February 2024 | Art & Culture TR BELOW AMERICAN GLITCH What can the world trust? words Alp Tekin Technology, memory, American mythologies and narratives are always at the center of the work of New York-based multimedia artist duo Orejarena & Stein. And they currently have an ongoing exhibition titled "American Glitch" at Palo Gallery in New York. Presenting a series of new and recent photographs, "American Glitch" explores the slippage between fact and fiction. Orejarena & Stein examine how society is forced to question what is real and what is fake in the midst of an endless sea of information available at all times. It makes us question that too: What can the world trust, and what is a ‘glitch’? According to Orejarena & Stein, screen domination, conspiracy theories, fake news, and the emergence of the metaverse call us to question our reality and our potential existence in "simulation". Orejarena & Stein transform tools that others would consider artistic mistakes into intentional elements to provoke reflection on the intersection of technology, perception, and human experience. Using digital elements such as Adobe Photoshop and artificial intelligence tools, the exhibition combines large-scale prints of Orejarena & Stein's photographs with smaller prints of their "archive of real-life glitches" in an installation. New York merkezli multimedya sanatçı ikilisi Orejarena & Stein’ın çalışmalarında teknoloji, hafıza, Amerikan mitolojileri ve anlatıları her daim başrolde. Ve şu an ikilinin New York’taki Palo Gallery’de devam eden “American Glitch” isimli bir sergileri var. Bir dizi yeni ve yakın tarihli fotoğrafın sunulduğu “American Glitch”, gerçek ile kurgu arasındaki kaymayı inceliyor. Orejarena & Stein, her an ulaşılabilen sonsuz bilgi denizinin ortasında kalan toplumun neyin gerçek neyin sahte olduğunu sormak zorunda kalmasını inceliyor. Bize de bunu sorgulatıyor: “Dünya neye güvenebilir ve aksaklık nedir?” Orejarena & Stein'a göre ekran hakimiyeti, komplo teorileri, sahte haberler ve Metaverse’ün ortaya çıkışı; gerçekliğimizi ve ‘simülasyon'daki potansiyel varlığımızı sorgulamaya çağırıyor. Adobe Photoshop ve yapay zekâ araçları gibi dijital unsurların kullanıldığı sergide, Orejana & Stein'ın fotoğraflarının büyük ölçekli baskıları ile 'gerçek hayattaki aksaklık arşivi'nin daha küçük ölçekli baskıları bir enstalasyonla bir araya getiriliyor.

January 2025 | VOL 14 RYOKAN + BALE BENGONG her words Onur Baştürk photos Pempki It’s a delightful surprise to come across a home in Ubud, Bali, that’s inspired by the traditional Japanese ‘ryokan’. Anna, the owner, was deeply moved by the sense of peace and completeness she experienced during her travels in Japan. Working with Bali-based Blancostudio, she brought this serene, Zen-like retreat to life, naming the project 'Her'. “From the start, Anna and I had a shared vision of creating a wooden studio with Japanese influences,” says Blancastudio founder Conchita Blanco. Conchita, who spent much of her early childhood in Bali before moving to Australia, is the granddaughter of Spanish painter Don Antonio Blanco and Balinese dancer Ni Rondji. After completing her studies in Australia, she returned to Bali, first working at Indonesia's top architecture firm, Andramatin, before setting up her own studio. The 'Her' project is inspired by the traditional Japanese 'ryokan', but it also incorporates elements of the Balinese 'bale bengong', which charmingly means 'daydream house'. This skillful blend of Japanese and Balinese design comes to life in 'Her', which was built using wood from an old tree found on the banks of the Bengawang River in Java. Now, let’s take a closer look at the story behind 'Her' through Conchita’s perspective. How would you sum up Her in one sentence? Her is a Japanese-influenced home escape on stilts with Balinese roots. Anna's travels to Japan and her appreciation of Zen design are the two most important elements in the creation of the Her project. How did the design process evolve with these references? As a mother of two, I understand Anna's need to have a space in the house where she can escape for a moment. That's why I wanted her to have her own oasis of calm that would give her a sense of detachment from her surroundings. I referenced both Zen and Japanese minimalist aesthetics in the design to create a peaceful, new environment for her. What were the difficulties and benefits of designing a project inspired by Japanese ryokan in Bali? Since the beginning of my architectural career, I often travel to Japan for inspiration and to learn more about design because I have always been fascinated by both traditional and modern Japanese design. So I wouldn't say it was a design challenge, but an asset. You worked on this project with your husband, Avalon Carpenter, the founder of Kalpa Taru. What was Kalpa Taru's contribution to the project? Do you usually collaborate with your husband on projects? I also work as a creative director and designer at Kalpa Taru. Since 2018, I have been designing custom furniture and products for high-end clients and designers at Kalpa Taru. Kalpa Taru's contribution to the project is key to the success of the project because I believe the success of any project lies between the relationship between the makers and the designer. Kalpa Taru delivered high quality woodwork and for this project we worked closely together from the selection of every wooden component, finishing and construction methods. Working with solid wood structures requires highly skilled carpenters, and this project wasn't about intricate wood carvings and ornaments, it was about creating something flawless with seamless joinery. And yes, Blancostudio and Kalpa Taru often collaborate on many projects, in fact I feel that our most successful projects are always the ones we have done together. AND AS THE WIFE OF A CARPENTER, I HAVE A DEEP PASSION FOR WOOD, ESPECIALLY TEAK How would you summarize Blancostudio's design approach and style? Our design philosophy has always been to create something that will last, with a strong sense of belonging to the place and its users. We care about building something that exists in harmony with nature and is not intrusive, which is why we often incorporate the use of local materials while drawing inspiration from the vernacular style of the place. Our design style is minimalist with respect to traditional materials and methods. What are your sources of inspiration? At Blancostudio we work with a lot of natural materials because I believe it expresses their age and place in history. There is beauty in working with natural materials, where we often allow their patina to wear off and become part of our design, enriching it. And as the wife of a carpenter, I have a deep passion for wood, especially teak. There are so many layers to designing with wood, as each species has different strengths and beauty. It is really fascinating to me because it is a living material, you have to understand its nature and methods before you can design something out of it. However, our design approach comes from our respect for the material - and this is where I find most of my design inspiration. What brought you back to Bali, Indonesia after living in Australia for 10 years? Family - I have a big family and now as a new mother of two, I am happy to be back home and have my family close to help me raise my family. THERE HAS BEEN A RAPID INCREASE IN MASSIVE DEVELOPMENT IN BALI, SO MUCH SO THAT I FEEL QUITE SAD ABOUT IT How do you see Bali's future vision in design, is it getting better or stagnating? There has been a rapid increase in massive development in Bali, so much so that I feel quite sad about it. Bali is known as the island of the gods, I feel that many of us here share the same concern of what Bali will become if it continues to cater to all these massive developments that have no respect for Balinese culture and its environmental impact. To stop this, we need the government to step down and put strict rules and restrictions on building, without this I am afraid that the culture of Bali will slowly diminish and the island will suffer in return. blancostudio.co @blancostudio.bali for more Print VOL XIV - 2024 / 25 ₺970,00 Regular Price ₺870,00 Sale Price Add to Cart

Aralık 2021 | Art | Türkiye FAAR CONCEPT EVLERİ Fahrettin Aykut’un sürpriz projesi Yazı | Onur Baştürk M imar ve tasarımcı Fahrettin Aykut yeni bir projeye başladı. Sadece konut mimarisi içermeyen bu projede arazi alım-satım ve yönetimini de üstleniyor. Aykut. Yeni projesinin ilk evini ise Bodrum Pınarbelen’de gerçekleştirmeye hazırlanıyor. İşte, Fahrettin Aykut’un deyimiyle, “İşin içinde azman bir ticaret kasması olmayınca her şeyi düzgün giden” bu yeni sürecin detayları… GÖSTERİŞLİ KOMŞULARIN OLDUĞU SİTELERDE YAŞAMAK İSTEMİYORLAR Arazi alım-yönetimi, kurulumu ve bir de üstüne yapılacak evin tasarım. Çok kapsamlı ve çok emek isteyen bir proje bu. Neden böyle bir işe kalkıştın? Öncelikle net ve dolaysız sorun için teşekkürler. Beni bu sürece iten şey, bugünün emlak yapım yönetim sisteminin kendi içinde yaşadığı girdap ve ortada kalan bir grup doğru beklentili insan. Ayrıca Türkiye’nin tasarım yaşam trendlerinin bu olgularla girdiği yaşam savaşı… Ben de yıllardır bu savaş içinde mücadele veren bir tasarımcıyım. Nedir bu girdap? Öncelikle korkunç pahalı araziler. Ardından bu araziler üzerinden maksimum kazancı elde etmeye çalışan girişimciler (doğal olan bu elbette). Dipsiz inşaat maliyetleri. Delinen, sürekli oynanan, tasarımda birincil belirleyici olan, birçoğu doğru ama bir o kadarı tuhaf olabilen imar notları… İşte bu muhteşem üçlünün sonunda sürekli yüksek gelir düzeyini hedeflemek zorunda kalan girişimcilerle, “luxury” adı altında gösterişli 3D sanal görsellerle bezenerek düş dünyaları hattını geçemeyen ve arazilerin adeta oyularak yapıldığı beton kültürlü yapılardan oluşan yüzlerce proje… Bunun karşılığında arada kalmış, hedef kitle olarak görülmeyen, alıcı dediğimiz gelir düzeyi belirli bir noktaya gelmiş, eğitimi-yaşam görgüsü ile ne istediğini bilen, bu isteği arazi, tarım, doğallık, sıfır atık, sıfır karbon ve kendi enerjisi ile yaşayan sakin evler olan bir grup insan yaşıyor bu ülkede. Onlar gösterişli komşulardan oluşan marka sitelerde yaşamak istemiyorlar. Ve inan azınlık değiller! Elbette milyon dolarları yok, ama döngüye yetecek imkanları var. İşte ben bu insanları hedef aldım ve gördüm ki arazi bulmak üzerine hafriyatsız, betonsuz, ekolojiyi tahrip etmeyen, hafif ama kalıcı, doğa dostu doğru yapıyı tasarlamak, perdesine kadar proje uygulama yönetimini yapmak ciddi bir beklentinin karşılığı. Hem tasarımcı olarak benim hem de bu formda hayatını geçireceği yerleşkeyi arayan insanların beklentisi bu. Bende arazilere, arazi sahiplerine ulaşıp kimi zaman satın alım, kimi zaman onları da içine alan küçük ölçekli arazide büyük yaşam önergeleri oluşturmaya karar verdim. İşin içinde azman bir ticaret kasması olmayınca her şey düzgün gidiyor aslında. Yağmur suyunu depolayıp kullanabilen, kendi atığını tekrar toprağa döndürebilen, elektriğini üretebilen, hafif konstrüksiyon ama görsel ya da yaşam alanları olarak son derece konforlu yapılar bunlar. UCUZ VE BÜYÜK ARAZİ, HAFİF AMA KONFORLU EV İlk proje Bodrum Pınarbelen’de olacak. Tüm konut projeleri bu durumda kişiye özel değil mi? Yani belli bir konsept çatısı altında toplanmış değil anladığım kadarıyla... Evet aynen. Tüm projeler perdesinden tülüne, en başta araziye ve kişinin isteklerine göre oluşacak. Aslında sabit olan tek şey strüktürel dil. Yani hafif inşaat teknikleri denebilir. Bodrum Kızılağaç olmasının sebebi şu: İlk proje kendi arazimde olacak. Ama şimdiden sipariş almaya başladım. Ve şunu gördüm; ucuz ve büyük arazi, hafif ama konforlu bir ev, ulaşılabilir ve sağlıklı bir hayat önergesi benim hedef kitlem için. KOMÜN YAŞANTISINA EV SAHİPLİĞİ YAPACAK İlk proje evin tasarım incelikleri ve çizgisine dair neler söylersin? Önceliğin neler oldu? Bu evin en önemli özelliği geleneksel komün yaşantısına ev sahipliği yapacak olması. Çünkü tüm odalar ve salon ortak bir avluya açılıyor. Tüm doğramalar da sonuna kadar açılıyor. Böylece yaz ve bahar ayları iklimlenme için nadir klima kullanımı ihtiyacı olacak. Evin içinde büyük bir ada mutfak var. Ortak bir yaşam alanı. Herkes orada buluşsun diye. Tüm cepheleri açılabilen bir salon mevcut. Böylece ılık bir bahar akşamı üstü kapalı terasta kahvenizi yudumlayabiliyorsunuz. O sırada kuşların ekolojik havuzdan su içmelerini kameraya almak için hamle yapıyorsunuz. Bunlar basit, ama ulaşılabilir düşler olmalı hepimiz için.

July 2024 | Design & Interiors TURKISH BELOW SACHA WALCKHOFF ‘THERE’S NO NOSTALGIA HERE, THIS is a NEW VISION on the BRAND HISTORY’ words Onur Baştürk C hristian Lacroix Maison’s latest collection shares its name with Lacroix’s 1992 autobiography: Pêle-Mêle. As he shared his life story, the fashion icon revealed how so many inspirations from his early years later came to form the world of Lacroix as we know it. Creative Director, Sacha Walckhoff, chose Arles, the town where the Lacroix spent his youth, as the inspiration for the Christian Lacroix Maison’s 24 collection. Sacha Walckhoff began his stellar career in fashion and design when he joined forces with Christian Lacroix in 1992. After eight years of fruitful collaboration, Walckhoff took on a new role as the Creative Director of Christian Lacroix. Under his visionary leadership, the brand embarked on an ambitious journey, broadening its horizons into lifestyle design and home decor. Sacha Walckhoff talked to us about his life and latest designs... You chose Pêle-Mêle as the title of the new collection because of Arles, the town where Christian Lacroix was born. Can you elaborate on this? How did Arles inspire you? The first time I visited Arles was with Christian in 2008. Exploring his hometown through his eyes was incredibly special. It really helped me understand that a significant number of the brand’s themes are related to Arles – and to the way the town has evolved throughout the centuries. In his book, Pêle-Mêle, Christian talks about his youth in Arles – and about what led him to create his fashion house. And, in a new, contemporary way, Arles was also the direct inspiration for the Christian Lacroix Maison 2024 collection. There’s no nostalgia here, this is a new vision on the brand history. But we cannot build the future without having a solid knowledge of the past. At the same time, you have to free yourself from the past and its limitations to generate fresh ideas. As Pêle-Mêle has shown, designs with a story attract attention! Can you describe your design process and working style? Arles is famous for having hosted Vincent van Gogh and his sunflowers - so this was the starting point for our Soleil luxurious jacquard. I also came upon a lovely old book that told the history of Arles - starting with the Roman invasion. One of the map engravings in this book was the inspiration for the En allant aux Baux – our embroidered and printed linen canvas. There is always a story behind any new production. However, to do it right whilst enjoying the process, you need to free yourself from your muse. You come from a mixture of Slavic, French, Swiss, and African origins. Has this enriched your creative processes? My background allowed me to adapt to almost any situation and to be comfortable almost anywhere in the world. I am always open to innovative ideas - if I can trust the people with whom I am working.’ Your professional journey with Christian Lacroix began in 1992. What have you learnt about yourself in your personal and work life over the last three decades? I’ve learned that I am able to adapt and move forward without forgetting who I am. In the current world we live in, being balanced is a blessing. What is your favorite material? And, why? There are two materials that I like equally from the 2024 collection: Soleil, Roubine and En allant aux Baux. So, I will also be using these in my new home - which is currently under renovation. If you could depict your lifestyle as a movie or a song, which would it be? “Funny Face” by Stanley Donen! I watched it during my childhood in Switzerland. This film made me become who I am today... PÊLE-MÊLE HIGHLIGHTS Trinquetaille -where Lacroix grew up, in Arles, is the inspiration for our patchwork design, reminiscent of Provençal-style, quilted fabric. Sewn under the Provençal sun, this quilted fabric is also known as boutis. Printed on wallpaper in cotton velvet with terracotta tones, Cotillons speaks of neighborhood festivals with young acrobats dressed as harlequins. Drawing inspiration from both Pablo Picasso and Lucien Clergue. Jardin Hortus is a park inspired by Arles’ ancient past. Printed on linen fabric and panoramic wallpaper, this fruit and flower bouquet design is reminiscent of ancient Roman feasts. SurréArles’isme is an exuberant fresco - a panorama of wild and imaginary flowers. It is a tribute to a town that constantly rediscovers itself, yet manages to remain untouched - while attracting countless artists over time. SACHA WALCKHOFF ‘İÇİNDE YAŞADIĞIMIZ DÜNYADA DENGELİ OLMAK BİR LÜTUF’ C hristian Lacroix Maison’un yeni sezon koleksiyonu “Pêle-Mêle”, Christian Lacroix’nın çocukluğundan Maison de Couture'u kurduğu ilk yıllara kadar olan öyküsünü anlatan kitabının adı. 1992'de basılan kitapta, bugün bildiğimiz Lacroix dünyası haline gelecek birçok temadan bahsediliyordu. Markanın kreatif direktörü Sacha Walckhoff, Christian Lacroix Maison 2024 koleksiyonu için işte bu kitabın ismini ödünç aldı. Çünkü bu sezonun ilham perisi Christian'ın gençliğini geçirdiği Arles. Çok çeşitli etkilere sahip bu çok katmanlı kasaba olmasaydı, Maison Lacroix da olmazdı. Bu nedenle bu koleksiyon, Provence'ın bu tarihi kasabasına bir saygı duruşu olarak tasarlanmış. Sacha ile yeni sezonu konuşmadan önce onun hakkında size kısa ve görkemli bilgiler vermek isterim: Sacha’nın moda ve tasarım dünyasındaki olağanüstü yolculuğu 1992 yılında moda ikonu Christian Lacroix ile güçlerini birleştirmesiyle başladı. Yıllar geçtikçe Lacroix ile olan ilişkisi gelişen Sacha, 2010 yılında markanın kreatif direktörü olarak atandı. Sacha’nın vizyoner liderliği altında Christian Lacroix markası, yaşam tarzı tasarımı, ev dekorasyonu alanlarında ufkunu genişleterek iddialı bir yolculuğa çıktı. Yeni koleksiyonun ismi için “Pêle-Mêle”yi seçmenizin nedeni Christian Lacroix’nın çocukluğunun geçtiği kasabayla bağlantılı. Arles sana nasıl bir ilham verdi? Arles'ı ilk kez 2008 yılında Christian Lacroix ile birlikte ziyaret etmiştim. Memleketini onun gözünden keşfetmek çok eşsiz bir şeydi. Markanın konu ve temalarının önemli bir kısmının doğrudan Arles'la ve şehrin yüzyıllar boyunca geçirdiği evrimle ilgili olduğunu anlamama kesinlikle yardımcı oldu. 1992'de yayınlanan 'PÊLE-MÊLE' adlı kitap, genç Christian'ın Arles'taki yaşamına ve onu moda evini kurmaya iten nedenlere ışık tutuyor. Christian Lacroix Maison 2024 koleksiyonumuz doğrudan Arles'tan ilham alıyor ancak çağdaş ve tamamen yeni bir şekilde. Burada nostalji yok, markanın geçmişine dair yeni bir vizyon var. Geçmişi iyi bilmeden geleceği inşa edemeyeceğimize inanıyorum ama aynı zamanda taze fikirler üretmek için kendinizi geçmişten ve onun sınırlarından kurtarmanız da gerekiyor. Hikayesi olan ürünler her zaman daha çok ilgi çeker. Tıpkı “Pêle-Mêle” gibi. Bu anlamda tasarım sürecinizi ve çalışma stilinizi merak ediyorum. Biraz anlatabilir misiniz? Arles, Vincent van Gogh'u ve onun ayçiçekleri tablolarını ağırlamasıyla tanınıyor, bu nedenle "Soleil" lüks jakarlı kumaşımızın başlangıç noktası burası oldu. Roma istilasından bu yana Arles'ın tarihini anlatan bu 19. yüzyıl kitabını da buldum. Bu kitaptaki harita gravürlerinden biri "en allant aux Baux" işlemeli ve baskılı keten kanvas için bize ilham verdi. Her yeni üretimin ötesinde her zaman bir ilham vardır, ancak bunu doğru yapmak ve süreç boyunca eğlenmek için kendinizi ilhamdan kurtarmanız gerekir ... Slav, Fransız, İsviçre ve Afrika kökenlerine sahip olmak yaratım sürecinizi nasıl zenginleştirdi ve size neler kattı? Sanırım bu sayede hemen her duruma uyum sağlayabiliyor ve dünyanın hemen her yerinde rahat edebiliyorum. Birlikte çalıştığım insanlara güvenebilirsem yeni fikirlere her zaman açığım. Christian Lacroix ile olan maceranız 1992'de başladı. O günden bugüne hem iş hem de özel hayatınızda kendinize dair neler öğrendiniz? Kim olduğumu unutmadan uyum sağlayabildiğim ve ilerleyebildiğim için. İçinde yaşadığımız dünyada dengeli olmak bir lütuf... En sevdiğiniz malzeme hangisi? Koleksiyonun bir parçasını kastediyorsanız, en çok sevdiğim birkaç malzeme var: "Soleil", "Roubine" ve "En allant aux Baux" çünkü şu anda yenilemekte olduğum yeni evimde bunlara sahip olacağım. Yaşam tarzınızı bir film ya da şarkıyla tanımlamanızı istesem; bu hangi film ya da şarkı olurdu? Stanley Donen'dan "Funny Face"! Bu filmi çocukken İsviçre'de izlemiştim ve bugün olduğum kişi olmamı sağlayan filmdir. PELE-MELE KOLEKSİYONUNDAN…. - Çok sayıda Provençal güneşle dikilmiş, “boutis” olarak da bilinen Provençal tarzı kapitone kumaşı hatırlatan patchwork tasarımın ilham kaynağı Christian Lacroix’nın büyüdüğü Arles’teki çok kültürlü bölge Trinquetaille. - Hem pamuklu kadife hem de pişmiş toprak tonlarında duvar kâğıdı üzerine basılan “Cotillons” ise Picasso ve fotoğrafçı Lucien Clergue'e de ilham veren, harlequin gibi giyinmiş genç akrobatlara rastlanan mahalle festivallerinden bahsediyor. Bu neşeli baskı rustik pamuklu bir tuval üzerinde. - “En allant aux Baux”; bölgenin 17. yüzyıldan kalma, büyük bir keten panel üzerine işlenmiş haritasını temsil ediyor. - "SurréArles'isme”, vahşi ve hayali çiçeklerin panoramasından oluşan coşkulu bir fresk. Aynı zamanda kendini sürekli yeniden keşfeden, ancak bir şekilde aynı kalmayı başaran ve zaman geçtikçe daha fazla sanatçı ve yeteneği kendine çeken bir kasabaya da övgü niteliğinde.

Haziran 2022 | Tasarım | Vol VII IŞIK VE GÖLGENİN HİSSİYATI: İYİ OLMA DUYGUSU Yazı | Onur Baştürk Y ollardayım diye mesaj attı iç mimar Yeşim Kozanlı. Yaz dolayısıyla dört otel projesini aynı anda bitirmenin telaşı içerisindeydi ve her zaman olduğu gibi koşturuyordu. Bu sayfalarda onun bu yaz kapılarını açacak son projelerinden biri olan Kaş’taki Radisson Blu’yu ve Bodrum’daki Liu Resort’u göreceksiniz. Kozanlı’nın mimarlık anlayışına dair sırlar ise satır aralarında... Mesleğe ilk başladığın günden bugüne mimarlık anlayışın nasıl aşamalardan geçti? Aslında genel olarak yaklaşım ve anlayış biçimim aynı. Ama güncel teknoloji ve trendlerle gelişim gösteriyor. Yapacağımız mekanın fonksiyonuna, bulunduğu coğrafyaya, kullanıcı profiline göre her proje bizim için yeni bir macera ve çözülecek problem. Bu durum mimari olarak projelere yaklaşım şeklimizi sürekli etkiliyor. Tüm ekibimle beraber işvereni bile bambaşka fikirlere sürükleyebiliyor. Bu nedenle her projeye bir keşif ve macera gözüyle bakıyorum. İlk başlarda çok daha minimal bir anlayışla yaklaşırken; az önce bahsettiğim her fonksiyonun bizde yarattığı etki ve getirdiği işlevler, fikir ve deneyim açısından zenginleşmemizi, her işimizin farklı tatlarda ve içeriklerde olmasını sağlıyor. Yıllar içinde kendi stilimizi modern ama iyi detaylarla bezenmiş, en önemlisi de hikâyesi olan tasarımlarla desteklemiş olduk. Tamamı için... Print VOL VII - 2022 Out of Stock View Details No product

September 2024 | Art & Culture TURKISH BELOW FOR the 2nd time ALCOVA in MIAMI words Onur Baştürk H eld every year during Milan Design Week, Alcova is one of the leading platforms for forward-looking contemporary design. When I went to the last edition of Alcova, the long lines I saw in front of the two buildings where the event takes place are the best proof that the platform is growing. And so Alcova, founded by Valentina Ciuffi (Studio Vedèt) and Joseph Grima (Space Caviar), returns to Miami for its second international edition, which will take place during Miami Art Week, December 3-8. Building on the success of its inaugural Miami edition, this year's Alcova Miami will take place at the city's oldest hotel, the River Inn on South River Drive Historic District in East Little Havana. Originally built in 1908 as a Victorian boarding house, the River Inn consists of pastel-colored wooden mansions with a carefully preserved historic side. Now located in the heart of one of Miami's most vibrant neighborhoods, the property combines its historic charm with a location that is easily accessible from both Miami Beach and downtown Miami. “We are thrilled to bring Alcova back to Miami,” said Alcova founders Valentina Ciuffi and Joseph Grima. “River Inn, with its unique history and vibrant community atmosphere, encapsulates the spirit of Alcova's mission to create dynamic platforms which celebrate the architectural legacy of the cities we work in. Miami’s unique urban fabric and architectural heritage continue to inspire us – and the designers who make up the Alcova community”. ALCOVA ikinci kez MIAMI’de H er yıl Milano Tasarım Haftası sırasında yapılan Alcova, ileriye dönük çağdaş tasarımın önde gelen platformlarından. Alcova’nın en son edisyonuna gittiğimde etkinliğin gerçekleştiği iki bina önünde gördüğüm sonu görünmeyen uzun kuyruklar, platformun giderek büyüdüğünün en önemli kanıtıydı. Ve işte, Valentina Ciuffi (Studio Vedèt) ve Joseph Grima (Space Caviar) tarafından kurulan Alcova, 3-8 Aralık tarihleri arasında Miami Art Week sırasında gerçekleşecek ikinci uluslararası edisyonu için Miami'ye yeniden dönüyor. İlk Miami edisyonunun başarısı üzerine inşa edilen Alcova Miami, bu yıl şehrin en eski oteli olan East Little Havana'daki South River Drive bölgesindeki River Inn’de yapılacak. 1908 yılında Viktorya dönemine ait bir pansiyon olarak inşa edilen River Inn, tarihi yanı özenle korunmuş pastel renkli ahşap konaklardan oluşuyor. Şu anda Miami'nin en canlı mahallelerinden birinin kalbinde yer alan tesis, tarihi cazibesini hem Miami Beach'ten hem de şehir merkezinden rahatlıkla ulaşılabilecek bir konumla harmanlıyor. Alcova'nın kurucuları Valentina Ciuffi ve Joseph Grima, ‘Alcova'yı Miami'ye geri getirdiğimiz için çok heyecanlıyız’ diyor. ‘River Inn, eşsiz tarihi ve canlı atmosferiyle, Alcova'nın yapıldığı şehirlerin mimari mirasını kutlayan dinamik platformlar yaratma misyonunu yansıtıyor’.

Şubat 2022 | Art | Danimarka for english click here Boşlukta kaybolmaya davetlisiniz! Yazı | Oktay Tutuş L ight&Space olarak bilinen Amerikan sanat hareketi ilk kez Avrupa’da geniş kapsamlı bir sergiye konu oluyor. Aralık 2021’de açılan ve 4 eylüle kadar sürecek Kopenhag Contemporary kapsamında, yaklaşık beş bin metrekarelik alana yayılacak sergide zengin bir sanatçı kadrosunun işleri bir arada sunulacak. Aralarında Anish Kapoor'un da bulunduğu çağdaş sanatçıların yanı sıra James Turrell, Doug Wheeler, Helen Pashgian, Robert Irwin, Larry Bell, Bruce Nauman, Mary Corse, Olafur Eliasson ve Jeppe Hein’ın işleri sergide görülebilecek. LIGHT&SPACE’İN KISA TARİHİ Light&Space akımı özetle şu: Savaş sonrası Güney Kaliforniya ve Los Angeles'ta bu akımın sanatçıları teknolojik yeniliklerden üretilen birçok yeni endüstriyel malzemeyi denedi. Yeni sanatsal fırsatlar ve ifadeler ararken Kaliforniya'nın büyüyen havacılık endüstrisinin yanı sıra ışık, uzay ve diğer malzemelerle deneylerin yapıldığı California Üniversitesi'ndeki araştırmacılarla işbirliği yapmaya başladılar. Fiberglas, epoksi, kaplamalı cam, geleneksel resim ve heykel kategorilerini genişleten ve sanatı deneyimleme biçimimizi değiştiren yeni bir sanat tarzının önünü açarak zarif, yansıtıcı yüzeyler yarattılar. Savaş sonrası yıllarda kullanıma sunulan yeni malzemeler, uzay ve ışık araştırmalarını tetikledi. Buna karşılık, Light&Space sanatçıları sanatta nesne ve anlama odaklanmaktan sanat ve mekanın bedenle nasıl deneyimlendiğine dair bir farkındalığa doğru radikal bir değişime çeşitli şekillerde katkıda bulundu. Bu değişim o zamandan beri birçok sanatçı ve mimarı etkiledi. You are invited to get lost in the void! Words | Oktay Tutuş T he American art movement known as Light&Space is the subject of a wide-ranging exhibition in Europe for the first time. As part of the Copenhagen Contemporary, which opened in December 2021 and will last until September 4, the exhibition, which will spread over an area of approximately five thousand square meters, will present the works of a wealthy artist team. In addition to contemporary artists including Anish Kapoor, works by James Turrell, Doug Wheeler, Helen Pashgian, Robert Irwin, Larry Bell, Bruce Nauman, Mary Corse, Olafur Eliasson and Jeppe Hein can be seen in the exhibition. In summary, the Light&Space movement is this: In post-war Southern California and Los Angeles, the artists of this movement tried many new industrial materials produced from technological innovations. In search of new artistic opportunities and expressions, they began collaborating with researchers at the University of California, where experiments with light, space and other materials are being conducted, as well as California's growing aerospace industry. Fiberglass, epoxy, coated glass, they created elegant, reflective surfaces, paving the way for a new art style that expanded the traditional categories of painting and sculpture and changed the way we experience art. Çapa 8

August 2024 | DESIGN & INTERIORS TURKISH BELOW L’écho exhibition by JOUFFRE NYC words Laura Cottrell photos Joe Kramm Welcome to the L'écho exhibition at the New York studio of Jouffre, the textile brand founded in 1987 by Charles Jouffre in Lyon, the capital of silk! In this unique exhibition, all natural materials are transformed in the hands of artisans into stunning furniture and decorations that whisper the story of a tradition. The showroom presents a stage of upholstered designs that reflect all the brand's past collaborations, including the 'Cage Sofa' by Studio Giancarlo Valle. Jouffre x RRP's Henge Club Chair, Echo Chair designed by Jouffre Design Director Taylor Scott Ross, Pina Coffee Table in walnut and Patagonian quartzite by Brooklyn-based Gregory Beson, Studio Luddite's sophisticated lighting Dormus Sconces and Stagg Lamp, Bowen Liu's modular Plank Side Tables, and Luke Malaney's whimsical Kansas Lamp, sculpted from milk-painted ash with hammered brass shades, add to the showroom's vibrancy. This exhibition is not just a showcase, but a bold expression of historic craftsmanship. Natural materials were the standard in traditional flooring design until the '50s and '60s. This change ushered in a new era that emphasized comfort, style, durability and efficiency, and required the use of urethane-based foams. Enkev was at the forefront, developing innovative natural materials that were compatible with modern production processes. Jouffre has partnered with Enkev to integrate innovative and newly developed flooring materials into the designs on display. Enkev's materials include Cocolok and Taillok - coconut fibers and horsehair rubberized with natural latex. These renewable materials have improved antimicrobial properties that are better for the environment and human health. www.jouffre.com JOUFFRE’den L’écho sergisi Charles Jouffre tarafından ipeğin başkenti Lyon'da 1987’de kurulmuş tekstil markası Jouffre’nın, New York’taki atölyesinde gerçekleşen L'écho sergisine buyurun! Bu eşsiz sergide yer alan tüm doğal malzemeler zanaatkârların elinde çarpıcı mobilya ve dekorlara dönüşerek bir geleneğin hikâyesini bize fısıldıyor. Showroom, Studio Giancarlo Valle'nin ‘Cage Sofa’sı da dahil olmak üzere markanın tüm geçmiş iş birliklerini yansıtan döşemeli tasarımlardan oluşan bir sahne sunuyor. Jouffre x RRP imzalı Henge Club Chair, Jouffre Tasarım Direktörü Taylor Scott Ross tarafından tasarlanan Echo Chair, Brooklyn merkezli Gregory Beson'un ceviz ve Patagonya kuvarsitinden yapılmış Pina Sehpa, Studio Luddite'ın sofistike aydınlatmaları Dormus Aplikler ve Stagg Lamba, Bowen Liu'nun modüler Plank Yan Sehpaları ve Luke Malaney’nin dövülmüş pirinç gölgeli süt boyalı dişbudaktan yontulmuş ilginç Kansas Lambası showroom'un canlılığına katkıda bulunuyor. Bu sergi sadece bir vitrin değil, aynı zamanda tarihi zanaat tekniklerinin cesur bir ifadesi. Çünkü geleneksel döşeme tasarımında 50'li ve 60'lı yıllara kadar doğal malzemeler standarttı. Bu değişim; konfor, stil, dayanıklılık ve verimliliği vurgulayan yeni bir çağ başlattı ve üretan bazlı köpüklerin kullanılmasını gerektirdi. Enkev, çağdaş üretim süreçlerine uyacak şekilde yenilikçi doğal malzeme geliştirerek ön saflarda yer aldı. İşte Jouffre, yenilikçi ve yeniden tasarlanmış döşeme malzemelerini sergilenen tasarımlara entegre etmek için Enkev ile bir ortaklık kurdu. Enkev'in malzemeleri arasında Cocolok ve Taillok-hindistan cevizi lifleri ve doğal lateksle kauçuklaştırılmış at kılı yer alıyor. Bu yenilenebilir malzemeler çevre ve insan sağlığı için daha iyi, daha antimikrobiyal özelliklere sahip. www.jouffre.com

May 2024 | Design & Interiors english below Second new design for the old Istanbul flat words Alp Tekin photos Ali Bekman 1 00 yıl önce Apostol Mavradoğlu tarafından tasarlanmış eski bir İstanbul apartmanının dördüncü katındayız. Yasemin Arpaç ve Sabahattin Emir’in kurucusu olduğu Ofist tarafından ilk kez 2014’te yenilenen bu daire, yakın zamanda yine Ofist tarafından revize edilmiş. Yasemin Arpaç ikinci yenilemeyi şöyle anlatıyor: “2014’de evin sahibi Robert’la tanıştığımızda ilk isteği şu oldu: Daireyi orijinal haline çevirmek… Bu amaçla yola çıkmış ve ahşap doğramaları, döküm radyatör petekleri, yıpranmış eski rabıtaları, alçı duvar süslemeleri orijinal haline uygun olarak restore edip yenilemiştik. 10 yıl sonra Robert, biraz değişikliğe ihtiyacı olduğunu söyledi. Yenileme süreci ‘Acaba duvarların rengini biraz kreme mi çevirsek?’ sorusuyla başladı ve tüm duvar, tavan, kapı, kasa ve dolapların sıcak gri tonla boyanmasıyla sonuçlandı. Klasik yaklaşımdan uzaklaşan evin ‘yeni’ hissiyatı, tüm döşemelik kumaş ve perdelerin de aynı renk tonlarında değiştirilmesiyle devam etti. Bu dokunuşlar, dolap kulplarından masa üstü aksesuarlara kadar birçok detayın daha sade ürünlerle değiştirilmesiyle son buldu. İlk tasarımda mekanın özüne sadık, çok daha mütevazı tasarım müdahaleleri yapmıştık. İkinci tasarımda yine mekanın özüne sadık kaldık, ama bu kez güncel estetik anlayışına daha yakın bir tasarım yaklaşımını benimsedik. Evin ruhunu, karakterini hırpalamadan, yeterli ‘yenilik’ hissiyatını sağlamış olduk. Robert’ın, ‘Her seferinde kendimi yeni bir eve, yeni bir hayata gelmiş gibi hissediyorum’ yorumunda bulunması da bizim ayrıca mutluluk vericiydi”. 1 00 years ago, we are on the fourth floor of an old Istanbul apartment building designed by Apostol Mavradoğlu. This apartment was renovated for the first time in 2014 by Ofist, founded by Yasemin Arpaç and Sabahattin Emir, and recently renovated again by Ofist. Yasemin Arpaç describes the second renovation as follows: "When we met Robert, the owner of the house, in 2014, his first request was this: To restore the apartment to its original state... We set out to do just that, restoring and renovating the woodwork, the cast-iron honeycomb radiators, the old worn out fixtures, the plaster wall decorations to their original state. After 10 years, Robert said it needed a bit of a change. The renovation process began with the question, ‘Should we change the color of the walls to cream?’ and ended with painting all the walls, ceilings, doors, safes and cabinets a warm gray. The ‘new’ feel of the house, away from the classic approach, continued with the replacement of all upholstery and curtains in the same color. These touches ended with the replacement of many details, from cabinet handles to tabletop accessories, with simpler products. In the first design, we had made much more modest design interventions that were true to the essence of the space. In the second design, we were again faithful to the essence of the space, but this time we adopted a design approach that is closer to today's aesthetic understanding. We provided a sufficient sense of 'renewal' without destroying the spirit and character of the house. Robert's comment, 'Every time I come home, I feel like I've come to a new home, a new life' was also very pleasing to us”.

Aralık 2020 | Art | Türkiye Yuzu Top 10 Yükselenler - Art 2020 Bu yıl düzenlenen sanat organizasyonlarında eserleri ilk kez sergilenen ya da ilk kişisel sergileriyle dikkat çeken, ilk adımlarını atan, yani parlayanlar… Kısacası, sanatta yeni yükselenler. (Listeye katkıda bulunanlar: CI Yönetim Kurulu Başkan Yardımcısı Rabia Bakıcı Güreli, BASE kurucularından İdil Berkant ve Aslı Boduroğlu, Mamut Art Project kurucusu ve direktörü Seren Kohen Ojalvo, Yuzu Yayın Yönetmeni Onur Baştürk). Selin Türkü Birben - a.k.a “Cosmicnutz” (Mamut Art Project 2020) Herhangi bir eskiz yapmadan, deneyimlerini doğrudan çalışmalarına aktarıyor. Onu derinden etkilemiş kişileri etrafındaki nesnelerle birleştirerek yeni bir dünya oluşturuyor. Duygularını en katıksız haliyle aktarabilmek için çalışmalarındaki karakterleri tüm çıplaklığıyla sergilemeyi tercih ediyor. “Cosmicnutz”ın işleri, sahip olduğu optik renk yanılsaması nedeniyle monokrom bir renk paleti sunuyor. Rabia Kalyoncuoğlu (Avlu Bebek / Ocak 2020 - Ferda Art Platform / Ekim 2020) Eserlerinde kültürel ve toplumsal farklılaşmaların daha küçük ölçeklerde hissedilen yansımaları üzerine bir düzenleme sunuyor. Bu amaçla geleneksel malzemelere modern bir yorum katarak yeniden yapılandırıyor. Çeyizlik kumaşların üzerine çizdiği görsellerle unutulmuş ve sandıklarda yıllardır bozulmaya bırakılmış malzemeleri değerlendiriyor. Geçmişi ve şimdiyi aynı malzemede bir araya getirmeyi amaçlıyor. Emre Evcimen (Base 2020) Çalışmalarında dış koşulların gerçekliğiyle beklentilerimiz arasındaki uyumsuzluğu araştırıyor. İlgilendiği temayı seriler halinde ele alıp belirli durumlar üzerinden romantik bir yaklaşımla anlatımcı parçalar oluşturuyor. Cihan Öncü (Mamut Art Project 2020) İç dünyasının bir yansıması olan, yalın bir görsel estetiğin baskın olduğu fotoğrafları, gündelik hayatta sıkça kullanılan ya da karşımıza çıkan nesnelerin başrol oynadığı domestik kareler… Özgün bir renk paletine sahip fotoğrafların neredeyse her biri, hareketin dondurulduğu bir ana işaret ediyor. İzleyici oyuncak trenin sesli hareketini, katlanan kâğıdın hışırtısını, çiğnenen lokumun sesini duyabiliyor. Erdem Barışık (Mamut Art Project 2020) İnsanlığın diğer yaşam formlarına saygı duymadan doğal çevreyi istila ederek ele geçirme çabasını, kâğıt üzerine kalem gibi sade bir teknikle, ama zengin bir görsellikle betimliyor. Ortaya çıkan yarı soyut kentsel manzaralar, çok yoğun dokuları, üst üste binmiş formları ve monokromluklarıyla izleyiciyi neredeyse hipnotize ederek kendine çekiyor. Tuğba Akça (Base 2020) İçinde bulunduğumuz tüketim toplumunda ihtiyaçlarımızı karşılamaktan çıkıp tükettikçe “tükendiğimiz” bir hale geldiğimize inanıyor. Bu süreçte her şeyin monotonlaştığına ve bu monotonlukta yaşamın anlamsız hale gelişine dikkat çekiyor. Hayatın içine yansıyan bu monotonluğu da nesneler ve bireylerin üzerine yansıtıyor. Meryem Betül Yılmaz (Mamut Art Project 2020) Çalışmalarında yayılma ivmesini yakalamanın mümkün olmadığı iletişim çağının acımasızlığını, hayatın her alanındaki hırçın rekabetin getirdiği yalnızlaşma ve içe kapanmayı konu ediniyor. Hayal dünyasının sonsuz olasılıklarını “korunmuş, korunan, saklanmış” anlamlarına gelen “masun” isimli alemde resmediyor. Buse Koyuncu (Base 2020) Bedeni bütün olarak ele alıyor ve herhangi bir estetik kaygı gütmeden, iç dünyayı yansıtan mutlu ve huzurlu olunabilecek mekansal çözümlemeler gerçekleştiriyor. Eserlerinde ticarileşmiş, ikon kadın bedenlerine karşı geliyor ve ruhsal güzelliğin görünür kılınma çabası içine giriyor. Berk Kır (Step İstanbul 2020) İstanbul’un farklı noktalarında çekimler yapıyor. Bir röportajında söylediği gibi, “Mekânı yeni bir bağlama taşıma söyleminin temelinde, hayat akışına dahil olan insanlarla şehirde gözlemlediği mekânlar arasında bir bağ kurmak yatıyor”. Apple, Samsung ve Vogue İtalya gibi markalarla gerçekleştirdiği işbirlikleriyle de adından söz ettiriyor. Mustafa Yılmaz (Base 2020) Medyanın hayatımızdaki doğrudan iktidar oluşuna dikkat çekiyor: “İktidar büyük bir tiyatro haline gelir ve bu tiyatroda kendinden olan herkese biçilen rol, daha çok kazanmak, daha çok gasp etmek ve daha çok oburlaşmak olur. Koltuk sevdaları, kişisel arzular sansürlenir, şiddet evimizin bir parçası haline gelir”.

Media Partner Yuzu Magazine December 2024 | Art & Culture FOR TR TIME to GET to KNOW ART ANTWERP words Onur Baştürk NELE VERHAEREN Managing Director ANDRIESSE-EYCK GALERIE Marijn van Kreij BELGIAN GALLERY Cindy Wright BY LARA SEDBON Stephen Whittaker DE BOER Brad Phillips DE BOER Michael St John Cut GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALERIA PRESENÇA Diogo Nogueira GALERIE CLAIRE GASTAUD Milène Sanchez GALERIE DYS Abel Burger GALERI FLEUR+ WOUTER Fiona Lutjenhuis GALERIE FLEUR+ WOUTER Fiona Lutjenhuis GALERI FLEUR + WOUTER Fiona Lutjenhuis GALLERY SOFIE VAN de VELDE Koos Buster GUY PIETERS GALLERY KETELEER GALLERY Jo Lle Dubois MAGNIN-A Amadou Sanogo UITSALLING GALLERY Aaron-Victor Peeters UITSALLING GALLERY Elia Vanderheyden BASE ALPHA GALLERY Nadia Naveau Anthena VALERIUS GALLERY Ethel Coppieters NELE VERHAEREN Managing Director ANDRIESSE-EYCK GALERIE Marijn van Kreij BELGIAN GALLERY Cindy Wright BY LARA SEDBON Stephen Whittaker DE BOER Brad Phillips DE BOER Michael St John Cut GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALERIA PRESENÇA Diogo Nogueira GALERIE CLAIRE GASTAUD Milène Sanchez GALERIE DYS Abel Burger GALERI FLEUR+ WOUTER Fiona Lutjenhuis GALERIE FLEUR+ WOUTER Fiona Lutjenhuis GALERI FLEUR + WOUTER Fiona Lutjenhuis GALLERY SOFIE VAN de VELDE Koos Buster GUY PIETERS GALLERY KETELEER GALLERY Jo Lle Dubois MAGNIN-A Amadou Sanogo UITSALLING GALLERY Aaron-Victor Peeters UITSALLING GALLERY Elia Vanderheyden BASE ALPHA GALLERY Nadia Naveau Anthena VALERIUS GALLERY Ethel Coppieters The contemporary art fair Art Antwerp, organized by Art Brussels, is returning to Antwerp Expo for its fourth edition from December 12 to 15. Since its debut in 2021, the fair has been known for its cheerful year-end atmosphere and will once again host 70 galleries carefully selected by the Invited Committee. One of Art Antwerp’s highlights is its ability to bring together both established and emerging artists. This year, visitors can look forward to large-scale installations by artists such as Aaron-Victor Peeters (Uitstalling Art Gallery), Bruno V. Roels (Gallery FIFTY ONE), Florian Tomballe (PLUS-ONE Gallery), Bert De Geyter (Settantotto Art Gallery, Ghent), and Willem Boel (BARBÉ, Ghent). To further spotlight each gallery's project, Nina Hendrickx, the former director of Antwerp’s renowned Zeno X Gallery, has been invited as the curatorial text writer. We spoke with the fair’s director, Nele Verhaeren, to learn everything we’re curious about. Over to her… What are Art Antwerp's strategies and how does it differ from other fairs? Would you consider Art Antwerp an example of the growing trend of micro or boutique art fairs? Art Antwerp stands out for its unique DNA. Often described as a "boutique fair," it favours a direct and friendly approach, with direct contact between gallery owners, collectors, artists, and visitors. The experience goes well beyond the mere discovery of art: it is also about creating memorable moments. One can admire major works, listen to inspiring talks for young collectors or more specialized collectors, wander among monumental installations in the aisles, or even enjoy a glass or a dish under the Christmas trees, all in a warm and festive atmosphere. Art Antwerp is also appreciated for its human scale size, which makes it easy to explore. Although it has a strong regional dimension, it aims to be open to the world: among the 70 participating galleries from 11 countries presenting 250 international artists. THE PROCESS IS SIMPLE, ONCE INVITED THE GALLERY IS ON BOARD What criteria do you use to select galleries for Art Antwerp? Do you also accept applications from galleries that reach out directly? A selection of galleries, done by our Invitation Committee, that participated in the previous edition of Art Antwerp are the first ones to receive an invitation to participate again. Once their applications are submitted (deadline is in spring), the Invitation Committee extends invitations to a newly selected list of international galleries. We send out invitations on behalf of the Invitation Committee to encourage these galleries to join the committed participants. The process is very simple, once invited the gallery is on board. We frequently receive spontaneous inquiries from galleries interested in participating. For these galleries, we request that they submit a detailed stand proposal along with information about their gallery profile. After careful consideration and a vote by the Invitation Committee, we inform the respective gallery whether they have been accepted or not. GALLERIES NOW PREFER SOLO PRESENTATIONS Was the representation of artists under 35 years old deliberate or coincidental? Initially, during the uncertain times of the pandemic, the fair predominantly consisted of galleries who were participating in 7 to 10 fairs annually, showcasing group exhibitions featuring established artists. Their primary motivation was to be part of a resilient event amidst the prevailing challenges. Meanwhile, the international fair calendar picked up again and nowadays there are even more fairs than ever. Galleries at Art Antwerp are now driven by a desire to establish sustainable relationships with the artistic and cultural community of Antwerp, Flanders and surrounding regions. Therefore, this shift to see more younger artists represented is a logical consequence. Younger galleries, which typically partake in fewer fairs, are inclined to feature emerging artists. Galleries are increasingly spotlighting individual artists, which is reflected in the notable proportion of solo or duo projects, making up 31% of this year's presentations. The solo presentations are the best way to for a gallery to introduce an artist. Nevertheless, it's important to acknowledge that the remaining 70% of artists are over 35 years old, and we continue to host galleries that represent highly acclaimed artists. For instance, Lelong & Co Gallery, a participant since the first edition, showcases works by big names such as Pierre Alechinsky, David Hockney, David Nash, Kiki Smith, to name a few. Maurice Verbaet Gallery presents pieces by renowned Belgian artists from the latter half of the 20th century, while Guy Pieters offers works by international established names such as Sam Francis and Yves Klein. Therefore, Art Antwerp presents a diverse array, blending the vigour of youthful talent with the gravitas of established artists. What was the purpose of introducing the Best Booth Award? What are the criteria for selecting the winner? Following the conclusion of our third edition (Art Antwerp 2023), we have observed a significant evolution in the quality and boldness of the booths. An increasing number of galleries are opting for artistically ambitious projects, often focused on the work of a single artist or a duo. Although each gallery has carte blanche to present its booth, these innovative projects have particularly captured attention, generating excitement among visitors. It is with this in mind that we have decided to create the Best Booth Prize. Several criteria will guide the selection. The committee members will evaluate, in particular: - the quality of the exhibited works, - the coherence and originality of the project, - the curatorial audacity, - the visual engagement and aesthetic impact, - the trajectory of the artist (CV) or artists presented, - and openness to diversity or emerging talents or the recognition of a career. To give an example, the project by Gallery FIFTY ONE, which presents a solo by Bruno V. Roels, is a potential candidate. Their booth, designed as a sort of waiting room leading to paradise, perfectly exemplifies boldness and originality in concept. But there are, of course, other examples. The Prize could also go to an artist’s presenting a body of work such as Marijn Van Keij at Andriesse Eyck with works on paper, drawings and collage created the last 10 years. ART ANTWERP AIMS TO MAINTAIN ITS BOUTIQUE CHARACTER What is Art Antwerp’s vision for the future? Do you plan to keep the fair boutique-sized in the coming years, or are there plans for expansion? Art Antwerp is committed to preserving the fair's intimate and boutique character. We cherish the limited capacity of the halls and the spacious aisles, which we believe are crucial to the fair's charm. The cozy atmosphere is a fundamental element that distinguishes our fair and makes it a unique experience for all who attend. Art Antwerp has established itself as a vibrant hub for a diverse community of art enthusiasts, fashion designers, architects, curators, museum directors, art lovers, and entrepreneurs. Attending an art fair is more than just an activity; it's a lifestyle choice that resonates with the cultural and creative interests of a discerning audience. Year after year, we've seen a steady increase in the number of visitors. We are committed to maintaining this momentum and building upon the enthusiasm that Art Antwerp generates. Our aim is to continue fostering this dynamic environment, where passion for art and design not only brings people together but also inspires and enriches their lives. While we are dedicated to maintaining our deep local connections with a strong stake of galleries from Antwerp and we are equally focused on broadening the fair's international reach by welcoming more international galleries. Since there is no open call for applications, the existence of the fair may still be relatively unknown to foreign galleries, and we recognize the need to increase our visibility in the international art community. By adopting a more global (European) perspective, we aim to offer our visitors an even richer array of artistic talent to explore going from a mix of established to young artists. In addition to showcasing a diverse selection of art, we are committed to enhancing the overall experience of the fair. We strive to ensure that Art Antwerp remains a warm and inviting space for visitors, particularly during the festive end-of-year period. Our objective is to create an ambiance that not only exhibits outstanding art but also harmonizes with the celebratory atmosphere of the season.

August 2024 | Vol 13 TURKISH BELOW DİLARA KARABAY ‘I have no sense of belonging, but this is my first home’ How did you first come to the Northern Aegean? How did you decide to settle here and open the Simurg Inn? Although it was a longer way to the south of Turkey, we always used the Canakkale route. Because I loved going through there. I accidentally found this land in 2005 and fell in love at first sight! In 2007, the construction of the house was finished. After 2016, when I moved from the big house to the small house, I wanted to make the house habitable again. First I organized a dear friend's 50th birthday party here, and then I didn't go back to the city for eight months! Because the first night I came here, I was so happy... When I decided to stay here, I turned our house into Simurg Inn Hotel in a short time, both due to the conditions and as a person who could not stand idle! What do you like most about the Northern Aegean? In fact, the question should have been "What don't you like?" I love the nature, the atmosphere, the feeling, in short, everything about this place. The gods weren't here for nothing! Every time I come home, I feel a happiness that I can't explain. I don't have much of a sense of belonging. I have moved houses a lot so far. But I can say that this was my first and only home. When you opened Simurg Inn, did you think it would get so much attention? I created a place that made me happy. I never had any goals to make it a well-known or hip hotel. In fact, I continued to host guests in my house and set up a long table. I guess my happiness passed to people and spread through word of mouth. Believe me, I'm still surprised! The hotel is evolving organically. For example, we established agricultural areas. We started to grow most of what we ate at the table. We opened the beach without a planned schedule. While we were trying to tidy up the village, two more houses and a shop were added. So we left it to the flow and going on like this. How would you describe the style of your home? A house that totally reflects me! The objects, pictures I have collected for years, my comfortable armchair, my books... It all came together over the years. I can't just say, ’I love only this.' I have collected the works of artists that I will spend my life with and never get tired of looking: such as Yalçın Gökçebağ, Ömer Uluç, Kezcan Arca Batıbeki, Fahrettin Baykal, Murat Tosyalı, Burhan Uygur... How does your typical day go here? I sleep very little. I can never stand still. I go upstairs for breakfast and go for a walk with my dogs. Then I write, draw, cook and spend time with my friends. I actually work every minute. Even when I walk on the road, I mess around. Since I get bored easily, I change the decoration of the hotel and the house. Recently, I have been able to take time for myself because I have been able rein in my controlling side. By the way, my new profession is jewelry design. Now I am in the process of preparing a new collection. There is also a concern about the popularity of the Northern Aegean. What do you think about that? We all have that anxiety. However, it is not possible to resist progress. Therefore, progress should be intertwined with nature, without destroying it. We have to give up the love of concrete. I've lived here for eight years. Our water has decreased since I arrived, it is not raining like it used to. The temperature is rising day by day. We are thankful that we survived every summer without a fire. Kuzey Ege’ye ilk gelişin nasıl oldu? Buraya yerleşip Simurg Inn’i açmaya nasıl karar verdin? Türkiye’nin güneyine inerken daha uzak olmasına rağmen hep Çanakkale yolunu kullanıyorduk. Çünkü oradan geçmeyi seviyordum. 2005’te tesadüfen bu araziyi buldum ve ilk görüşte aşık oldum! 2007’de evin inşaatı bitti. 2016’dan sonra ise büyük evden küçük eve geçince evi tekrar yaşanabilir hale getirmek istedim. Önce çok sevdiğim bir arkadaşımın 50. yaş partisini burada yaptım, sonra da sekiz ay şehre geri dönmedim! Çünkü ilk geldiğim akşam o kadar mutluydum ki… Burada kalmaya karar verince hem şartlar gereği hem de boş duramayan biri olarak evimizi kısa zamanda Simurg Inn Oteli’ne dönüştürdüm! Kuzey Ege’nin en çok nesini seviyorsun? Aslında soru “Nesini sevmiyorsun?” olmalıydı. Buranın doğası, havası, hissi, kısacası her şeyine aşığım. Boşuna tanrılar burada olmamış! Yuvama her kavuştuğumda anlatamayacağım bir mutluluk sarıyor beni. Aidiyet duygum çok yoktur. Bugüne kadar çok ev değiştirdim. Ama burası benim ilk ve tek yuvam oldu diyebilirim. Simurg Inn’i açtığın zaman bu kadar ilgi göreceğini tahmin etmiş miydin? Beni mutlu eden bir yer yaptım. Tanınmış ya da hip bir otel olsun diye hedeflerim hiç olmadı. Aslında evimde misafir ağırlamaya ve uzun masa kurmaya devam ettim. Herhalde benim mutluluğum insanlara geçti ve kulaktan kulağa yayıldı. İnan bende hâlâ şaşırıyorum! Otel organik bir şekilde evriliyor. Mesela tarım alanları kurduk. Sofrada yediklerimizin çoğunu yetiştirmeye başladık. Planlı programlı olmadan plajı açtık. Köyü biraz toparlayalım derken, iki ev ve bir dükkân daha eklendi. Yani akışa bıraktık gidiyoruz. Evinin stilini nasıl tanımlarsın? Tamamen beni yansıtan bir ev! Yıllarca topladığım objeler, resimler, rahat ettiğim koltuğum, kitaplarım… Hepsi yıllar içinde toplandı. ‘Sadece şunu seviyorum’ diyemem. Hayatımı geçireceğim, seyretmekten bıkmayacağım sanatçıların eserlerini topladım bugüne kadar: Yalçın Gökçebağ, Ömer Uluç, Kezcan Arca Batıbeki, Fahrettin Baykal, Murat Tosyalı, Burhan Uygur gibi… Burada bir günün nasıl geçiyor? Az uyurum. Hiç yerimde durmam. Kahvaltı için yukarı çıkıp köpeklerimle yürüyüşe giderim. Sonra yazar, çizer, pişirir ve arkadaşlarıma vakit ayırırım. Aslında her dakika çalışıyorum. Yolda yürürken bile sağa sola bulaşırım. Sıkıntılı bir karakter olduğum için otelin ve evin dekorasyonunu değiştiririm. Son zamanlarda kontrol etme hastalığımı dizginleyebildiğim için kendime vakit ayırabilmeye başladım. Bu arada yeni mesleğim mücevher tasarımcılığı. Şimdi yeni bir koleksiyon hazırlığı içindeyim. Kuzey Ege’nin popüler oluşuyla ilgili bir kaygı da var. Ne düşünüyorsun bu konuda? O kaygı hepimizde var. Ancak gelişime karşı durmak mümkün değil. O yüzden de gelişim doğayla iç içe, onu yok etmeden olmalı. Beton sevdasından vazgeçmeliyiz. Sekiz yıldır burada yaşıyorum. Geldiğimden beri suyumuz azaldı, eskisi gibi yağmurlar yağmıyor. Sıcaklık günden güne artıyor. Her yazı yangınsız atlattığımız için şükrediyoruz. for more Print VOL XIII - AEGEAN & MEDITERRANEAN EDITION 2024 Out of Stock Add to Cart

October 2024 | Art & Culture FOR TURKISH 5 MUST-SEE EXHIBITIONS in ISTANBUL words Burcu Dimili 1. NAZAN AZERİ, SONGS WITHIN ME @Loft Art The exhibition featuring works by Nazan Azeri in various mediums such as painting, photography, and video was opened under the curatorship of Nergis Abıyeva as this year's prestigious exhibition at Loft Art. The exhibition will be open for visits until December 1. 2. “2.5B” @YUNT Opened last year, YUNT welcomes the new season with the exhibition titled 2.5B, curated by Murat Germen. This exhibition, which will be on view until December 6, invites visitors to explore the universe of two-and-a-half dimensions, a representational method that exists between two and three dimensions. The artists featured in the exhibition are: Tanzer Arığ, Gökçen Ataman Tanyer, Nora Byrne, Gizem Çeşmeci, Nermin Er, and Semih Zeki. 3. TAVILOGLU COLLECTION, A COLLECTOR'S STORY @various locations The Taviloğlu Collection, which Mustafa Taviloğlu began with great excitement in 1972 and has continued to grow for 52 years, has met the audience through an exhibition spanning seven areas. Curated by Derya Yücel and Marcus Graf, the collection features works by 903 artists and includes 2,412 pieces. It will be open for visits until December 15. 4. ALEKOS FASSIANOS, SAILING TO BYZANTIUM @Zeyrek Çinili Hamam The exhibition "Sailing to Byzantium," featuring the works of Greek artist Alekos Fassianos (1935-2022), will run until December 31, 2024, at Zeyrek Çinili Hamam. The exhibition brings together Fassianos' artworks with Istanbul's historical and cultural heritage. Curated by Anlam de Coster, the exhibition is organized in collaboration with the Alekos Fassianos Museum in Athens and takes place in the Byzantine cistern discovered during the restoration of the hamam. 5. AVNİ LİFİJ @1851.gallery Istanbul’s new gallery, 1851.gallery, opened its doors with previously unseen photographs by Avni Lifij. The first exhibition of the gallery, founded by Kerim Suner, features Lifij's photographs produced using platinum-palladium printing. If you'd like to see the works of Avni Lifij, one of the 1914 Generation painters, for the first time in a specially prepared exhibition a century later, be sure to visit 1851.gallery.

April 2023 | Design & Interiors Zin and Rotonda by Uniqka T here are two products we have chosen from the collection of Uniqka, the brand of Kerem Ariş and Merve Parnas, which highlights handcraft and materials. ROTONDA The first is Rotonda, designed for Uniqka by Milan-based studio CARA \ DAVIDE. Rotonda is a useful and versatile storage box that can be used in a variety of settings, such as the bedroom and office. The leather, which acts as a unique cover on the metal base, also allows objects to be displayed on it. Inspired by the curved structure of leather, Rotonda stands out with its minimal details. Rotonda's sculptural leather cover is made from vegetal tanned leather and is finished with minimal hand-stitching detail. Rotonda is produced with environmentally friendly vegetable tanned leather. Thanks to vegetable tanning, leather has a unique texture and appearance day by day, and it becomes beautiful by carrying the traces of time. ZİN The second product we chose is Zin. Zin is a versatile coffee table with dedicated storage for books and magazines. Thanks to its leather handle, it can be carried easily to any place. Designed by Isabel Quiroga for Uniqka in 2018, Zin's inspiration was to design a portable, sophisticated coffee table with storage space. Zin takes its name from its elegant form and the Dutch word “Zin” which means to enjoy. K erem Ariş ve Merve Parnas’ın el işçiliği ve malzemeyi ön plana çıkaran markası Uniqka’nın koleksiyonundan seçtiğimiz iki ürün var. ROTONDA İlki, Milano merkezli stüdyo CARA \ DAVIDE tarafından Uniqka için tasarlanan Rotonda. Yatak odası ve ofis gibi çeşitli ortamlarda kullanılabilen kullanışlı ve çok yönlü bir saklama kutusu Rotonda. Metal taban üzerinde eşsiz bir kapak görevi gören deri, aynı zamanda nesnelerin üzerinde sergilenmesine olanak tanıyor. Derinin kıvrımlı yapısından ilham alan Rotonda, minimal detaylarıyla ön plana çıkıyor. Rotonda’nın heykelsi deri kapağı, vejetal tabaklanmış deriden yapılıyor ve minimal el dikiş detayı ile tamamlanıyor. Rotonda çevre dostu bitkisel tabaklanmış deri ile üretiliyor. Bitkisel tabaklama sayesinde deri, gün geçtikçe kendine özgü bir doku ve görünüşe sahip oluyor, zamanın izlerini taşıyarak güzelleşiyor. ZİN Seçtiğimiz ikinci ürün ise Zin. Kitap ve dergiler için özel bir saklama alanına sahip, çok yönlü bir sehpa Zin. Deri kulbu sayesinde istenilen yere rahatça taşınabiliyor. 2018 yılında Isabel Quiroga tarafından Uniqka için tasarlanan Zin’in ilhamı, saklama alanına sahip, taşınabilen, sofistike bir sehpa tasarlamaktı. Zin, ismini elegant formundan ve Felemenk dilinde hoşlanmak anlamını taşıyan “Zin” kelimesinden alıyor.

April 2025 | VOL 15 TR BELOW REZZAN BENARDETE words Onur Basturk photos Bilal İmren Rezzan Benardete, the creative mind behind Istanbul's most popular restaurant, Cozy, talks about her dream home project and her design essentials. What drew you to interior design, and how did you get started in this field? Design has always been a part of my life. Since childhood, my curiosity for details, eagerness to explore new ideas, and admiration for art naturally led me to this field. During my travels, studying different cultures' approaches to architecture and design deepened my passion. I began professionally with small-scale residential projects, and today, Rezzan Benardete Interiors stands out for its ability to bring character to spaces while balancing aesthetics and functionality. We design a diverse range of environments—from homes and offices to yachts and restaurants. What are the key elements that define your signature style? Naturalness, timelessness, and meticulous attention to detail! While I embrace a minimalist yet elegant approach, I always incorporate special details that add character to a space. These can be unique textures, high-quality materials, or artworks that complement the soul of the space. For me, simplicity is essential, but it should never feel cold or lifeless. The right use of materials and textures is indispensable in creating a warm and inviting atmosphere. PERSONALIZATION IS KEY —IT COULD BE A CUSTOM-DESIGNED PIECE OF FURNITURE, A VINTAGE ITEM, OR AN ARTWORK THAT REFLECTS THE HOMEOWNER’S STORY How does your design philosophy adapt to different types of projects, such as yachts, homes, and restaurants? I approach each project with the understanding that every space has its own story and context, yet my core design philosophy remains consistent. When designing yachts, I focus on maximizing limited space while maintaining luxury and comfort. The challenge lies in efficiently organizing compact areas, so I emphasize multifunctional furniture, smart storage solutions, and custom designs that optimize every square inch. I also favor light color palettes to enhance the perception of spaciousness. For residential projects, my priority is to create warm, welcoming spaces that reflect my clients’ lifestyles, while in restaurants, my goal is to design environments that offer guests an unforgettable experience. What are your must-haves in home design? Three essential elements: natural materials, well-balanced lighting design, and personalized details that give a home its soul. I love enhancing a space’s warmth through natural stones, wood, and textiles. Personalization is key—it could be a custom-designed piece of furniture, a vintage item, or an artwork that reflects the homeowner’s story. What did you focus on in your recent residential projects? I aimed to create a timeless design by blending classic elements with modern touches. I combined pieces that stand the test of time with custom-designed furniture and accessories that bring a fresh, innovative feel. Like a modern artwork atop a classic console or a sculptural coffee table that adds character to a minimalist space. EVERY DETAIL, FROM THE MENU TO DECOR, SHOULD REFLECT THE RESTAURANT’S IDENTITY When designing a restaurant, what is your priority—atmosphere or functionality? While elements are interconnected, my primary focus is always achieving harmony. Every detail, from the menu to the decor, should reflect the restaurant’s identity. Atmosphere is about the emotions guests feel the moment they step inside. For your recent project, Cozy Restaurant, what kind of space did you envision? For Cozy Restaurant, I envisioned a space where guests feel at home. I aimed to blend warmth with a touch of luxury by incorporating natural tones, soft textures, and warm lighting. Which design movements or periods influence your work the most? Modernism and the Bauhaus movement have significantly shaped my design approach. Additionally, the philosophy of Wabi-sabi inspires me to embrace the beauty of natural materials and imperfections. I also draw influence from the warm minimalism of Scandinavian design and the effortless elegance of Mediterranean architecture. If you could design your dream project without limitations, what would it be? My dream project would be a serene, timeless living space in Muğla (South Turkiye). I envision a home seamlessly integrated with the natural fabric of the Aegean—blending minimalism with sophistication, merging modern lines with the refined essence of traditional Turkish architecture. The space would be light-filled and airy, where soft neutrals and vibrant tones coexist harmoniously, and the boundaries between indoor and outdoor living nearly vanish. İstanbul'un popüler restoranı Cozy’nin tasarımını üstlenen Rezzan Benardete, hayalindeki ev projesini ve tasarımda olmazsa olmazlarını anlatıyor. Interior design’a sizi çeken neydi, bu alana nasıl başladınız? Tasarım her zaman hayatımın parçasıydı. Çocukluğumdan beri detaylara olan merakım, yenilikleri araştırma iştahım ve sanata olan hayranlığım beni bu alana yönlendirdi. Yaptığım seyahatlerde farklı kültürlerin mimari ve tasarım yaklaşımlarını incelemek bu alanda derinleşmemi sağladı. Önce küçük ölçekli ev projeleriyle başladım. Bugün ise Rezzan Benardete Interiors; mekanlara karakter kazandıran, estetik ve işlevselliği dengeli bir şekilde bir araya getiren tasarım anlayışıyla öne çıkıyor. Ev, ofis, yat ve restoranlara kadar geniş bir yelpazede tasarım yapıyoruz. Her projede, mekanın kimliğini ön plana çıkaran, detaylarıyla fark yaratan özgün bir atmosfer yaratmayı hedefliyoruz. İmza stilizi tanımlayan temel unsurlar neler? Doğallık, zamansızlık ve detaylara verilen özen! Sadelik ve şıklığın bir arada olduğu bir yaklaşımı benimsiyor olsam da, her zaman mekana karakter katan özel detaylar eklerim. Benzersiz dokular, kaliteli malzemeler ya da mekanın ruhunu tamamlayan sanat eserleri gibi… Sadelik benim için önemli, ancak sadelik hiçbir zaman soğuk ve ruhsuz olmamalı. Malzemelerin ve farklı dokuların doğru kullanımı sıcak bir atmosfer yaratmanın vazgeçilmezi. Yat, ev ya da restoran gibi farklı işlevdeki projelere tasarım çizginiz nasıl uyum sağlıyor? Her projenin kendine özgü bir hikâyesi ve bağlamı var. Ancak genel tasarım felsefem tüm projelerde geçerli. Yattaki sınırlı alanları lüks bir yaşam sunacak şekilde tasarlıyorum. Nitekim en büyük zorluk bu: Sınırlı alanı hem işlevsel hem de konforlu bir şekilde düzenlemek. Bu nedenle çok işlevli mobilyalar, akıllı depolama çözümleri ve alanın her santimetresini değerlendiren özel tasarımlar yapmaya özen gösteriyorum. Renk paletinde ise genellikle açık tonlar kullanarak mekanın daha geniş algılanmasını sağlıyorum. Ev projelerinde müşterilerimin kişisel yaşam tarzına uygun, sıcak ve davetkâr mekanlar yaratmaya odaklanıyorum. Restoranlarda ise misafirlerin unutulmaz bir deneyim yaşaması önceliğim oluyor. Ev tasarımında olmazsa olmazlarınız neler? Doğal malzemeler, dengeli bir ışık tasarımı ve mekana kişilik katan özel detaylar. Doğal taşlar, ahşap ve tekstil gibi malzemelerle mekanın sıcaklığını artırmayı seviyorum. Kişisellik ise evin ruhunu oluşturur. Bu da özel tasarım bir mobilya, vintage bir parça ya da ev sahibinin kişisel hikâyesini yansıtan bir sanat eseri olabilir. MEKANDAKİ HER DETAY RESTORANIN KİMLİĞİNİ YANSITMALI Restoran tasarlarken önceliğiniz nedir? Atmosfer mi yoksa işlevsel olması mı? Tüm unsurlar birbiriyle bağlantılı, ancak önceliğim her zaman bütünlük oluşturmak. Mekandaki her detayın, menüden dekorasyona kadar restoranın kimliğini yansıtması gerekiyor. Atmosfer ise misafirlerin mekana girdikleri andan itibaren hissettiği duygularla ilgili. Son projelerinizden biri olan Cozy’de nasıl bir yer hayal ettiniz? Misafirlerin kendilerini evindeymiş gibi hissedecekleri bir atmosfer yaratmayı hayal ettim. Bu sıcaklık hissini lüks bir dokunuşla birleştirdim. Tasarımda doğal tonlar, yumuşak dokular ve sıcak aydınlatmalar kullandım. Tasarım anlayışınızda en çok hangi dönem ya da akımlardan etkileniyorsunuz? Modernizm ve Bauhaus hareketi tasarım anlayışımda büyük etkiye sahip. Aynı zamanda wabi-sabi felsefesi sayesinde doğal malzemelerin ve kusurların güzelliğini benimsiyorum. Ayrıca İskandinav tasarımının minimalizmi ve Akdeniz mimarisinin doğal zarafeti de projelerimde etkili oluyor. Hayalinizdeki projeyi bir sınırlama olmaksızın tasarlayabilseydiniz, bu nasıl bir proje olurdu? Hayalimdeki proje Muğla’da sade, zamansız ve huzurlu bir yaşam alanı tasarlamak. Ege’nin doğal dokusuyla uyum içinde, minimal ama sofistike, modern çizgilerle geleneksel Türk mimarisinin zarif bileşimine sahip bir ev. Açık tonlarla güçlü ve dinamik renklerin iç içe geçtiği, ferah ve ışıkla dolu bir yaşam alanının olduğu, iç mekanla dış mekan arasındaki sınırların neredeyse tamamen kaybolduğu, geniş teraslar ve avluların olduğu bir ev tasarlardım. Evin her köşesinde hem dinginlik hem de estetiği yansıtacak bir sadelik olmasına özen gösterirdim. for more Print VOL XV - 2025 ₺970,00 Price Add to Cart