Search this site

Mayıs 2022 | Tasarım | Vol VII CASA UN PATIO Şeffaf, basit ve gizli saklı Yazı | Onur Baştürk Fotoğraflar | Marcos Zegers Ş ili’deki Villarrica yanardağının kuzey yamacı etekleri. Her yer alabildiğine orman. İşte bu ormanın içinde kaybolmuş rüya gibi bir ev var: Casa un Patio. Şilili mimar Lucas Maino Fernandez’in mimari ve tasarım sitelerinde övgülere boğulmuş bu son projesinin elbette en göz alıcı yanı, evin ortasından ağaçların geçiyor oluşu! Casa un Patio’yla ilgili en önemli zorluk arazi koşulları olmuş. Şöyle anlatıyor Lucas: “Arazi koşulları göz önüne alındığında, projenin ana zorluklarından biri yerleşimiydi. Ormanın karakteristik yoğunluğu, yerleşimdeki bitki türlerinin korunması, gün ışığı ve erişilebilirlik konularına ilişkin bir dizi karmaşık sorunumuz vardı. Bu nedenle tüm detayları basit ve net kararlarla çözdük. O çözümlerden biri de, mevcut bitki örtüsünü eve entegre etmek için bir avlu yaratmaktı. Böylece evin ortak alanları (oturma odası, yemek odası ve mutfak) iç ve dış orman arasında yer aldı. Bu alanların şeffaf oluşu dışardaki ormanla sürekliliği sağladı. İç avlunun çözdüğü bir diğer husus ise projeye ışık ve ısı sağlaması oldu. Orta avlunun eve sağladığı güneş ışığı, projenin iç sirkülasyonuna ve ortak kullanım alanlarına eşlik etti”. Tamamı için... Print VOL VII - 2022 Out of Stock View Details No product

CAN Art Fair founder Sergio Sancho discusses the fair’s fourth edition, Ibiza Art Week, and its role in connecting global and local contemporary art. June 13, 2025 | Art & Culture SAND, SUN, and CONTEMPORARY ART: CAN ART FAIR words Onur Basturk photos (portraits) Maria Santo Now in its fourth edition, CAN – Contemporary Art Now – returns to Ibiza from June 25 to 29, once again transforming the island into a vibrant hub for contemporary art. What began just four years ago as a single fair has since evolved into a full-fledged Ibiza Art Week, with exhibitions unfolding across the island and an ever-expanding community of artists, gallerists, collectors, and cultural travelers converging under the Mediterranean sun. As the founder and director of CAN Art Fair, Sergio Sancho continues to shape this dynamic platform, where cutting-edge artistic voices meet the relaxed rhythms of island life. In this interview, Sancho reflects on the fair’s growing global presence, its unique connection to Ibiza, and what lies ahead. In just four years, CAN Art Fair has consolidated itself as the central axis of contemporary art in Ibiza. What do you think is the key to this success, and how does the unique spirit of Ibiza contribute to the identity of the fair? It has consolidated, first of all, because the island was crying out for cultural initiatives and needed more projects of this kind to arrive and give it a boost. There were already things happening, of course, but the arrival of new projects like CAN Ibiza Art Fair has awakened the island in this sense, and from now on, it's going to be unstoppable. The fair has always been conceived with a strong awareness of where we are. That’s why, for example, it’s held in the afternoon—it invites you to enjoy the rest of the island’s attractions: the beach, the nightlife... But it’s not just that—even the natural light at the fair is something that defines it, makes it different, and helps it feel fully integrated with the island and its environment. BALANCING THE GLOBAL AND THE LOCAL This year's gallery program features a diverse mix of international and local participants. What is your approach to selecting galleries, and how do you balance global reach with a connection to the local art scene? From the very beginning, we’ve tried to strike a balance between international reach and local depth. That’s been our intention since the first edition, and especially with the second one through the launch of the OFF Program. We always knew this had to happen—we needed to develop and give visibility to local talent and ensure that projects emerging here had a place in the fair. Saša Bogojev, who is the curator of the fair, oversees the selection process. He invites the galleries and makes the final selection. As for the more local part, we evaluate which strong projects are active in the islands and make sure to give them a space. TO GIVE GREATER VISIBILITY TO BALEARIC CREATION The expanded OFF Program, with its itinerary through emblematic places in the Pitiusas, is a prominent feature this year. What are your objectives for this initiative, and what kind of experience do you hope to offer visitors? This program, using the unique locations the island offers, aims to give greater visibility to Balearic creation. What it achieves, in the end, is that visitors can meet local artists and connect with proposals that, otherwise, a foreign audience might not have the opportunity to discover. What this program mainly seeks to do is facilitate that dialogue. WE ALWAYS SAY YOU CAN GO TO THE FAIR IN FLIP-FLOPS! CAN Art Fair has become more than just an art event—it’s also a meeting point for collectors, art enthusiasts, and travelers. How do you intend to create an immersive experience in Ibiza that combines contemporary art with the island’s unique atmosphere? One of the fair’s fundamental characteristics since the first edition has been to take full advantage of what the island can offer in order to create a truly distinctive project. From the start, CAN Art was conceived as a crossroads for encounters—but in a relaxed way. We want there to be time to visit studios, to go to Formentera by boat, to have dinners in a laid-back setting... it’s a way of interacting: artists, gallerists, collectors—all coming together in a different and more relaxed rhythm. We always say you can go to the fair in flip-flops, and those kinds of details make people more open, more willing to talk and connect. How do you see the future of CAN Art Fair? What are your long-term goals and dreams to establish Ibiza as a key destination for contemporary art? It’s a project that is steadily consolidating. It’s generating more interest, making waves abroad, and attracting more visitors each year. This year, the addition of CAN DESIGN enriches the content and draws in a broader audience with different interests. The evolution is ongoing. Looking ahead, we want CAN Ibiza Art Fair to become an unmissable date on the international contemporary art calendar. It comes right after Art Basel, a much more serious and rigid fair, and we love the idea that people can follow it with a post-Basel experience in a more relaxed setting here on the island—one that naturally becomes a meeting point, effortlessly blending art and lifestyle.

Mayıs 2020 | Seyahat | Türkiye Rota Karadeniz, hedef ‘doğal izolasyon’ Yazı | İsmail Polat Y az göründü. Planlar yeni trende uygun olarak ‘community’lerde dönmeye başladı bile. Herkes ‘şimdilik’ gözlerden uzak, izole tatilin peşinde. Kalabalıklardan uzak olmak bu yaz herkesin hayali, ama nasıl? İkinci bir emre kadar yurtdışına çıkmak da yasak, o zaman doğal izolasyonun doğal merkezine ışınlanıyoruz. Çamlıhemşin’e… Karadeniz, özellikle Rize’nin Çamlıhemşin’i son yılların gözdesi. Yemyeşil doğa, uzun ve sallantılı yollar, dere sesi ve kendiliğinden sarmalayıp peşinizi bırakmayan tatlı bir huzur. Tüm bunların merkezinde ise bölgenin en güzel oteli var: Nordic Otel! İki yıl önce keşfettiğim ve müthiş anılarla döndüğüm Karadeniz gezimin merkezine oturan oteli çevreleyen nefis yaylalar da unutulmaz. Koronavirüs sonrası izole tatiller gözde olacaksa, burada isteseniz de kalabalıklara karışamak zaten mümkün değil. Nordic Oteli ve Bukla Tur’un sahibi, bölgeyi en iyi bilen uzman rehberlerden Bülent Saraloğlu’na iyi bir Karadeniz turunun tüm detaylarını sordum. BU SEZON 6-7 KİŞİLİK TURLAR DA BAŞLAYACAK Karadeniz son yıllarda çok popüler. Nedir bölgeyi bu denli çekici kılan? Doğa turizmi dünyada hızla artan bir trend. Turizm sektörü yüzde 4 ile 7 arasında büyürken doğa turizmi yüzde 20-30 büyüyor. İnsanlarda doğa ve çevre bilinci arttıkça bu tip butik doğa turlarına olan talep de artıyor. Artık insanlar sadece gezip görmek değil, deneyim de yaşamak istiyor. Doğa ve bu bölgede olan canlı yayla kültürü bu deneyimi fazlasıyla sağlıyor. Nordic Otel de turizm tesislerinden ve kalabalık turist gruplarından uzakta, kendi başına dere ve orman kenarında oldukça izole bir yerde. Bölgedeki nadir butik otellerden biri. Ayrıca en geniş odalara sahip otellerden. Bahçesi, deresi, deredeki havuzu ve bölgedeki yegâne yoga salonuyla insanların oldukça ilgisini çekiyor. Koronavirüs sonrası için hazırlığınız nasıl? Turlarımız zaten 15 kişilik, fakat her turumuzun artık bir de “exclusive” seçeneği olacak. Bu turları en fazla 6-7 kişilik yapacağız. Biraz daha pahalı olacak haliyle. Araçlarımız düzenli olarak dezenfekte edilecek, havalandırma filtreleri sık sık değişecek. Rehber, şöför ve araç değişimi ise mümkün olduğunca yapılmayacak. Personelimiz otelde konaklayacak ve dışardan izole olacak. Yiyecekler dezenfekte edilip depolanacak, yemekler tarafımızdan servis edilecek ve insanların yemeklerle teması olmayacak. İsteyenlere tek kullanımlık servis ekipmanı sunacağız. Odalar 12 saat önceden dezenfekte edilecek. Misafir istemedikçe odaya günlük temizlik için girilmeyecek. Sık kullanılan yerler bolca dezenfekte edilecek. Personel ve misafirlerin düzenli olarak ateşi ölçülecek. POPÜLER OLMASINI İSTEMEDİĞİMİZ YAYLALAR VAR Turların en çekici kısmı yaylalar. Hangileri popüler? Instagramdan sonra Pokut, Gito, Huser ve buzul gölünün olduğu Avusor yaylaları popüler oldu, ama henüz popüler olmayan ve açıkçası çok da popüler olmasını istemediğimiz yaylalar hâlâ var. Mesela? Bal ormanlarıyla ünlü, aynı zamanda Fırtına Vadisi’nin en derin ormanına sahip Maselevat Vadisi. Buradaki Tatskeri Yaylası 1900 metre yüksekliktedir ve çok iyi korunmuştur. Bazı yaylalarda olduğu gibi Tatskeri Yaylası’nda ahşap dışında bir yapıya izin vermiyorlar. Zaten ulaşımı ne kadar zorsa, yayla o kadar bakir kalmış oluyor. Özellikle Ayder’in doğusunda kalan yaylalar bu konuda daha şanslı ya da 2000 metrenin üzerinde kalan yaylalar. Mesela 2400 metre yükseklikteki Koç Düzü Yaylası. Bu yaylanın hemen önünde Adalı Göl var. İçinde yüzen bitki adalarıyla bölgede tek olma özelliğine sahip. Bu yüzen adacıkların üzerine çıkılabiliyor. O gölün hemen üzerinde adını bizim koyduğumuz Cennet Cehennem Tepesi var. 2800 metredeki Lelvan Gölü Geçidi’nden ise Altıparmak, Kaçkar ve Marsis dağlarıyla, yaylaları, hatta denizi görmek bile mümkün. SONBAHARI ÖNERİYORUZ Bölgeyi tam anlamıyla yaşamak için ne zaman gelmeli? Aslında en güzel sezon sonbahar. “Karadeniz sonbaharda çok yağmurlu olur” algısından dolayı maalesef herkes temmuz ve ağustos aylarını tercih ediyor. Ama geçmiş yılların istatistiklerine baktığımızda temmuz ve ağustosun sonbahara göre çok daha fazla yağmurlu olduğunu rahatça söyleyebiliriz. Yani biz sonbaharı şiddetle öneriyoruz. Nasıl bir hizmet ve program sunuyorsunuz? 12 adet farklı turumuz var. Bunların yanında ailelere, arkadaş gruplarına, şirketlere kapalı turlar düzenliyoruz. Turlar grupların isteği doğrultusunda sonsuz seçenekte olabilir. Yürüyüşlü, yürüyüşsüz, kamplı ya da otelli, yayla evi konaklamalı… Karadenizli olmak işinizi kolaylaştırıyor mu? Evet, Karadenizli olmak büyük avantaj. Bukla Tur’un operasyonları bu bölgede oldukça oturmuş durumda. Şöföründen oteline, rehberinden restoranına hizmet aldığımız yerlerden hizmet verdiğimiz alanlara kadar her şey bir düzen içinde. Herkes ne yapacağını biliyor. Karadeniz zor bir bölge. Hem lojistik hem de insanı anlamında. Eğer insanını tanımıyor ve idare etmesini bilmiyorsanız, bu bölgede başarı oranınız çok düşük. ARAPLAR OLMADIĞI İÇİN KARADENİZ GÖZDE OLACAK Bu sezon Nordic Otel cephesinde neler olacak? Bu sezon butik tur ve butik otellerin yıldızı parlayacak. Bu demek değil ki bir patlama bekliyoruz. Ama bir farkındalık oluşacak. İnsanlar bildiği otellere, bildiği insanlarla gitmeyi tercih edecek. Biz de bu süreçte tedbirleri göze sokmak istemiyoruz. Elbette tedbirlerimiz olacak, ama insanların tatilde olduğu hissinden kopmasını da istemiyoruz. Ayları karantinada geçmiş insanlara otelde karantina havası yaratmanın anlamı yok. Gerçekten de Karadeniz özellikle bu yaz Arapların da olmamasından dolayı iç pazarın gözdesi olmaya aday. Tabii en büyük dezavantajımız ulaşım. Uçağa binmek istemeyenler kendi araçlarıyla uzun bir yolculuğu göze alacak. Ama belki yolda olmak, yola çıkmak iyi gelecektir insanlara. Kim bilir Karadeniz sahil yolu belki bir “turistik yol” olacak. OTEL BİNAMIZ ESKİDEN İLKOKULDU Nordic’in mor binasının da ilginç bir hikâyesi var değil mi? Evet, binamız eskiden okulmuş. 1940’lı yıllarda Mollaveyis Köyü İlkokulu olarak köylüler tarafından yapılmış. Hem arazisi hem bina köylüler tarafından bağışlandı. 1980’lere kadar hizmet veren okul, nüfusun gurbete gitmesi ve eğitim yaşındaki çocuğun kalmaması nedeniyle köy muhtarlığına devredilmiş. 2015 yılında Bukla Tur olarak devralıp onardık. Oldukça bakımsız olan, çatısı yıkılan ve metruk durumda olan okulu dış cephesini bozmadan yeniden inşa ettik. İnşa sırasında çıkan masaları, sıraları, ahşapları, dolapları ve kapıları tadilatta ve çevre düzeni sırasında yeniden değerlendirmeye çalıştık. Bu yüzden yer yer okulla ilgili unsurlara rastlamanız mümkün :) Hangi aylar açıksınız? Bugüne kadar nisan-kasım ayları arasında açık tutuyorduk. Sezonun uzaması ve talebin artması nedeniyle bu yıldan itibaren 12 ay açık tutma kararı aldık. Fotoğraflar: 1. Huser Yaylası’ndaki meşhur salıncaklardan biri. 2. Altıparmak Dağı 3. Nordic Otel 4. Huser Yaylası 5. Laz Alpleri 6. Maselevat Vadisi 7. Laz Alpleri 8. Huser Yaylası’ndan aşağıya bisikletiyle inenler. 9. Avusor’a çıkış manzarası. 10. Avusor buzul gölü. SEYAHAT | Kategorinin diğer yazıları İzlanda’nın Sırları Rota Karadeniz, hedef ‘doğal izolasyon’ Zamanın durduğu şehir: Harar Kyoto’da bir ‘ryokan’da kaldım Karavan tatiline dair merak ettiğiniz her şey Issızlığın ortasındaki 10 inziva oteli Açıl susam açıl: Marakeş Test sonucunu göstererek uçağa bineceğiz Asya’nın mistik kapalı kutusu: Myanmar Tsipouro içmeden o adadan dönmeyin! Issız kanyonun ortasında: Amangiri Mars'a gitmiş kadar oldum! Buenos Aires’te yapmanız gereken 20 seksi şey

April 2023 | Design & Interiors Wood and Mountain T his cabin project named Wood and Mountain is Sher Maker design. The exterior of this cabin house in Chiang Mai, Thailand is completely covered with a wooden wall. Indeed, the design of the house refers to the wooden house wall system common in northern Thailand. The only difference is that steel was also used in this project. Every plank on the wooden surface was burned and mounted on the wall. Because this method extends the life cycle of the material. W ood and Mountain isimli bu kabin projesi Sher Maker tasarımı. Tayland’ın Chiang Mai bölgesindeki bu kabin evin dış cephesi tamamen ahşap duvarla kaplanmış. Nitekim evin tasarımı Tayland'ın kuzeyinde yaygın olarak görülen ahşap ev duvar sistemine atıfta bulunuyor. Tek fark, çeliğin de bu projede kullanılmış olması. Ahşap yüzeydeki her kalas ise yakılarak duvara monte edilmiş. Çünkü bu yöntem malzemenin yaşam döngüsünü uzatıyor.

LISBON by DESIGN returns to Palacete Gomes Freire in Lisbon from May 22 to 25, bringing 28 designers together around sustainable contemporary craft. May 2025 | DESIGN & INTERIORS LISBON by DESIGN: the 5th EDITION, the STRONGEST VOICE YET words Onur Basturk Now in its fifth year, LISBON by DESIGN has firmly established itself as Portugal’s standout platform for contemporary design and exceptional craftsmanship. From May 22 to 25, the fair returns to the elegant halls of Palacete Gomes Freire in central Lisbon—an intimate yet grand setting that reflects the event’s mission: celebrating the richness of creative practice while pushing its boundaries. PORTRAIT JULIE by Claudia Rocha A.D.U. Studio AMANDA HAEGHEN ANA RITA DE ARRUDA ANA RITA DE ARRUDA BAPTISTE DA SILVA BAPTISTE DA SILVA CLOILDE DE KERSAUSON CLOILDE DE KERSAUSON DE LA ESPADA DIOGO AMARO ESTADO BRUTO ESTADO BRUTO JACEK JAN JASKOLA JACEK JAN JASKOLA This anniversary edition brings together 28 designers and studios, blending renowned names with emerging voices in an exceptionally curated showcase. What sets this year apart is its distinctly international outlook: while Portuguese talent remains central, LISBON by DESIGN also welcomes a new generation of creators from across Europe. Among the featured participants are De La Espada, Rosana Sousa, Barro, and Estado Bruto, alongside international names such as Amande Haeghen, Barbara Portailler, Tomek Sadurski, Zoé Wolker, Jacek Jan, and OMARCITY World—whose outdoor installation will animate the Palacete garden for the first time. Also on view are works by Superchi, A.D.U. Studio, and Lava Earth Objects, showcasing a diverse approach to materiality and form. From collectible furniture to sculptural pieces, everything on display is new and created exclusively for the fair. Rooted in sustainable practices and respect for artisanal heritage, each work reflects a bold and future-forward approach to design. MARGAUX CAREL MARIANA RALO MARIANA RALO OMARCITY OMARCITY PETIT BOUQUET ROSANA SAUSA ROSANA SAUSA STUDIO EEME STUDIO EEME TIAGO MOURA TOMEK SADURSKI VADIM ZOE WALKER ZOE WALKER FROM LISBON, WITH BOLD INTENT Founded by Julie de Halleux, LISBON by DESIGN has become more than just a fair. It’s a catalyst for creative exchange, a launchpad for emerging talent, and a bridge between Portugal’s design scene and the global stage. Over the years, it’s attracted thousands of collectors, architects, hoteliers, and design lovers from across Europe and beyond—drawn to its focus on quality, sustainability, and soul. This year’s highlights include an experimental exhibition curated by Sam Baron in collaboration with De La Espada, exploring the art of sitting. Meanwhile, Burel Factory unveils a new collection designed with cork producer Blackcork, under the creative direction of Rui Tomás and Toni Grilo. A series of talks on “sustainability in design” will further enrich the program. Rising Portuguese talent Rosana Sousawill present her collection of stools and benches crafted from repurposed walnut and oak—an inspiring case study in how traditional woodworking meets circular design. And for the second year, the Morgado do Quintão Sustainable Design Award will recognize outstanding contributions to conscious creativity—fittingly sponsored by the Algarve-based organic vineyard known for supporting projects at the intersection of nature, community, and design. With each edition, LISBON by DESIGN grows in ambition and reach—while remaining deeply grounded in craft, collaboration, and context. Five years in, it continues to shape the future of design with purpose and perspective.

Mayıs 2021 | İnsan | Türkiye MELİKE ALTINIŞIK İstanbul’un rüzgârını kuleye dönüştürdü Yazı | Onur Baştürk Fotoğraf | NAARO S on dönemde ismini daha çok Radyo-TV Kulesi’nin mimarı olarak duyurdu. Ama aslında öncesi ve bundan ötesi var: Zaha Hadid’in Londra’daki ofisinde, uluslararası bir ekiple beraber büyük projeleri çalıştığı temposu yüksek yıllar... İstanbul’a gelip kendi mimarlık ofisi MAA’yı oluşturduğu “yeni bir sayfa” dönemi... Ve bu yılın sonunda inşasına başlanacak Seul’deki “Robot Bilimi Müzesi”nin tasarımını üstlenmesiyle önünde açılan “başka bir gelecek” vizyonu. Mimar Melike Altınışık, kısaca “kapılar” olarak özetlediği yolculuğunu anlatıyor. 2006-2013 yılları arasında Zaha Hadid’in Londra ofisinde proje yürütücüsü olarak çalıştın. O süreçte kendin ve mesleğinle ilgili neler öğrendin? Her mimari yapının kapısı, o yapıyla kurduğunuz mekansal ilişkiye dair çoklu anlam taşır. Nedeni çok doğal: Kapılar, iç ve dış mekan ilişkisinden Devamı için... Print YUZU MAGAZINE - III Out of Stock View Details

Lisbon Art Weekend 2025 brings 250 artists to 50 venues for a free citywide program of exhibitions, performances, talks, and open studios. Susana Rocha “Mom, they made you a garden but it cannot be watered” DUPLEX, Lisbon November 3, 2025 | Art & Culture LISBON ART WEEKEND the CITY as GALLERY words Onur Baştürk Lisbon’s 7th Art Weekend brings together 250 artists and 50 venues, offering a panoramic view of the city’s creative pulse — from established institutions to experimental spaces. Lisbon’s creative calendar reaches one of its highlights this November as Lisbon Art Weekend (LAW) returns for its 7th edition, taking place from 6 to 9 November 2025. Since its founding in 2019 by Merve Pakyürek and Kean Paker, LAW has evolved into one of Europe’s most engaging and accessible art events — a citywide celebration that transforms Lisbon into a living map of galleries, institutions, and artist-run spaces. Free and open to all, the event brings together more than 250 artists, 50 venues, and 80 events, spanning exhibitions, performances, guided tours, talks, concerts, and open studios. The goal is simple yet profound: to make art part of everyday life, and to let the city’s rhythm be guided by creativity. AN OPEN AND INCLUSIVE CITY The 2025 edition continues to broaden LAW’s reach, linking emerging art spaces with major cultural institutionsand offering visitors a panoramic view of the city’s creative pulse. Curated itineraries by artists, collectors, and curators invite the public to discover Lisbon through multiple perspectives — from established museums along the riverfront to experimental spaces in Marvila and Arroios. HIGHLIGHTS ACROSS THE CITY New additions to this year’s circuit include the Arpad Szenes – Vieira da Silva Foundation, MACAM – Armando Martins Museum of Contemporary Art, and the PLMJ Foundation, each joining LAW’s expanding network of cultural spaces. At CAM – Gulbenkian Modern Art Centre, Franco-Algerian artist Zineb Sedira presents a concise overview of her photographic and film work, while at MAAT, conceptual artist Cerith Wyn Evans transforms architecture through light, rhythm, and language. Lisbon’s independent galleries capture the city’s energy at a more intimate scale. Pedro Cera Gallery showcases Evian Wenyi Zhang, while NO·NO Gallery brings together a multigenerational line-up — Ana Rebordão, António Olaio, Carlos Arteiro, Filipe Cortez, Keke Vilabelda, Magda Delgado, Miguel Marquês, Pablo Barreiro, Pedro Pascoinho, Pedro Valdez Cardoso, and Rui Neiva — each contributing a distinct visual rhythm. At Jahn und Jahn, a rare solo exhibition by Swiss artist Heidi Bucher highlights her ethereal latex “skins,” which imprint architecture with memory and time, and Kunsthalle Lissabon features Saodat Ismailova, one of Central Asia’s most distinctive voices in moving image. In the city’s east, The Balcony Gallery features Nuno Nunes-Ferreira, whose archive-based works reflect on Portugal’s recent history and collective memory. Galeria Filomena Soares hosts Rui Chafes, celebrated for his poetic wrought-iron sculptures, while Galeria Francisco Fino presents João Penalva, whose quiet narratives bridge literature and image. Spread across neighbourhoods and disciplines, these exhibitions outline Lisbon’s creative rhythm — diverse, curious, and unmistakably alive.

Josh Evan and Michael Edward of Evan Edward discuss their urban aunt interiors for a Biscayne, Miami home, shaped by tropical modernism and Geoffrey Bawa. June 2024 | Design & Interiors turkish below TROPICAL MODERNISM MEETS URBAN AUNT STYLE words Onur Baştürk photos Nicole Franzen styling Paige Wassel J osh Evan founded a boutique furniture and design company in Brooklyn after working for 15 years in the fashion industry. Michael Edward worked as a project architect in the design and management of high-end residential and commercial projects. In 2019, Josh and Michael combined forces and founded New York-based architecture and interior design office Evan Edward. “Josh was in the fashion industry, but he fell in love with buying furniture from auctions and restoring them,” the partners tell those days. “When Josh’s auction furniture started to turn into special pieces, he started to get opinion from Michael and things began to progress”. Josh and Michael describe their design style as ‘urban aunt’. Remember; one of the design trends of 2023 was ’Coastal Grandmother‘, a tribute to the mature and timeless style of rustic open kitchens, white sheets and fresh flowers. The style that dominates 2024 - with the viral contribution of TikTok - is the cool urban aunt style. WHAT DOES THE URBAN AUNT STYLE LOOK LIKE? So, what is urban aunt? First of all, this aunt is usually single and does not have a child. Imagine the general design codes of her apartment as follows: Open brick walls, wooden beams (or veneers), rug-covered floors, modern and vintage furniture used together, comfortable corners created for warm conversations, a home bar with antique liquor bottles and glasses, and supporting actors with different textures: layered cushions, covers and fluffy carpets with fur... Josh and Michael describe their urban aunt as follows: “Our urban aunt is an artist. She loves traveling for adventure and watching concerts. She has a strong point of view. She is so cool and dynamic. And so is her husband!” CALMER, MODERN AND TROPICAL Evan Edward’s Biscayne, Miami project is also inspired by “Urban Aunt”, but this time quieter, modern, and naturally tropical. The color palette consists of creamy and sandy beach tones. Josh and Michael explain the atmosphere of this house as: “This project is salutatory to mid-century tropical modernism and European decor… We love that Geoffrey Bawa, one of the most inspirational Asian architects, uses a simple palette of materials to create a wider natural context in his projects. We wanted all the spaces we designed in this house to feel like they blurred the same line. For example, creating a garden for the back of the bar on the stairs or using the natural form of the Pandanus tree just outside the family room in the fabric choices of the family room”. PARIS IS OUR NEW MUSE What are the difficult and easy aspects of working as a pair? There are no challenges whatsoever, everything is as smooth as butter at all times. Everyone has strengths that get utilized to their full capacity in the seamless process of design that we have mastered here at Evan Edward. What are the cities and fashion brands that inspire you the most? We were both recently in Paris shopping for a client, so I guess Paris is our new muse again. We’ve both traveled extensively and continue to do so, there’s no place we’ve been that hasn’t influenced our vision. We feel the same way about fashion, we know how difficult it is to see a design manifest in the world and we are impressed by so many things that are put out there. We have diverse and eclectic tastes and there is a design to solve every problem.. Is there a material you always use in your projects? Exquisite taste and wherewithal! J osh Evan moda endüstrisinde çalıştığı 15 yılın ardından Brooklyn’de butik bir mobilya ve tasarım firması kurmuştu. Michael Edward ise üst düzey konut ve ticari projelerin tasarım ve yönetiminde proje mimarı olarak çalışıyordu. 2019 yılında Josh ve Michael güçlerini birleştirdi ve New York merkezli mimarlık ve iç tasarım ofisi Evan Edward’ı kurdu. İkili o günleri şöyle anlatıyor: “Josh moda sektöründeydi, ama müzayededen mobilya alıp restore etme işine aşık olmuştu. Josh’un müzayede mobilyaları özel parçalara dönüşmeye başlayınca Michael’dan görüş almaya başladı ve işler oradan gelişti”. Josh ve Michael tasarım stillerini ‘urban aunt’ olarak tanımlıyor. Hatırlayın; 2023’ün tasarım trendlerinden biri rustik açık mutfakların, beyaz çarşafların ve taze çiçeklerin olgun ve zamansız tarzına övgü niteliğindeki ‘Coastal Grandmother’dı. 2024 yılına egemen olan stil ise -TikTok’un da viral katkısıyla-havalı şehirli teyze stili. WHAT DOES THE URBAN AUNT STYLE LOOK LIKE? Peki ‘urban aunt’ nedir? Öncelikle bu teyze genelde bekâr ve çocuksuz. Dairesinin genel tasarım kodlarını şöyle hayal edin: Açık tuğla duvarlar, ahşap kirişler (ya da kaplamalar), kilimle kaplı zeminler, bir arada kullanılan modern ve vintage mobilyalar, samimi sohbetler için yaratılmış rahat köşeler, antika içki şişesi ve kadehlerin yer aldığı bir ev barı ve farklı dokuların bir araya geldiği yardımcı oyuncular: Katmanlı minderler, örtüler ve yüksek tüylü kabarık halılar... Josh ve Michael, kendi şehirli teyzelerini şöyle tarif ediyor: “Bizim şehirli teyzemiz bir sanatçı. Macera için seyahat etmeyi ve konser izlemeyi seviyor. Güçlü bir bakış açısına sahip. Çok havalı ve dinamik biri. Tabii kocası da öyle!” CALMER, MODERN AND TROPICAL Miami, Biscayne’de yer alan Evan Edward tasarımı proje de ‘Urban Aunt’ stilinden izler taşıyor, ama bu kez daha sakin, modern ve doğal olarak tropikal. Renk paleti ise kremsi ve kumlu plaj tonlarından oluşuyor. Josh ve Michael bu evin atmosferi için şöyle diyor: “Bu proje, yüzyıl ortası tropikal modernizmiyle Avrupa dekorasyonuna bir selam niteliğinde… En etkili Asyalı mimarlardan biri olan Geoffrey Bawa’nın projelerinde daha geniş bir doğal bağlam yaratmak için basit malzeme paleti kullanmasına bayılıyoruz. Bu evde tasarladığımız tüm alanların aynı çizgiyi bulanıklaştırmış gibi hissettirmesini istedik. Mesela merdivendeki barın arkası için bir bahçe oluşturmak ya da aile odasının hemen dışındaki Pandanus ağacının doğal formunu aile odasının kumaş seçimlerinde kullanmak gibi”. PARIS IS OUR NEW MUSE İkili olarak çalışmanın zor ve kolay yönleri neler? Hiçbir zorluk yok! Her şey her zaman tereyağı gibi pürüzsüz. Evan Edward’da ustalaştığımız kusursuz tasarım sürecinde, ikimiz de güçlü yanlarımızı tam kapasite kullanıyoruz. Size en çok ilham veren şehirler ve moda markaları hangileri? İkimiz de yakın zamanda Paris’teki bir müşterimiz için alışveriş yapıyorduk. Sanırım Paris artık yeni ilham perimiz. İkimiz de çok seyahat ettik ve etmeye devam ediyoruz. Vizyonumuzu etkilemeyen bir yer yok. Moda konusunda da aynı şekilde düşünüyoruz. Bir tasarımın ortaya çıktığını görmenin ne kadar zor olduğunu biliyoruz ve ortaya konan pek çok şeyden etkileniyoruz. Farklı ve eklektik zevklerimiz var. Ve her sorunu çözecek bir tasarım mutlaka var. Projelerinizde her zaman kullandığınız bir malzeme var mı? Sadece üstün zevk ve yetenek! for more Print VOL XII - 2024 Out of Stock Add to Cart

David/Nicolas designed ADREA’s Equestrian Library and Saddle Workshop in Abu Dhabi, translating regional craft into a refined interior language. January 25, 2026 | DESIGN & INTERIORS DAVID/NICOLAS’ LATEST DESIGN at ADREA words YUZU Editorial photos David Raffoul Founded by David Raffoul and Nicolas Moussallem, David/Nicolas is known for a practice that balances imagination with logic, and contemporary thinking with a deep respect for craft. Working across interiors, furniture, and product design from their studios in Milan and San Francisco, the duo’s recent projects include the design of two key spaces within Abu Dhabi Royal Equestrian Arts (ADREA): the Equestrian Library and the Saddle Workshop. ADREA is the world’s fifth school of classical horsemanship—and the first established beyond Europe. Rooted in the Arab world’s centuries-old tradition of Furusiyya, the institution brings together equestrian performance, the preservation of knowledge, and immersive learning experiences, all grounded in discipline and craftsmanship. Within this wider vision, David/Nicolas propose a measured architectural language that avoids overt symbolism. Instead, the narrative unfolds through materiality, proportion, and rhythm. In the Equestrian Library, curved steel shelving establishes a sense of continuity, subtly recalling the posture and movement of the horse. The atmosphere is quiet and contemplative, supporting the space’s role as a place of study and reflection. The Saddle Workshop, by contrast, foregrounds the physical nature of craft. Leather, brass, and utilitarian tools define the space, while precise detailing and controlled proportions ensure a refined and composed environment. Anchored in Abu Dhabi, the project draws from regional craftsmanship and the tactile world of the stables, translating these references into a contemporary interior language. Here, tradition is not staged but quietly absorbed—resulting in spaces that support the continuity of horsemanship while holding past and present in careful balance.

Media Partner Yuzu Magazine December 2024 | Art & Culture FOR ENGLISH BUTİK VE FARKLI: ART ANTWERP words Onur Baştürk NELE VERHAEREN Managing Director ANDRIESSE-EYCK GALERIE Marijn van Kreij BELGIAN GALLERY Cindy Wright BY LARA SEDBON Stephen Whittaker DE BOER Brad Phillips DE BOER Michael St John Cut GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALERIA PRESENÇA Diogo Nogueira GALERIE CLAIRE GASTAUD Milène Sanchez GALERIE DYS Abel Burger GALERI FLEUR+ WOUTER Fiona Lutjenhuis GALERIE FLEUR+ WOUTER Fiona Lutjenhuis GALERI FLEUR + WOUTER Fiona Lutjenhuis GALLERY SOFIE VAN de VELDE Koos Buster GUY PIETERS GALLERY KETELEER GALLERY Jo Lle Dubois MAGNIN-A Amadou Sanogo UITSALLING GALLERY Aaron-Victor Peeters UITSALLING GALLERY Elia Vanderheyden BASE ALPHA GALLERY Nadia Naveau Anthena VALERIUS GALLERY Ethel Coppieters NELE VERHAEREN Managing Director ANDRIESSE-EYCK GALERIE Marijn van Kreij BELGIAN GALLERY Cindy Wright BY LARA SEDBON Stephen Whittaker DE BOER Brad Phillips DE BOER Michael St John Cut GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALERIA PRESENÇA Diogo Nogueira GALERIE CLAIRE GASTAUD Milène Sanchez GALERIE DYS Abel Burger GALERI FLEUR+ WOUTER Fiona Lutjenhuis GALERIE FLEUR+ WOUTER Fiona Lutjenhuis GALERI FLEUR + WOUTER Fiona Lutjenhuis GALLERY SOFIE VAN de VELDE Koos Buster GUY PIETERS GALLERY KETELEER GALLERY Jo Lle Dubois MAGNIN-A Amadou Sanogo UITSALLING GALLERY Aaron-Victor Peeters UITSALLING GALLERY Elia Vanderheyden BASE ALPHA GALLERY Nadia Naveau Anthena VALERIUS GALLERY Ethel Coppieters Art Brussels’ın düzenlediği global modern sanat fuarı Art Antwerp, dördüncü edisyonuyla 12-15 Aralık tarihleri arasında Antwerp Expo'ya geri dönüyor. 2021'deki lansmanından bu yana keyifli bir yıl sonu atmosferiyle karakterize edilen Art Anwerp, Davet Komitesi tarafından özenle seçilen 70 galeriye ev sahipliği yapacak. Hem köklü hem de yeni sanatçıları bir araya getirecek olan Art Antwerp’in en önemli özelliklerinden biri de Aaron-Victor Peeters (Uitstalling Sanat Galerisi), Bruno V. Roels (Galeri FIFTY ONE), Florian Tomballe (PLUS-ONE Galeri), Bert De Geyter (Settantotto Sanat Galerisi, Gent) ve Willem Boel (BARBÉ, Gent) gibi sanatçıların büyük ölçekli enstalasyonlarını sergileyecek olması. Her galerinin projesini daha iyi vurgulamak için Antwerp'in ünlü galerisi Zeno X'in eski direktörü Nina Hendrickx'in küratöryel metin yazarı olarak davet edildiğini de hatırlatalım. Fuarla ilgili merak ettiğimiz her şeyi fuarın direktörü Nele Verhaeren’e sorduk. Şimdi söz onda… Art Antwerp'i diğer fuarlardan farkı nedir? Art Antwerp'i giderek büyüyen mikro ya da butik sanat fuarları trendinin bir örneği olarak görebilir miyiz? Art Antwerp benzersiz DNA'sıyla öne çıkıyor. Butik olarak tanımladığımız fuar; galeri sahipleri, koleksiyonerler, sanatçılar ve ziyaretçiler arasında doğrudan temas kurarak samimi bir yaklaşımı tercih ediyor. Bu deneyim sanatın keşfedilmesinin çok ötesine geçip unutulmaz anlar yaratıyor. Önemli eserleri hayranlıkla izleyebilir, genç koleksiyoner ya da daha uzman koleksiyonerler için ilham verici konuşmaları dinleyebilir, anıtsal enstalasyonlar arasında dolaşabilir ve hatta Noel ağaçları altında bir kadeh şarap içip yemeğin tadını çıkarabilirsiniz. Art Antwerp güçlü bir bölgesel boyuta sahip olmasına rağmen dünyaya açık olmayı da hedefliyor: 11 ülkeden 70 katılımcı galeri arasında 250 uluslararası sanatçı yer alıyor. BİR KEZ DAVET EDİLEN GALERİ KABUL EDİLMİŞ DEMEKTİR Art Antwerp’e katılım kriterleri neler? Art Antwerp'in bir önceki edisyonuna katılmış olan galeriler davet komitemiz tarafından yapılan bir seçimle tekrar katılım daveti alan ilk galeriler oluyor. Başvurular yapıldıktan sonra (son başvuru tarihi ilkbahar), davet komitesi yeni seçilen uluslararası galeriler listesine davetiye gönderiyor. Süreç çok basit, bir kez davet edilen galeri katılmış demektir. Katılmak isteyen galerilerden sık sık spontane sorular alıyoruz. Bu galerilerden, galeri profillerine ilişkin bilgilerle birlikte ayrıntılı bir stand teklifi sunmalarını talep ediyoruz. Dikkatli bir değerlendirme ve davet komitesi tarafından yapılan oylamanın ardından ilgili galeriye kabul edilip edilmediklerini bildiriyoruz. GALERİLER ARTIK SOLO SUNUMLARI TERCİH EDİYOR Bu yılki fuarda yer alan sanatçıların yüzde 30'unun 35 yaşın altında olması dikkat çekici. Bu bir tesadüf mü yoksa bilinçli bir tercih mi? Fuarda genç sanatçıların ağırlıkta oluşu Art Antwerp'in değişen bağlamının nihai bir sonucu. Başlangıçta, yani pandeminin belirsiz zamanlarında, fuar ağırlıklı olarak yılda 7 ila 10 fuara katılan ve lokal sanatçıların yer aldığı grup sergileri sergileyen galerilerden oluşuyordu. Galerilerin başlıca motivasyonu, mevcut zorlukların ortasında dirençli bir etkinliğin parçası olmaktı. Ardından global fuar takvimi yeniden canlandı ve bugünlerde her zamankinden daha fazla fuar var. Art Antwerp'teki galeriler artık Antwerp, Flanders ve çevre bölgelerin sanat ve kültür camiasıyla sürdürülebilir ilişkiler kurma arzusuyla hareket ediyor. Dolayısıyla, daha genç sanatçıların temsil edilmesine yönelik bu değişim mantıklı bir sonuç. Daha az sayıda fuara katılan genç galeriler, gelişmekte olan sanatçılara yer verme eğiliminde. Galeriler giderek daha fazla bireysel sanatçıyı ön plana çıkarıyor, bu da bu yılki sunumların yüzde 31'ini oluşturan solo ya da ikili projelerin oranına yansıyor. Solo sunumlar bir galeri için sanatçıyı tanıtmanın en iyi yolu. Bununla birlikte, sanatçıların geri kalan yüzde 70'inin 35 yaşın üzerinde olduğunu ve çok beğenilen sanatçıları temsil eden galerilere ev sahipliği yapmaya devam ettiğimizi söylemeliyim. Mesela ilk edisyondan bu yana katılımcı olan Lelong&Co Gallery, Pierre Alechinsky, David Hockney, David Nash, Kiki Smith gibi büyük isimlerin eserlerini sergiliyor. Maurice Verbaet Gallery, 20. yüzyılın ikinci yarısından tanınmış Belçikalı sanatçıların eserlerini sunarken Guy Pieters, Sam Francis ve Yves Klein gibi uluslararası tanınmış isimlerin eserlerine yer veriyor. Dolayısıyla Art Antwerp, genç yeteneklerin canlılığı ile köklü sanatçıların ağırbaşlılığını harmanlayan bir seçki sunuyor. En İyi Stant Ödülü'nün verilmesinin amacı nedir? 2023’teki üçüncü edisyonumuzun ardından stantların kalitesi ve cesaretinde önemli bir gelişme gözlemledik. Giderek artan sayıda galeri, genellikle tek bir sanatçının ya da ikilinin çalışmalarına odaklanan, sanatsal açıdan iddialı projeleri tercih ediyordu. Her galeri kendi stantını sunma konusunda tam yetkiye sahip olsa da bu yenilikçi projeler özellikle dikkat çekiyor ve ziyaretçiler arasında heyecan yaratıyor. İşte bu düşünceyle En İyi Stant Ödülü'nü oluşturmaya karar verdik. Bu ödül cesur ya da sıra dışı bir sunumla kendini öne çıkaran bir galeriyi tanımayı ve vurgulamayı amaçlıyor. Bir örnek vermek gerekirse, Bruno V. Roels'in bir solosunu sunan Gallery FIFTY ONE'ın projesi potansiyel bir adaydır. Cennete giden bir tür bekleme odası olarak tasarlanan stantları, konseptteki cesaret ve özgünlüğü mükemmel bir şekilde örnekliyor. FUARIN SAMİMİ VE BUTİK KARAKTERİNİ KORUYACAĞZ Art Antwerp'in gelecek vizyonu nedir? Fuarı önümüzdeki yıllarda yine butik boyutta mı tutmayı planlıyorsunuz, yoksa büyüme planları var mı? Art Antwerp, fuarın samimi ve butik karakterini korumaya kararlı. Fuarın cazibesi için çok önemli olduğuna inandığımız salonların sınırlı kapasitesine ve geniş koridorlara değer veriyoruz. Rahat atmosfer, fuarımızı farklı kılan ve katılan herkes için eşsiz bir deneyim haline getiren temel bir unsur. Art Antwerp, sanat meraklıları, moda tasarımcıları, mimarlar, küratörler, müze müdürleri, sanatseverler ve girişimcilerden oluşan çok çeşitli bir topluluk için canlı bir merkez olarak kendini kanıtladı. Bir sanat fuarına katılmak sadece bir etkinlikten daha fazlasıdır; seçici bir kitlenin kültürel ve yaratıcı ilgi alanlarıyla rezonansa giren bir yaşam tarzı seçimidir. Her geçen yıl ziyaretçi sayısında istikrarlı bir artış görüyoruz. Bu ivmeyi sürdürmeye ve Art Antwerp'in yarattığı coşkuyu geliştirmeye kararlıyız. Antwerp'teki güçlü galerilerle lokal bağlantılarımızı sürdürmeye ve daha fazla uluslararası galeriyi ağırlayarak fuarın global erişimini genişletmeye de odaklanmış durumdayız. Açık bir başvuru çağrısı olmadığından fuarın varlığı yabancı galeriler tarafından halen bilinmiyor olabilir ve global sanat camiasında görünürlüğümüzü artırmamız gerektiğinin farkındayız. Daha küresel bir bakış açısı benimseyerek ziyaretçilerimize lokal sanatçılardan genç sanatçılara kadar keşfedebilecekleri zengin bir yelpaze sunmayı amaçlıyoruz.

Between House and Garden is a modern North Vancouver farmhouse with interiors by HB Design and an open landscape by Donohoe Living Landscapes. March 22, 2026 | DESIGN & INTERIORS BETWEEN HOUSE and GARDEN A modern farmhouse shaped by landscape and continuity. words Noah Mercer photos Ema Peter Set within a residential pocket of North Vancouver, this project begins with a simple move: bringing together two neighbouring plots into a single, continuous landscape. What emerges is less a house, more a sequence — a main residence, a pool house and a greenhouse, held together by a garden that quietly does most of the work. The architecture follows a modern farmhouse language, but without leaning on nostalgia. It stays restrained, letting material and proportion carry the space. The landscape is not an addition here. It’s the structure. INTERIORS THAT HOLD THEIR TONE The interiors, designed by HB Design, led by Jennifer Heffel and Shannon Bradner, are built around a palette that feels grounded rather than styled. Neutral tones drawn from the surroundings sit alongside darker accents. Nothing feels overly composed. Wood, porcelain tile and quartzite are layered in a way that softens the architecture without diluting it. Storage is absorbed into the structure through custom millwork, keeping the spaces calm and uncluttered. Light is handled carefully. It’s not treated as a feature, but as something that moves across surfaces during the day, changing how materials read. Decorative lighting appears in moments, but never insists on itself. There’s a clear intention here: to create interiors that support daily life without constantly announcing their presence. A LANDSCAPE THAT STAYS OPEN The landscape, designed by Donohoe Living Landscapes under Ryan Donohoe, sets the rhythm of the project. There’s a precise structure to it — paths, terraces and screening elements are all carefully placed — but the planting is allowed to loosen over time. Japanese maples form a light canopy, while grasses and perennials fill in gradually, softening edges and creating depth. Around the pool, the atmosphere shifts. The space opens up, becoming more informal, more social. It’s easy to imagine it in use — doors open, movement flowing between inside and out. What stands out, though, is the decision not to close everything off. Parts of the landscape remain accessible — laneway gardens, planting corridors, even the greenhouse. It’s a subtle move, but it changes the character of the project. The garden doesn’t separate; it connects. BUILT WITH A LONG VIEW The build, led by Meister Construction and Gordon Gildemeister, brings a certain clarity to the project. The approach is straightforward: protect the design intent, and make sure it holds up over time. Materials are chosen with that in mind. Brick, wood and metal are used in a way that feels familiar, but slightly reworked — lighter, more open. Large glazed areas balance the solidity, keeping the house from feeling heavy. A HOUSE THAT SETTLES IN What stays with you is not a single gesture, but the overall balance. Architecture, interiors and landscape read as one idea — not forced, not over-resolved. There’s enough structure to hold it together, and enough looseness to let it evolve. It’s not a house trying to stand out. It’s one that settles in — into its site, into its neighbourhood, and into the routines of the people living there. SOURCES Selected pieces include works by Flexform, B&B Italia, Poliform, &Tradition, Bocci and Apparatus, among others.

Annie Leslau renovates a 19th-century home in Sag Harbor, preserving original details while bringing warmth, light and a fluid modern layout. July 27, 2025 | DESIGN & INTERIORS ANNIE LESLAU’s SAG HARBOR EDIT words Karine Monie photos Kirsten Francis interior design Annie Leslau Once a quiet summer refuge, this 19th-century gem has grown into a multi-generational sanctuary. Located in historic Sag Harbor, the home was originally built in 1890 as a modest village shop—and today, thanks to interior designer Annie Leslau, it gracefully bridges past and present. Leslau led a sensitive renovation, preserving original details like the exposed beams and antique windows while bringing in a fresh sense of lightness and flow. “The renovation is a testament to respecting history while embracing the future,” she notes. The result is a home that feels both lived-in and renewed—warm, timeless, and deeply connected to its story. AN ATMOSPHERE ROOTED IN WARMTH The design palette leans into soft, creamy tones—no cool hues allowed, per the homeowner’s wishes. Natural materials take center stage: aged wood, vintage textiles, marble, porcelain tiles, and unlacquered brass come together in a gentle rhythm that feels both tactile and intentional. HONORING A LOVE FOR VINTAGE “The homeowner had a beautiful collection of vintage furniture she’d gathered over the years,” Leslau explains. “We began with her existing pieces and layered in understated classics—sofas, chairs, casegoods—that complemented the rustic elegance already present in the home.” Every element feels curated, but never precious. BRIGHTER BY DESIGN Originally, the interiors were cloaked in dark-stained wood—walls, ceilings, everything. Leslau and her team sanded back years of heaviness to reveal the natural grain and brightness of the 19th-century planks beneath. “We wanted the space to feel like a real escape from the city: bright, airy, and calming,” she says. HERITAGE, UPDATED While its soul remains intact, the home has been gently brought into the present. - The original hardwood floors were refinished to let their natural beauty shine. - The vintage windows were restored, not replaced, letting in light through the same glass panes that once served the village shop. - The kitchen, now a mix of state-of-the-art function and old-world charm, features marble countertops and an open, flowing layout. - Bathrooms were transformed into serene, spa-like retreats with walk-in showers, marble vanities, and polished nickel fixtures that nod to the past while feeling unmistakably current. A STORY THAT FLOWS Leslau’s approach was all about continuity—creating a dialogue between old and new. The open plan connects former shop spaces with newer additions, making the transition between eras seamless. A quiet, minimalist sensibility prevails, allowing the historical textures—aged beams, restored floors, weathered windows—to take center stage. “The house is more than just a home,” Leslau reflects. “It’s a piece of Sag Harbor’s story, still unfolding.”

Maria DeCotiis’s Vancouver house balances contemporary architecture with quiet neoclassical interiors for her brother Marco DeCotiis and his daughters. May 6, 2026 | DESIGN & INTERIORS a HOUSE THAT HOLDS its SHAPE photos Tina Kulic For Italian-Canadian interior designer Maria DeCotiis, a home doesn’t need to choose between style and everyday life. In this recent project in Vancouver, she brings the two into balance — designing a house for her brother, Marco DeCotiis, and his three daughters that feels both composed and lived-in. Built in 2024, the house presents a contemporary exterior, while the interiors lean toward a quiet neoclassicism. Classic elements are used with restraint, set within a clean, modern framework. A SHARED REFERENCE The project begins with a shared visual memory. Raised in an Italian household with roots in Puglia, and shaped by frequent visits to Rome and Paris, the siblings draw from a familiar architectural language — applied here with control. Marble, plaster mouldings, white oak herringbone floors and unlacquered brass introduce continuity without nostalgia. The approach is deliberate: start with function, define a few key elements, and refine through detail. The result is measured — grounded, but current. A PLAN FOR CHANGE The structure reflects a longer view. Marco developed the house as a duplex, living in one half while renting the other — a practical move that anticipates change. Inside, the same logic holds. Spaces are open yet defined, materials tactile but durable. A single tone runs across the main floor — walls, kitchen and mouldings — creating continuity and warmth. DETAIL, NOT EXCESS The palette remains soft, with controlled shifts in tone. Burgundy in the powder room, navy in the primary suite, a muted lavender-grey in the girls’ bathroom — each gesture is precise. Some spaces carry more weight. The primary bathroom, in Eros grey marble with brass and black accents, reads as a retreat. Marco’s bedroom moves darker — more personal, more contained. Elsewhere, small details do the work. A curved black vanity, gold hardware, a saturated wall — emphasis without excess. In the end, the house is defined by balance. Lived-in, but composed. Contemporary, without urgency.

Louis & Rose’s design for a 1938 Los Feliz home pairs traditional rooms and English countryside influences with a light, layered interior in Los Angeles. November 26, 2025 | DESIGN & INTERIORS a GENTLE RHYTHM in LA words YUZU Editorial photos Will Myers production Karine Monié Louis & Rose approached this 1938 Los Feliz home with an evocative starting point: “Emily Dickinson living in the English countryside — suddenly dropped into the vibrancy of Los Angeles.” This contrast shapes the project’s tone: introspective calm meeting the cultural energy of one of LA’s liveliest neighborhoods. Rather than opening the plan, the studio preserved the home’s traditional layout, allowing each room to retain its purpose and sense of intimacy. “A defined floor plan supports both solitude and gathering,” says founder JD Irpino. “It gives the home a natural rhythm.” Drawing inspiration from early Boston and Philadelphia interiors, the design blends the pragmatism of early American homes with the charm of the British countryside — not through literal imitation, but through atmosphere. Tongue-and-groove paneling, beadboard, a built-in pantry and breakfast nook bring subtle craftsmanship to the foreground, while moments of whimsy appear in Pierre Frey’s powder-room wallpaper, bold tiles and the mix of vintage and contemporary lighting. The palette stays light and refined: whites, creams, pale greens and blues set a serene tone, paired with oak flooring, Carrara marble and hand-selected tiles from Italy and Sonoma. Visual Comfort pieces, including Thomas O’Brien’s Piaf chandelier, weave together old and new. “We see ourselves as custodians of a home’s story,” Irpino notes. “Timeless materials create continuity — a dialogue between past and present.” Throughout, playful details enliven the calm. Clarence House’s floral dining-room wallpaper introduces confident movement, while sculptural lighting and expressive color choices add character without overwhelming the space. The result is a home that feels layered and quietly expressive — a meeting point between LA brightness, New England restraint and the poetic intimacy of the English countryside.

Villa AM is AM Collective’s collectible design gallery in New York’s West Village, with shoppable objects and the Artifacts sculpture garden. May 2025 | DESIGN & INTERIORS CURATED LIVING: AM COLLECTIVE REDEFINES the GALLERY words Laura Cottrell In a time when the design world is rethinking its spaces, rhythms, and rituals, Amanda Pratt’s newly rebranded AM Collective offers a compelling model for what a contemporary gallery can be. Formerly known as Salon Design, the gallery has not only changed its name but reshaped its entire identity—moving into a 2,600-square-foot townhouse in New York’s West Village and reopening as Villa AM, a living, breathing home for collectible design. Villa AM officially opened its doors on April 24, inviting visitors into a reimagined gallery space that feels more like a thoughtfully designed home than a traditional showroom. Conceived as a more intimate setting, it allows guests to connect with design objects in a lived-in environment—one that reflects how design is increasingly woven into daily life, especially in the U.S., where the appetite for meaningful design is growing. “We’re seeing a shift in how people want to engage with design,” says founder Amanda Pratt, a former investment banker turned interior designer and art advisor. “There’s something deeply human about living with objects that tell a story, and that’s exactly what AM Collective is about.” A NEW KIND OF GALLERY EXPERIENCE Unlike traditional white-cube galleries, AM Collective embraces the storytelling power of design. Here, salon-style presentations replace solo shows, and collections debut in spaces designed for conversation and connection. The gallery’s programming is built around launches, limited editions, collaborations, and site-specific works, all carefully selected for their material intelligence and emotional resonance. Roughly 80% of AM Collective’s featured artists and designers identify as women—a statistic that speaks volumes about Pratt’s mission to support under-recognized voices in contemporary design. From textile innovators in Berlin to experimental lighting designers in Australia, each contributor is united by a commitment to craftsmanship and exploration. A HOME WHERE EVERTHING IS FOR SALE And yes—everything inside Villa AM is shoppable. Whether it’s a sculptural light fixture or a custom textile, each piece is displayed in a way that honors its function and beauty within a living space. INTO THE COURTYARD: DISCOVER ARTIFACTS On May 17, Villa AM expands its vision outdoors with the unveiling of its inaugural sculpture garden installation, Artifacts. Curated by Cola Studios, the creative duo founded by Sam Colamussi and Olya Dmitrieva, this evocative exhibition transforms the villa’s courtyard garden into a poetic, open-air stage. Featuring works by Ian Love, Cory Mahoney, Mamoun Nakumanu, and others, the sculptures appear like relics unearthed from a forgotten civilization—strange, enigmatic forms that seem to have always belonged to the landscape, patiently waiting to be discovered.