’nın atölye günleri notları May Parlar "Collective Solitude" Online Sergi Lara Kamhi’yle paradokslar ve izolasyon üzerine... BASE’in yeni dijital projesi yakında Sessiz Odanın Çığlığı İtalya’daki müzeden salgına bakınca… Yıldızı daha da parlayacak: Salman Toor Online açılış yapan İstanbullu sergi

October 31, 2025 | DESIGN & INTERIORS ZTP HOUSE a STUDY in BALANCE words Noah Mercer photos İbrahim Özbunar (645 Studio) Bordering Istanbul’s Northern Forests, ZTP House explores a quiet tension between structure and softness, nature and precision. Designed by Folistudio, the Istanbul-based creative practice founded by Ece Gökmenoğlu and M. Onur Durna, the house transforms a strict geometric shell into a flowing sequence of warm, tactile interiors. By softening sharp architectural lines through curved gestures and layered textures, the designers have instilled a distinctly contemporary character into the space. The diamond-shaped plan unfolds through full-height glazing, framing the surrounding forest while allowing daylight to penetrate deep into the interiors. At the heart of the home, a “floating” bookshelf in brushed steel and glass acts as both divider and display — a sculptural vitrine for books and art pieces. Nearby, the structural columns have been reinterpreted as visual anchors, turning engineering necessity into an expressive architectural gesture. The material palette moves fluidly between restraint and intensity: oak, linen, and plaster surfaces are counterbalanced by bold cobalt, terracotta, and deep burgundy tones. These accents punctuate the calm, introducing rhythm and warmth to the open plan. More than a statement on minimalism, ZTP House is a study in balance — a home where daily life unfolds in quiet continuity with the landscape beyond the glass. TR BELOW ZTP HOUSE bir DENGE ÇALIŞMASI İstanbul’un Kuzey Ormanları’yla komşu olan ZTP House, yapı ve yumuşaklık, doğa ve hassasiyet arasındaki sessiz karşıtlığı araştırıyor. Ece Gökmenoğlu ve M. Onur Durna’nın kurduğu İstanbul merkezli Folistudio tasarımı ZTP House’da ilk dikkat çeken özellik, geometrik kabuğun sıcak ve dokunsal iç mekanların ardışık bir akışına dönüştürülmesi. İç alandaki keskin mimari çizgileri kavisli formlar ve katmanlı dokularla yumuşatan Folistudio ekibi, böylece mekana belirgin bir çağdaş karakter kazandırmış. Evin elmas biçimli planı tam yükseklikteki cam panellerle çevrili. Bu da dışardaki manzarayı hem çerçeveliyor hem de gün ışığı mekanın derinliklerine kadar taşınıyor. Evin merkezinde yer alan fırçalanmış çelik ve camdan yapılma “yüzer” kitaplık ise hem bölücü hem de sergileme elemanı olarak işlev görüyor: Kitaplar ve sanat objeleri için bir vitrin gibi. Kitaplığın yanındaki taşıyıcı kolonlar ise heykelsi odaklara dönüştürülmüş. Böylece yapısal bir gereklilik estetik bir jest haline getirilmiş. Malzeme paleti dinginlik ile cesur renkler arasında gidip geliyor. Meşe, keten ve sıva yüzeyleri kobalt, toprak tonları ve koyu bordo gibi doygun renk alanlarıyla dengeleniyor. Bu yoğun anlar, sakinliği noktalayarak açık plan içinde ritim yaratıyor. Özetle ZTP House, bir minimalizm manifestosundan çok bir denge araştırması; camın ötesindeki manzarayla süreklilik içinde gelişen bir yaşamın sahnesi.